El Museo del Prado llega a Pontevedra

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

 

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Retrato de médico El Greco 1582 – 1585 Madrid, Museo Nacional del Prado

Cubamatinal / Madrid, 18 de marzo de 2019

Cuando se cumple el Bicentenario del Museo Nacional del Prado, cuya apertura tuvo lugar el 19 de noviembre de 1819, el museo conmemora su fundación “reflexionando sobre su historia pero con la vista puesta en el futuro”; y lo hace con un programa muy amplio y diverso. 

Entre las múltiples actividades proyectadas se encuentra la exposición “De gira por España”: durante un mes algunas pinturas de especial relevancia de la colección del Museo del Prado dejarán su espacio habitual y podrán verse en diferentes museos del territorio español, uno por cada comunidad y ciudad autónoma (excepto Madrid). 

Dentro de la Comunidad Autónoma de Galicia, en el Museo de Pontevedra se podrá contemplar, hasta el próximo 21 de abril, Retrato de médico, una obra que enlaza con las efigies de intelectuales realizadas en Venecia en el siglo XVI.

Este lienzo, que se cita en el inventario de 1686 del Alcázar de Madrid, lugar en el que permaneció hasta el incendio de 1734, cuando se trasladó al Palacio del Buen Retiro de Madrid, representa a un hombre anciano de cabellos cortos y canos, barba puntiaguda y largos bigotes, vestido de seda negra de reflejos verdosos, con puños y gorguera de hilo blanco, que se ha identificado con un médico por llevar en el dedo pulgar un anillo, distintivo en la época de los galenos.

Con gran cariño y simpatía desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

 

Viera y Clavijo en la Biblioteca Nacional de España: De isla en continente

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas 

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Cubamatinal / Madrid, 15 de enero de 2019.

Querida Ofelia:

La Ilustración fue un período de especial relevancia cultural para las Islas Canarias por la suma de personajes que alcanzaron una proyección nacional o internacional. Entre aquella pléyade isleña que brilló en el firmamento de la intelectualidad hispánica, se encuentra la figura de José de Viera y Clavijo (Realejo Alto, Tenerife, 1731-Las Palmas de Gran Canaria, 1813), una de las personalidades más importantes de la cultura insular, en particular, y española, en general, del siglo XVIII y comienzos del XIX.

Con una excelente formación humanística, marchó en 1770 a Madrid y, dos años después, publicó el primer tomo de su obra más relevante, la que le ha dado mayor fama: Historia de las Islas Canarias. En la capital entró al servicio del marqués de Santa Cruz como preceptor de su hijo, lo que le permitió posteriormente viajar por España y numerosos países europeos (Francia, Flandes, Italia, Austria), tomando contacto con algunos de los más distinguidos exponentes de la Ilustración francesa (Voltaire, D’Alembert, Condorcet).

De vuelta a España, retornó en 1785 a Las Palmas de Gran Canaria, donde desarrolló una ingente labor científica, cultural y social hasta su fallecimiento, convirtiéndose con el tiempo en figura referencial de cohesión cultural para todo el Archipiélago.

Considerado el representante más significativo del movimiento ilustrado en Canarias, se codeó igualmente con lo más granado de la intelectualidad española del momento (Melchor Gaspar de Jovellanos, Pedro Rodríguez de Campomanes, Antonio José de Cavanilles, etc.), llegando a ser miembro de número de la Real Academia de la Historia y obteniendo dos medallas de oro concedidas por la Real Academia Española. Su producción es muy extensa: historia, poesía, novela, teatro y ciencia. Fue, junto con otro ilustre científico canario, Agustín de Betancourt, quien hizo volar uno de los dos primeros globos aerostáticos en España. Desde el punto de vista científico, utilizó sus conocimientos de química e historia natural, aplicados al estudio de las particularidades zoológicas, botánicas y mineralógicas de las Islas. Fruto de sus investigaciones en este campo, surgió una obra pionera en nuestro país, su Diccionario de Historia Natural (1799-1810). 

Como eje central de este proyecto de divulgación de la figura de Viera y Clavijo, su época y los valores cívicos transmitidos por el escritor ilustrado y su pervivencia en la actualidad, el Gobierno de Canarias ha planteado la realización de la exposición “Viera y Clavijo. De isla en continente” en la Biblioteca Nacional de España, abierta al público del 25 de enero y 5 de mayo de 2019, que presenta una muestra significativa de los manuscritos del polígrafo canario, así como de sus ediciones príncipes, retratos, grabados de la época y materiales científicos, al objeto de dar difusión de la representatividad de su figura en el contexto de la cultura nacional del Setecientos.

La trascendencia que puede y debe tener esta iniciativa tanto para los ámbitos educativos y culturales españoles, como para esa mayor imbricación de los diversos territorios del Estado Español a través de la historia y la cultura que les aúna e identifica, ha requerido que el esfuerzo iniciado por la sociedad civil canaria, al que ya se han sumado otras instituciones públicas y privadas nacionales, entre ellas, el Senado de España, la Real Academia Española y la Real Academia de la Historia, haya contado con los auspicios de S. M. el rey Felipe VI, quien ha aceptado la Presidencia del Comité de Honor de la exposición.

Viera y Clavijo. De isla en continente. Comisariada por Rafael Padrón. Fernández.Desde el 25 de enero al 5 de mayo de 2019. De lunes a sábado de 10 a 20 h. Domingos y festivos de 10 a 14 h. Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita. Sala Hipóstila.

Organiza: Gobierno de Canarias.

Colaboran: BNE, RSEAPG y Cátedra Cultural Viera y Clavijo.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

 

Escala en Salvador de Bahía (Brasil) del Costa Favolosa

Cartas a Ofelia / Crónicas de cruceros

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Pelourinho.Salvador de Bahía

 

Cubamatinal / París, 5 de enero de 2019.

Querida Ofelia:

Estuvimos en Salvador de Bahía desde las 8 a.m. hasta las 11 y 30 p.m. Fue un día intenso, lleno de hermosas sorpresas. Al amanecer había + 25°c y por la tarde +36°c.

Las sonrisas de los niños y las bellas miradas de las mujeres de Salvador de Bahía es algo que te sorprende y uno de los recuerdos más bonitos que uno se trae a casa de este viaje.

Sin olvidar que Salvador de Bahía es una ciudad fascinante y con unos paisajes naturales muy bellos. Durante nuestra excursión de ocho horas, acompañados por el excelente guía João Carlos Guimarães, pudimos recorrer su magnífico casco antiguo y conocer la Praia do Forte y ver con nuestros propios ojos los resultados del proyecto Tamar que se inició hace 37 años para la conservación de las tortugas marinas.

Comenzamos nuestra excursión con una visita panorámica de la parte baja de la ciudad. Nos fascinó la Igreja dos Mares (la única iglesia de estilo gótico de Salvