La cultura europea se moviliza

Cartas a Ofelia / Crónicas culturales europeas

Círculo de Bellas Artes. Madrid

Cubamatinal / Madrid, 10 de octubre de 2020.

Querida Ofelia:

Madrid, 10 de octubre de 2020.

Querida Ofelia:

Sesenta instituciones europeas, entre las que se encuentran el Centre Pompidou (París), la Royal Academy of Arts (Londres), la Akademie der Künste (Berlín) y el Círculo de Bellas Artes, crean la European Alliance of Academies, una red transnacional presentada con el objetivo de salvaguardar a través de la cultura valores europeos como la democracia, la igualdad, la justicia o la defensa de los derechos humanos.

Como indica el manifiesto de este proyecto conjunto que acaban de presentar los centros culturales europeos, la alianza nace como un llamamiento a la solidaridad entre las instituciones del arte y la cultura de Europa. “El arte, la cultura y las ciencias solo pueden desarrollarse con el espíritu de la Ilustración superando las fronteras. Solo lograremos mantener y defender este espacio de libertad para el futuro manteniéndonos unidos”, señala. Así mismo, las instituciones que conforman esta unión, exigen “que el arte y la cultura formen parte integrante de la política europea”.

La primera reunión de las instituciones que forman parte de este hermanamiento cultural se ha celebrado en Berlín. El presidente del Círculo de Bellas Artes, Juan Miguel Hernández León y el director de la institución, Valerio Rocco Lozano, han acudido en representación de la cultura española. Hernández León ha participado en la rueda de prensa con la que la Alianza ha dato a conocer su manifiesto, destacando la responsabilidad que como Casa Europa asume el CBA y su compromiso de servir como puerta de conexión con Latinoamérica.

La próxima semana el Círculo de Bellas Artes, única institución española perteneciente a la alianza junto con la Real Academia Española, presentará las principales conclusiones de esta primera reunión de la European Alliance of Academies.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

El Niño de Elche. Auto Sacramental Invisible en el Museo Reina Sofía

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Foto de Joaquín Cortés / Román Lores. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía

Cubamatinal / Madrid, 8 de octubre de 2020.

Querida Ofelia;

En el marco del programa Fisuras, el Área de Colecciones del Museo Reina Sofía ha emprendido, junto con Niño de Elche (Francisco Contreras, Elche 1985), el proyecto Auto Sacramental Invisible. Una representación sonora a partir de Val del Omar. La propuesta concebida por el artista ilícita no se inspira libremente en la obra Auto Sacramental Invisible realizada a principios de la década de los 50 del siglo pasado por José Val del Omar (Granada, 1904 -Madrid, 1982),uno de los autores fundamentales de la Colección del Museo. El resultado final incorpora, en una compleja síntesis, componentes teatrales y musicales que, en la interpretación propuesta por Niño de Elche se manifiestan a través de una pluralidad de voces que se orientan simultáneamente tanto hacia la España de 1952 que vio nacer la obra original, como a este año 2020 en que el Museo Reina Sofía acoge, en primicia, su presentación en el Espacio 1 del edificio Sabatini hasta el próximo mes de abril.

Niño de Elche es uno de los artistas más heterodoxos del panorama cultural nacional. Reconocido por su faceta principal como cantante, su trabajo engloba la búsqueda de nuevas propuestas para conseguir aunar disciplinas tan dispares como el flamenco, la performance, la música electrónica o el rock. De ahí sus colaboraciones con bailaores como Israel Galván, grupos de rock instrumental como Toundra o bandas tan representativas como Los Planetas, con los que creó el grupo “Fuerza nueva”. Actualmente está inmerso en un proyecto global basado en la investigación del legado sonoro de Val del Omar, del que ésta relectura personal que presenta en el Reina Sofía es una parte destacada.

Origen del Auto Sacramental Invisible de Val del Omar

En el año 1949 Val del Omar comienza a componer el Auto Sacramental Invisible a modo de instalación sonora, y en 1952 se presenta de manera parcial en el Instituto de Cultura Hispánica (ICH). Concibe este dispositivo en perfecta articulación con un elaborado guion que distribuye minuciosamente el sonido (voces, músicas, ruidos diversos…) a través de más de una decena de altavoces, lo que supone una propuesta artística con un desarrollo tecnológico muy avanzado para la época. Además, se considera como una suerte de «eslabón perdido» dentro de la evolución estética de su obra. “Desde el año 2014 vengo entablando diferentes acercamientos a la obra siempre inacabada y, por ende, abierta de Val del Omar. Aproximaciones que en su mayoría fueron formalizadas como improvisaciones vocales inspiradas en la rítmica visual generada, sobre todo, de sus variados y valiosos ejercicios fílmicos registrados en formato Super-8. En cambio, y a lo que se refiere a mi desbordamiento vocal y sonoro, mi práctica consistía en diversos intentos o ensayos de mimetizar las bandas sonoras valderomarianas con la maquinaria de mis voces, lo que podría ser considerado como una experiencia cíborg”, explica Niño de Elche.

El Auto supone la culminación de los experimentos en electroacústica (el almacenamiento, la amplificación o transformación, y la repetición del sonido a partir de medios eléctricos) a los que Val del Omar dedicó buena parte de la década de los años cuarenta, e introduce algunas de las preocupaciones que marcarán su producción cinematográfica durante las siguientes décadas. Esta obra ayuda a explicar el salto entre el joven cineasta y fotógrafo cercano al realismo documental y vinculado a las Misiones Pedagógicas, y el Val del Omar ya plenamente cinemista, abstracto y poético que a partir de 1954 presentará, con su Aguaespejo granadino, ese “opus magnum” que es el Tríptico elemental de España.

Contextualización histórica

El montaje final que se puede ver ahora en el Reina Sofía consta de dos partes bien diferenciadas. Por un lado, una primera sala de contextualización histórica y documental alrededor de la creación del Auto Sacramental por parte de Val del Omar, de la que se ha encargado Lluís Alexandre. Se exhiben dos páginas de uno de los cuatro guiones que hizo el artista con notas y apuntes a mano que intentaban explicar de manera concreta como había que articular la voz para conseguir la tonalidad deseado “acto primero: voces resonantes con un tono envolvente” son algunas de las frases que se pueden leer en sus guiones. Pero como reconoce Niño de Elche “sus metáforas poéticas son imposibles de llevar a la realidad, de ahí que haya hecho una reinterpretación libre”.

Continuando el recorrido de esta sala encontramos invitaciones de aquella presentación del año 1952, fotografías de la revista del ICH de cuando se inauguró el edificio, los libros que tenía Val del Omar relacionados con asuntos del sonido y la música(Ciencia y música), patentes de marca de varios inventos que realizó o los documentos que muestran los encargos que hizo para Radio Nacional de España, donde trabajó entre 1946 y 1949.También vemos material gráfico que demuestra la importancia que tuvo para la difusión de la propaganda política la utilización del sonido.

Este primer espacio expositivo nos explica además, cómo funcionaban las Misiones Pedagógicas de la época en la parte relacionada con el sonido, de las que formó parte el creador granadino. Los integrantes de las Misiones iban a los pueblos con material para poder reproducirla música y las canciones populares con el fin de acercar ese acervo cultural a todo tipo de públicos. Para ello utilizaban un gramófono que indistintamente servía para escuchar la música o para grabar la manera de hablar de los habitantes que visitaban.

El Auto Sacramental reinterpretado por Niño de Elche

El segundo espacio es la instalación sonora que ha realizado Niño del Eche a partir del trabajo de Val del Omar. Los Auto Sacramentales son piezas de teatro de temática religiosa de un solo acto que en el siglo XVII estuvieron muy de moda. Por lo general, la gente era analfabeta y los Autos eran utilizados para narrar la vida y milagros de los personajes religiosos. Autores tan significativos como Calderón de la Barca tienen varias obras de este estilo, y de hecho Val del Omar, recurre a La vida es sueño de Calderón o a escritos de Federico García Lorca como referencias para su composición

Niño de Elche y su equipo han partido de los guiones originales de Val del Omar para hacer una relectura y crear su propia versión de aquella pieza. No hay referencias de la parte musical de la presentación parcial que hubo en el año 1952 en el ICH, por lo que ha actuado con total libertad para incluir versos suyos o frases que aparecen en los guiones y que ha readaptado: “alégrate del dolor y del placer” es una frase que está en el guión original, y que el artista ilicitano canta.

A la hora de acometer la escenografía, Lluís Alexandre se ha inspirado en lo que se cree que fue la puesta en escena del ICH: “Al entrar en la instalación, -explica Lluís- el visitante descubrirá una estructura alámbrica colonizada por marañas de cables, focos y bombillas empalmados con regletas y enchufes. De esta estructura cuelgan quince altavoces (en los guiones originales se hablaba de 12), cuyos pabellones se precipitan desafiantes sobre el visitante, como hicieran los altavoces militarizados de La Voz del Frente o del Circuito Perifónico. Ornamentados con bombillas de feria, los altavoces se transforman en lámparas votivas”.

Se cree que la representación del año 52 en el Instituto fue similar a la de un montaje teatral, de ahí que, para favorecer la sensación de estar asistiendo a una representación escénica, en la sala se han dispuesto dos hileras de cuatro butacas para que el espectador pueda sentarse, aunque la idea de Niño de Elche es que el visitante pueda también deambular por la sala y se deje envolver por la instalación sonora y el montaje de luces.

Lo que sí se sabe de la puesta en escena en el ICH es que allí había una gran cortina alrededor del escenario, y esa gran cortina se ha transformado en el Museo en una tela negra de grandes dimensiones que envuelve toda la sala con un estampado de decoración vegetal y animal inspirada en los motivos de los jardines de la Alhambra de Granada. Otro de los elementos decorativos de estas grandes telas se inspira en la bomba nuclear. Val del Omar estaba obsesionado con este dispositivo, por lo que el equipo creativo ha decidido que estas telas rematen su decoración con la simulación de las imágenes de manchas térmicas nucleares.

FECHAS: 7 de octubre de 2020 / 26 de abril de 2021

LUGAR: Edificio Sabatini. Espacio Uno

ORGANIZACIÓN: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

PROYECTO: Francisco Contreras (Niño de Elche)

EQUIPO COLABORADOR: Miguel Álvarez-Fernández en el guión, diseño sonoro y producción musical; Lluís Alexandre Casanovas Blanco en la contextualización histórica, guión y diseño arquitectónico; Carlos Marquerie y David Benito en la iluminación y Juan Andrés Beato en la ingeniería del sonido.

COORDINACIÓN: Almudena Díez.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

Yara sí, Granma no

Cartas a Ofelia / El barco más potente del mundo; llevaba 82 hombres y hundió a una nacion .

Cubamatinal / París, 6 de octubre e 2020.

Querida Ofelia:

Te envío este interesante artículo del licenciado Sergio Ramos, que me hizo llegar desde Miami nuestro querido y viejo amigo don Roberto A. Solera.

San Juan, Puerto Rico a 2 de octubre de 2020.

Cuando en 1976 el régimen castrista cambió el mapa político de Cuba, dividiendo las seis tradicionales provincias en 14 y más tarde en 2011 las volvió a reestructurarlas creando 15 provincias. Desde el principio a una de ellas le dio el nombre de un yate: Granma, la embarcación en la que arribó el tirano Castro. Una embarcación que solo trajo dolor, hambre y muerte al pueblo cubano, pues una vez aquellos tripulantes que llegaron a bordo de esa embarcación tomaron el poder, se adueñaron del país imponiendo una tiranía totalitaria siguiendo el modelo aplicado por Stalin en la otrora Unión Soviética.

Han pasado más de seis décadas del arribo de aquella embarcación y tras la toma del poder en 1959, el resultado para Cuba ha sido más de 7,899 asesinatos en el paredón y en ejecuciones extrajudiciales, incluyendo niños. Decenas de miles cubanos fueron, en uno u otro momento, encarcelados y todavía hoy continúa el horror del presidio político. Miles de cubanos han sido detenidos y muchos de estos fueron sometidos a torturas, y todavía actualmente se sigue torturando a los opositores que son detenidos. Hay más de dos millones cubanos dispersos por el mundo que se vieron forzados a salir del país para buscar la libertad en otras tierras, y todavía hoy los cubanos siguen escapando del infernal sistema castrista. Mientras los que quedaron dentro de la isla son sometidos al feroz yugo del totalitarismo, violándoles constantemente sus más elementales derechos humanos, viviendo bajo condiciones miserables, pasando escasez y hambre, percibiendo salarios de miseria, al tiempo que una casta minoritaria usurpa el poder — los que vinieron en el fatídico yate y sus familiares e íntimos allegados de la cúpula del gobierno — se enriquecen a costa de la explotación de los trabajadores cubanos.

Granma solo representa para el pueblo cubano muerte, opresión y miseria. Indigno es que una provincia lleve el nombre de la embarcación en donde arribó la magna tragedia que agobia a nuestro pueblo.

Dicha zona mal llamada Granma, queda a un área de la Isla de Cuba en donde ocurrieron transcendentales hechos gloriosos de nuestra historia. Por aquella zona fue en donde nació el germen de la independencia y la libertad de Cuba en el 1868. En ese espacio territorial están Bayamo, La Demajagua, Yara, entre otros. Lugares iconos en la historia de las guerras de independencia de Cuba.

Yara, un poblado de esa provincia, tuvo la primicia del primer combate por la libertad y la independencia de Cuba. La forja de una república bajo un marco de democracia, como lo expresa aquel manifiesto promulgado el Padre de la Patria Carlos Manuel de Céspedes el 10 de octubre de 1868 al plantear que: ..: “Nosotros consagramos estos dos venerables principios: nosotros creemos que todos los hombres somos iguales: amamos la tolerancia, el orden y Ia justicia en todas las materias; respetamos las vidas y propiedades de todos los ciudadanos pacíficos, aunque sean los mismos españoles, residentes en este territorio; admiramos el sufragio universal, que asegura la soberanía del pueblo…”

Bajo estos principios comenzaron las guerras de independencias que dieron lugar un 20 de mayo de 1902 a la República de Cuba. Aquella república se fundamentaba en la libertad y la democracia para todos sus ciudadanos.

No negamos que tuviera sus imperfecciones, pero estas nunca justificarán la imposición de una tiranía, para pretextar la usurpación del poder por quienes pretenden oprimir y esclavizar al pueblo. Al fin de cuentas, toda obra humana adolece de imperfecciones, pero también en sana democracia y con sabia justicia, se reparan en paz los males, errores y problemas que aquejan a toda sociedad cuando esta vive en libertad y respeto a los derechos humanos.

No podemos desconocer que muchos fueron los frutos y progresos del país bajo la República. Durante aquel tiempo Cuba llegó a tener los altos niveles de progreso comparado con otros países de Latino América.

Brevemente, comparando lo que nos trajo Yara versus lo que nos impuso el Granma, durante la república, Cuba se convirtió en la primera productora de azúcar en el mundo. Para 1958 el país produjo 5,613,823 toneladas con un total de 161 ingenios azucareros. Mientras que ahora, bajo la dictadura castrista, en la zafra 2019-2020 el régimen solo ha podido producir 1.7 millones de toneladas de azúcar y quedaban en operación tan solo 17 molinos azucareros, o sea, por debajo de la producción del país, a los ocho años después de instaurada la República en el año 1910, cuya producción de azúcar alcanzó 1.8 millones de toneladas.

Para 1958 Cuba tenía 5.8 millones de cabezas de ganado, casi a razón de una res por habitante, ya que la población era de unos 6 millones de habitantes. Hoy día hay una grave escasez de carne en el país porque la ganadería está seriamente mermada y deteriorada.

El nivel de salario per cápita promedio del país en el año 1958 era $356 pesos, el tercero más alto entre los países de América Latina, detrás de Venezuela y Uruguay. Y el peso cubano equivalía al dólar (1 peso = 1 dólar); ambas monedas circulaban a la par en todo el país. Hoy día, bajo el castrismo, el salario per cápita promedio es de 875 CUP o pesos nacionales, pero 25 CUP (peso nacional cubano) equivalen a un dólar (US$1.00), luego convertido el CUP al dólar, el salario que gana un trabajador promedio hoy día es de US$35 dólares al mes. Suma de dinero que no alcanza para la canasta alimentaria de los trabajadores cubanos dado el altísimo nivel de precios conque el monopolio del estado vende sus productos al pueblo.

La escasez y la pobreza, además de la conculcación de sus libertades, son una constante en el diario vivir de los cubanos. Eso, entre otros muchos males más, fue lo que trajo aquel grupo de malandros que llegaron al país en aquel yate llamado Granma.

Luego resulta en un insulto al pueblo cubano haber nombrado una provincia con el nombre del yate en la cual arribaron los causantes de la muerte, opresión, y miseria para el pueblo cubano.

Mientras Yara, un pueblo de la indicada región, representa el inicio de la libertad que nos trajo el progreso a Cuba entre el 20 de mayo 1902 hasta el 1ro de enero de 1959. Y si males hubo en la república, los reconocemos, pues como en toda obra humana, adolece de sus errores e imperfecciones, pero estas eran remediables sin necesidad de someter al pueblo a un yugo opresor.

Para los cubanos Yara representa libertad. Granma representa opresión. Yara significa progreso. Granma es fuente males y miseria. Yara simboliza la gloria de nuestros libertadores. Granma representa la infamia de nuestros opresores.      No más Granma. A voz de pueblo, en honor y gloria a nuestros mambises, llamémosle Yara. Provincia de Yara. ¡Yara SI, Granma NO!”

Lcdo. Sergio Ramos.

Un gran abrazo desde estas lejanas tierras allende los mares,

Félix José Hernández.

Y al tercer día Mr. Trump regresó

Cartas a Ofelia / Crónicas norteamericanas

Cubamatinal / París, 6 de octubre de 2020.

Estimada Sra. Vega:

Vd. me ha dejado estupefacto al leer la nota que me envió: “Jesús le apareció a Trump en su habitación del hospital y le dijo: ‘levántate y anda’. Seguidamente le entregó la bandera americana a Trump para que salvara a América y al Mundo del comunismo. Por eso como Él, volvió al cabo de tres días a la vida, al vencer el coronavirus…” También Vd. me envió dos carteles de propaganda que reproduciré a continuación.

Sra. Vega, la Virgen María ha hecho a lo largo de estos 2000 años apariciones en lugares que se han convertido en sitios de peregrinaciones y donde se han construido grandes santuarios: Fátima, Lourdes, Covadonga, Guadalupe, etc. Pero no es el caso de Jesús.

Por tal motivo, le recomiendo que por medio de las autoridades eclesiásticas estadounidenses, Vd. contacte al Vaticano, para que Mr. Trump en un futuro sea proclamado como San Donald. Al mismo tiempo la suite del Hospital Walter Reed donde estuvo ingresado, se convertiría en un lugar de peregrinaciones y ese hospital en la gigantesca Basílica de San Donald.

Por mi parte, la noticia que leí en el periódico madrileño ABC, no hace referencias a ningún tipo de milagros:

El presidente de Estados Unidos, Donald Trump, ha abandonado este lunes voluntariamente el hospital militar de Walter Reed, tras apenas tres días ingresado por coronavirus, y bajo un agresivo tratamiento de antivirales y esteroides. Pasadas las 18.30 hora local (las 00.30 en la España peninsular) ha recibido formalmente el alta voluntaria y ha salido por su propio pie, acompañado después por su equipo en un convoy de coches al helicóptero presidencial Marine One, que esperaba cerca. De ahí, ha sido traslado de regreso a la Casa Blanca.”

Tengo entendido que para ser declarado santo, la persona después de fallecer debe hacer varios milagros. A lo mejor Mr. Trump logra hacer los milagros en vida, lo cual sería algo fabuloso. Le deseo mucha Fe, ella es capaz de mover las montañas.

¿Me podría decir si hubo testigos del milagro y cuáles son sus fuentes de información? Es decir: ¿Cómo lo supo y de dónde vienen estos dos carteles de propaganda? El de Jesús con la bandera es blasfemo, sin lugar a dudas.

Reciba mis cordiales saludos desde estas lejanas tierras allende los mares,

Félix José Hernández.

Adiós a Vitea, querido y viejo amigo camajuanense

Cartas a Ofelia / Crónicas cubanas: Obituario

Foto: Vitea al centro, con uno de sus hijos y tres nietos, Miami.

Cubamatinal / París, 5 de octubre de 2020.

Querida Ofelia:

Nuestro amigo don Miguel García me envió esta triste noticia desde Miami:

 “Miami, 4 de octubre de 2020.

Por este medio queremos informarles del sentido fallecimiento ocurrido el pasado sábado 3 de octubre de 2020 en esta ciudad de Miami, de nuestro coterráneo y amigo, Rolando Víctor Vázquez López, (Vitea).

Víctor había nacido el 23 de abril de 1930, por lo que contaba al morir con 90 años de edad.

Él se había dedicado toda su vida en Camajuani al oficio de panadero, y en su juventud perteneció al Movimiento 26 de Julio junto a sus amigos Ramiro Lorenzo y Miguel García, siendo fundador del II Frente del Escambray.

En los años 1970 salió del Cuba al no simpatizar con el régimen. A su llegada a Miami se dedicó al giro de pintor, hasta su retiro.

Por este medio les queremos hacer llegar nuestras condolencias a sus familiares, especialmente a su esposa Daisy Ruiz, a sus 4 hijos, su hermanos Georgina y  Franciscoy a sus sobrinos.

Su servicio fúnebre se celebrará el miércoles 7 de octubre en la funeraria Rivero, sita en la calle 40 y 82 avenida, en el barrio de Westchester, aquí en la ciudad de Miami. Muchas gracias por su asistencia.”

Recuerdo a Vitea y a su esposa Daisy en mi niñez camajuanense con gran simpatía. Su partida me hace recordar la bella canción “Cuando un amigo se va”, de Alberto Cortez: 

Descansa en paz por la eternidad Amigo,

Félix José Hernández.

Disonata en el Museo Reina Sofía

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Cubamatinal / Madrid, 28 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

La exposición Disonata. Arte en sonido hasta 1980, basada en un proyecto original de Guy Schraenen, recientemente fallecido, analiza una de las facetas menos conocidas de las artes plásticas: el desarrollo del sonido como campo creativo diferenciado de la música, desde principios hasta finales del siglo XX.

Disonata se inscribe en una programación diseñada por el Museo Reina Sofía para poner en común las interconexiones entre arte y sonido: cómo éste irrumpe en las artes plásticas y de qué manera lo abordan distintos artistas de diferentes épocas.

La exposición constituye así una pieza más en esa especie de universo dedicado al arte sonoro que el Museo ha compuesto dando una visión de conjunto global, en el que es obligado relacionarla con Audiosfera. Experimentación sonora 1980-2020, que se abre el 14 de octubre, o la representación sonora del Niño de Elche a partir de Val del Omar que se podrá ver desde el 7 del mismo mes; el concierto celebrado recientemente de Barber o el ciclo Archipiélago, de música experimental, que acaba de finalizar. Distintas manifestaciones que conforman un todo que hará entender mejor al público las relaciones entre lo que hay de visual y auditivo en el arte.

En esta muestra en particular, que cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid, el espectador encontrará cerca de doscientas obras: grabaciones, pinturas, instrumentos, esculturas, partituras, maquetas, manifiestos, fotografías y películas que descubren una cara diferente del arte, que arrancó con las vanguardias históricas del futurismo, el dadaísmo y el surrealismo, y en la que destacan obras de artistas como Elena Asins, Ulises Carrión, Marcel Duchamp, Esther Ferrer, Jean Tinguely o John Cage, de Fluxus, entre otros.

De esta forma se recupera el trabajo de una serie de pioneros que se adentraron en terrenos inexplorados de los fenómenos y procesos sonoros, antaño de dominio exclusivo de los músicos. La fuerza impulsora de esta transformación fueron los artistas visuales, pero también participaron poetas y músicos visionarios, incluso arquitectos e ingenieros, que favorecieron una serie de experimentos acústicos revolucionarios que desbordaron las categorías predefinidas del arte moderno y contemporáneo.

El recorrido de la exposición pone de relieve de forma cronológica diferentes momentos cruciales de este proceso: desde la experiencia futurista de construir instrumentos para entonar ruidos; los experimentos espaciales, musicales y multimedia en los años 50, como el Pabellón de la compañía Philips en la Exposición Universal de Bruselas de 1958, con contribuciones de Iannis Xenakisy Edgar Varèse, y todo ello bajo la dirección de Le Corbusier(autor del espectáculo Poema electrónico del interior); la fascinación de los artistas visuales por el magnetófono en los años centrales del siglo XX; las aportaciones del movimiento Fluxuso el grupo español Zaj hasta llegar a las escenas pospunk en los años 80.

Primeros experimentos

La exposición se abre con una serie de artistas de las primeras décadas del siglo XX, críticos respecto a lo establecido y conocido hasta entonces. Algunos de ellos comenzaron a trabajar en proyectos innovadores sobre el sonido, como los dadaístas o los futuristas italianos encabezados por Filippo T. Marinetti que, fascinados por los avances técnicos y mecánicos, recurrieron al paisaje sonoro e industrial urbano. Ejemplo de ello son las réplicas de los “intonarumori” que se muestran en la primera sala, unos entonadores de rugidos, crujidos, explosiones y gritos creados por Luigi Russolo.

Junto a Erratum Musical, de Marcel Duchamp, paradigma de procesos aleatorios en composiciones musicales, otras iniciativas tempranas de arte sonoro que se recogen en esta primera sala son las obras de Man Ray Emak Bakia (Déjame en paz, 1926), un instrumento que se niega a sonar, y Objeto indestructible, un metrónomo con ojo que supone un reconocimiento de la duración de la labor artística. También se proyecta la película de la vanguardia rusa Entusiasmo: La Sinfonía de Donbass (1930), de Dziga Vertov, que incluye en su banda sonora ruidos de la fábrica y de la industria minera.

La segunda sala traslada a los años 50, cuando tras la II Guerra Mundial se intenta recuperar cierto humanismo con las nuevas tecnologías como base. En este contexto se celebró la Exposición Universal de Bruselas de 1958 –la primera después del conflicto bélico-donde no se diseñó un pabellón al uso para la empresa de electrónica Philips, sino un contenedor para Poème électronique (Poema electrónico), una obra creada para la vista y el oído y compuesta por un collage visual de proyecciones, de Le Corbusier, y por una pieza sonora de Edgar Varèse.

Mediante 425 altavoces conectados por tecnología telefónica, la obra creaba un espectáculo multimedia para los visitantes que tenía la intención de ilustrar la historia de toda la humanidad dentro de un espacio en el que las multitudes tenían la ilusión de pasar a través de las cavidades y de la digestión de un estómago para renacer a una nueva comunidad después de la tragedia de la guerra. Para Le Corbusier, el espectáculo completo del poema reunía las cinco nuevas formas de jeux électroniques, juegos de luz, color, ritmo, imagen y sonidoy en esta sala el público puede contemplar una maqueta y un video de las proyecciones del pabellón Philips.

La transcendencia del magnetófono

La siguiente sala gira alrededor de la grabadora de cinta magnética, un dispositivo utilizado por los artistas para experimentar. Gracias a la posibilidad de manipulación de las bandas con superposiciones, cortes y regulaciones de velocidad, el británico Brion Gysin trabajó, por ejemplo, en la transposición de la técnica de cut-upo de recortes a sus poesías visuales y sonoras, como puede escuchar el público en la interpretación grabada de I Am That I Am (comenzado hacia 1958), poema basado en la frase bíblica Yo soy el que soy.

La cinta magnética fue también un medio para una posible “escritura directa” de obras etiquetadas como letrismo de creadores como Isidore Isou, cuya obra La plástica parlante (1960-87) es precisamente un magnetófono intervenido que puede ver aquí el espectador.

Con la llegada de los 60, la grabadora de cinta magnética se empleó en contra de las nociones clásicas de la música. Artistas como Karel Appely Asger Jorn, de quienes se muestran las portadas de sus discos titulados Musique Phénoménale (1961), se ocuparon en conseguir una música calificada como bárbara e interpretada mediante golpes más allá de la norma.

Escultura se instrumentos imposibles

El siguiente espacio de Disonata muestra diversos instrumentos, máquinas, estructuras y esculturas que cuestionan la distinción entre arquitectura y artes plásticas, por un lado, y la música, el teatro y similares, por otro.

Un ejemplo que puede verse en la exposición es Red Disc and Gong (1940) de Alexander Calder, donde el silencio o los sonidos aleatorios convierten la obra en los remanentes de un dispositivo que no se ejecuta y que, por lo tanto, deja de ser instrumental.

En contraposición, Cristal (1952 / 1980) es un instrumento musical con forma de escultura de los hermanos de Bernard y François Baschet que, como artesanos contemporáneos, buscaban producir los instrumentos manuales de su época. Por su parte, el maquinista Jean Tinguel y desarrolló su interés por la radio e ideó Radio-Skulptur, un mecanismo cuyo funcionamiento es tan cambiante como lo es el flujo de noticias que emite.

En la exposición también se recogen, por ejemplo, los instrumentos artísticos manejados mediante flujo electromagnético del artista Takis; las esculturas de cuerdas de Pol Bury, u obras como Cellar-Duo (Dúo de bodega, 1980-1989)de Dieter Roth, que reúne una acumulación indiscriminada de órganos de juguete, un sintetizador y una miscelánea de componentes ensamblados a una pared o como L’Anticoncept (El anticoncepto, 1951), compuesto por una proyección de Gil Wolman sobre un globo meteorológico en la que el sonido se concibe de manera independiente mediante monólogos que incluyen frases cantadas, repeticiones habladas en staccato y silbidos que se funden con ruidos.

Nuevas ideas: Fluxus y el grupo español Zaj

Aunque a comienzos del siglo XX se registraron importantes innovaciones musicales, el movimiento Fluxus, al que se dedica una sala de la exposición ,amplió durante los años 50 el concepto de composición musical mediante originales propuestas.

Así, junto a John Cage, de quien se muestran varias partituras, otros autores como George Brechty La Monte Young siguieron el camino de la transformación de la música notada hacia gráficos y textos con creaciones dirigidas hacia la libertad interpretativa total.

En este sentido, entre las diferentes posibilidades de una partitura, esta sala muestra a modo ilustrativo las posturas de Robert Filliou en su obra Musical Economy No. 5 (ca. 1971)que indican también un profundo cuestionamiento de lo convencional, de lo tradicional y de lo normativo en el patrimonio musical.

En este mismo apartado se exhiben obras del Grupo Zaj, un colectivo español en el que participaron artistas que cuestionaron la noción de autoría y de obra artística entendida como una totalidad cerrada, y convirtieron principios como la aleatoriedad, la sencillez o la indeterminación en ejes fundamentales de sus proyectos performativos. Es el caso de Esther Ferrer, con su obra Concierto Zaj para 60 voces (1983) o de Juan Hidalgo, del que se muestra un ejemplar de su libro Viaje a Argel (1968).

Tendencias en los años 70 y 80

Las últimas salas de la exposición explican cómo en los años 70, la convergencia del arte y del sonido comenzó a caminar cada vez más hacia nuevas manifestaciones, como los trabajos de Hanne Darboveno de la española Elena Asins que, con sus rigurosos estudios sobre estructuras armadas a partir de una multiplicidad de elementos finitos, quiso rendir homenaje a las composiciones de Mozart, como los que se muestran de su serie de obras Strukturen.

A su vez, Józef Robakowski y Ulises Carrión se afanaron en sus películas para seguir el ritmo de fenómenos que son similares a sucesos sonoros, como contar en voz alta estando en movimiento o las revoluciones sucesivas de un disco en reproducción; muestra de ello, 45 revoluciones por minuto, un video de Carrión que puede ver el público.

En lo que respecta a los años 80, momento caracterizado por el capitalismo exacerbado en EE.UU. y Reino Unido, se muestra la reacción del punk, un grito de protesta, a través de películas como Rock My Religion (Rock, mi religión) de Dan Graham (1982-1984) o Sir Drone(1989)de Raymond Pettibon (1989),donde queda patente su desencanto.

Disonata se cierra con los videos de Ronald Nameth de las actuaciones Exploding Plastic Inevitable (1966), unos espectáculos improvisados por Andy Warhol, y por Atomic Alphabetde Chris Burden (1980), una obra sonora que revela la aparente naturalidad con la que la violencia penetra en los hogares a través de las noticias de los medios de comunicación.

Catálogo: Con motivo de la exposición, el Museo Reina Sofía edita un catálogo que, además de imágenes de las obras, incluye ensayos de autores dela comisaria Maike Adeny deArndt Niebisch, Christina De Simone, Javier Ariza y Ricardo Dal Farra, así como textos históricos de Luigi Russolo, Pauline Oliveros, László Moholy-Nagy, Henri Chopin y Pierre Schaeffer.

Nota: Como medida de prevención higiénico-sanitaria, se ha evitado en la exposición el uso de auriculares y al objeto de que todos los audios puedan ser escuchados correctamente y con la calidad necesaria por los visitantes, se ha establecido un sistema de puesta en marcha alternativo de las piezas sonoras que evita que se solape el sonido de las mismas.

FECHAS: 22 de septiembre de 2020 /1de marzo de 2021

LUGAR: Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini, 3ª planta ,Madrid.

ORGANIZACIÓN: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

COMISARIADO: Maike Aden (sobre un proyecto original de Guy Schraenen)

COORDINACIÓN: Beatriz Velázquez y Andrea Pérez Envid

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

El Museo Nacional del Prado celebra el Día Internacional de las Lenguas de Signos

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Ilustración: El Descendimiento Rogier van der Weyden Antes de 1443. Óleo sobre tabla. 204,5 x 261,5 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado. Depósito de Patrimonio Nacional.

Cubamatinal / Madrid, 22 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

El Museo Nacional del Prado celebra el Día Internacional de las Lenguas de Signos con el responsable de “El Prado para todos”, programa de Prado Educación destinado a promover la participación de todos los colectivos vinculados con la diversidad o con entidades sociales, que contará con la colaboración de una intérprete de LSE.

Santiago explicará El Descendimiento de Van der Weyden y comentará las líneas generales del curso 2020-2021 de “El Prado para todos” que ofrecerá alternativas de participación muy flexibles, incluyéndolas sesiones de trabajo a distancia a través de herramientas tecnológicas. Las distintas actividades accesibles que se ofrecen en este programa, que cuenta con Samsung como colaborador tecnológico, son:

  • Te quiero en pintura: retratos con emoción. Recomendada para grupos de personas mayores de 65 años o con deterioro cognitivo.
  • Sui géneris. Arte, publicidad y estereotipos. Recomendada para Centros Ocupacionales, Colegios de Educación Especial y Centros de Rehabilitación Psicosocial.
  • Los sabores del Prado. Recomendada para grupos de personas con Trastornos del Espectro Autista (TEA) y grupos de población migrante o refugiada.
  • Invencibles en el Prado. Recomendada para grupos de personas con discapacidad física, daño cerebral adquirido y otros grupos de personas en situación de vulnerabilidad.

La inscripción en las actividades para el curso 2020/2021 se abre al público el próximo 1 de octubre.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

Georges Didi-Huberman en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Georges Didi-Huberman

Cubamatinal / Madrid, 18 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

El filósofo e historiador de arte, Georges Didi-Huberman, autor de numerosas publicaciones sobre la historia y la teoría de las imágenes, presentará en el Círculo de Bellas Artes dos volúmenes. Uno centrado en la fenomenología y la antropología de los gestos de levantamiento y otro en el que se interroga sobre las formas en las que Georges Bataille se aproximó al arte, a través de un recorrido por múltiples obras del escritor y pensador francés.

Presentará el acto Juan Miguel Hernández León, presidente del CBA

La presentación se podrá seguir por streaming a través de este enlace:

Presentación Didi-Huberman

Desear. Desobedecer

Lo que nos levanta, vol.1

Editorial Abada

Este libro es un ensayo de fenomenología y de antropología –y hasta una poética- de los gestos de levantamiento. Interroga a los cuerpos con la psique a través del vínculo profundo, paradójico, dialéctico, que se instaura entre el deseo y la memoria. Al igual que hay un “lo que nos mira” más allá de “lo que creemos ser”, hay quizás también un “lo que nos levanta” más allá de “lo que creemos ser”. Se trata de una cuestión planteada al principio –o en el interior- de nuestras opiniones o acciones partidarias: una cuestión planteada, pues, a los gestos y a las imaginaciones políticas. Una cuestión planteada a la potencia de levantarse, incluso cuando el poder no está a la vista. Esta potencia es indestructible, como el deseo mismo. Es una potencia de desobedecer. Es tan inventiva que merece una atención a la vez precisa (porque lo singular, en este caso, nos dice más que lo universal) y errática (porque los levantamientos surgen en tiempos, en lugares y a escalas en los que no se les esperaba).

Didi-Huberman participará en un coloquio junto con: Juan Barja (escritor y editor) y Fernando Guerrero (editor).

La Dama Duende

Editorial Avarigani

Con la introducción y traducción de Lucía Montes Sánchez, en La dama duende, Georges Didi-Huberman se interroga sobre las formas en las que Georges Bataille se aproximó al arte. ¿Cómo encaró esa tarea de escritura y qué posición tomó en su labor? El autor nos ofrece un recorrido por múltiples obras de Bataille, haciendo especial hincapié en la revista Documents. Su posición con respecto al arte, nos dice, será siempre dialéctica, inextricablemente contradictoria, de modo que le exigirá invariablemente al arte dar forma a una experiencia que sea, a la vez, ejercicio de crueldad o sacrificio y fruto de una inquietud cercana a la inocencia de la infancia.

Para ayudarnos a figurar algo así, la imaginación de Georges Didi-Huberman migra allí donde Bataille vivió, en1922, una serie de experiencias artísticas a través de las que, soberanamente, tuvo acceso a lo imposible. Fue el viaje decisivo que realizara por España, a los veinticuatro años, y que culminaría con su presencia en el célebre Concurso de Cante Jondo, organizado por Manuel de Falla y Federico García Lorca.

Con un precioso y suculento abanico de imágenes, Georges Didi-Huberman aproxima en este texto dos figuras y dos operaciones extáticas, dos experiencias y dos exigencias lanzadas a toda forma de arte que pretenda salirse de los goznes de lo esperable y de lo posible, y que rompa con los procedimientos y las formas normados por el saber instituido en el canon de los estilos. De este modo, la desmesura que Bataille le exige al arte se dará la mano con la que trae consigo el duende inventado por Lorca en la década de los treinta. El duende juega con el arte, lo aleja de todo formalismo académico y lo aproxima a su propia aniquilación, hiriéndolo de muerte y abriéndole así su posibilidad de realizar y figurar lo imposible, es decir –en palabras de Lorca–, brindándole «un aire con olor a saliva de niño […] que anuncia el constante bautizo de las cosas recién creadas».

En esta presentación intervendrán, junto al autor: Benito Navarrete Prieto (Catedrático de Historia del Arte en el departamento de Historia y Filosofía de la Universidad de Alcalá), Lucía Montes Sánchez (Profesora e Investigadora en Formación, FPU, en la Universidad Autónoma de Madrid) y Valerio Rocco Lozano (director del CBA).

GEORGES DIDI-HUBERMAN presenta los libros Desear. Desobedecer. Lo que nos levanta, vol.1 y La Dama Duende.

Círculo de Bellas Artes de Madrid. Miércoles, 23 de septiembre (19h.). Sala María Zambrano.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

Sueño e ingenio en la Biblioteca Nacional de España

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Nueva apertura: del 22 de junio al 25 de octubre de 2020.De lunes a viernes, de 10:00 a 18:00 h. Sábados, de 10:00 a 14:00 h. Domingos y festivos cerrado.

Cubamatinal / Madrid, 16 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

Incluso antes de tener un nombre, la ingeniería civil tuvo un objetivo: transformar el país. Ese fue su sueño. Como ocurrió en otras naciones europeas, no fue hasta finales del siglo XVIII cuando en España se creó un cuerpo específico, el de ingenieros de puentes y caminos, para la proyección y construcción de obras públicas. Antes, estas labores eran una rama de la arquitectura que, aun no teniendo una denominación propia, fueron adquiriendo entre el Renacimiento y la Ilustración un protagonismo creciente, dotándose de prestigio, nuevos conocimientos y, sobre todo, de una función, ambiciosa, luminosa, necesaria: mejorar el territorio, adaptarlo a las necesidades de la sociedad. La exposición desgrana este proceso que puso las bases de la ingeniería contemporánea, uno de los factores decisivos en la conformación del mundo actual.

Partiendo del extraordinario y poco conocido patrimonio bibliográfico español relacionado con la ingeniería civil, esta muestra pretende desvelar cómo dicha disciplina se fue definiendo entre el siglo XVI y principios del XIX. Entre las obras expuestas se encuentran muchas inéditas o que se han mostrado y estudiado en contextos muy distintos. Son piezas de diverso tipo y formato: manuscritos, grabados, óleos, acuarelas, incluso esculturas y maquetas históricas, pero de manera muy especial libros, palabras impresas. Nunca antes una exposición había logrado reunir tantas y tan importantes piezas sobre las obras públicas de la España moderna. Todas ellas revelan que ya en este periodo se consideraron un elemento decisivo del desarrollo colectivo.

A través de una evocadora sucesión de áreas (Sueño e ingenio; Abrir caminos; Mar en el horizonte; Un precioso recurso; Caminos de agua; A la búsqueda de un tratado) se aborda como a lo largo de la Edad Moderna la presencia de puentes, caminos, acueductos, presas, canales o puertos aumentó progresivamente en el paisaje, en la cartografía física, pero también en la literatura política, económica, de ficción o técnica.

Entre otras obras, el espectador puede encontrar un inédito manual para construir caminos de época ilustrada junto al primer tratado de puentes escrito en español; el magnífico trabajo que se hizo desde la Academia de San Fernando para publicar una segunda parte del libro de hidráulica de Bails, que finalmente nunca llegó a ver la luz; puede comparar los inigualables Veintiún libros de los ingenios y las máquinas con las muy próximas anotaciones a una edición de Alberti también conservada en la Biblioteca Nacional de España; una desconocida hasta la fecha traducción al español del clásico sobre hidráulica de Bélidor, realizada por uno de los héroes de la Independencia de Colombia; una maqueta decimonónica del canal de Aragón y otra del puente de Neuilly no expuestas hasta el momento y un largo etcétera.

Las piezas se han escogido a partir de un examen exhaustivo de los fondos de la Biblioteca Nacional de España, así como de otras instituciones como la Fundación Juanelo Turriano, Patrimonio Nacional, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Calcografía Nacional, Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, Museo del Ejército, Centro Cultural de los Ejércitos, Museo Naval, Museo Nacional del Prado, la Academia de Ingenieros del Ejército de Hoyo de Manzanares o el Ministerio de Fomento. Estas entidades y la galería Palau Antiguitats han aportado generosamente sus recursos y obras para dar forma a una muestra inédita en España sobre la formación de una disciplina, la ingeniería civil, destinada a cambiar el mundo y que se basó desde la Edad Moderna en dos principios, el sueño y el ingenio, es decir, en la capacidad que la voluntad y la inteligencia de los individuos tienen para transformar el territorio, los lugares donde habitan.

 Comisario: Daniel Crespo Delgado

Sueño e ingenio. Libros de ingeniería civil: del Renacimiento a las Luces.

Nueva apertura: del 22 de junio al 25 de octubre de 2020.De lunes a viernes, de 10:00 a 18:00 h. Sábados, de 10:00 a 14:00 h. Domingos y festivos cerrado.

Con gran cariño y simpatía desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

Carta de Fidel Castro a los guerrilleros del Segundo Frente del Escambray

Cartas a Ofelia / Crónicas cubanas (Escambray)

Escambray 1958

Cubamatinal / París, 11 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

Nuestro viejo y querido amigo excombatiente del Segundo Frente del Escambray Miguel García, me hizo llegar este documento desde Miami. Sé que lo darás a conocer entre nuestros amigos allá en San Cristóbal de La Habana:

“Edelmira, la mensajera enviada por Fidel Castro, supo esperar pacientemente, hasta que por fin, frente a frente, ella nos puso al día de todo lo acontecido en la Sierra Maestra. Además, le hizo entrega a Eloy Gutiérrez Menoyo de una carta enviada por Fidel Castro, la que él y Lázaro Artola leyeron detenidamente. Luego, la hicieron circular entre todos los guerrilleros presentes en El Cacahual.

    La carta decía textualmente:

   Sierra Maestra, Febrero 2 de 1958.

  A los rebeldes de Las Villas:

Hemos recibido con profunda alegría, la noticia de que un grupo de cubanos, está combatiendo también, en esa provincia. Cualquiera que sea la militancia revolucionaria del mismo, hemos dado instrucciones al Movimiento de prestarles toda la ayuda posible.

Deseamos saber la situación en que se encuentran. Poco es lo que podemos hacer directamente por ustedes a tanta distancia, pero deseamos expresarles nuestra más sincera solidaridad.

Consideramos conveniente a la lucha contra la tiranía que ese Frente se sostuviera a toda costa, imaginamos obstáculos iníciales que estarán afrontando.

Si la topografía de la zona hace imposible resistir o el parque se agota, aconsejo moverse hacia acá y emboscándose de día, en sitios donde no pueda percibirlos la aviación, siguiendo la ruta en zigzag.

Cuando el enemigo caiga una o dos veces en emboscada, cesará toda persecución. Se puede avanzar de veinte a treinta kilómetros, cada noche.

Tenemos situada una patrulla entre Bayamo y Victoria de las Tunas que les puede servir de puente, trataremos de intensificar la campaña, a fin de aliviar presión sobre esa.

La portadora puede informarle detalles y experiencias de interés. Esperamos noticias. Hacemos votos por el éxito de ese Frente y enviamos a sus bravos combatientes un fraternal abrazo.

Fidel Castro. » 

Con un gran abrazo desde La Ciudad Luz,

Félix José Hernández.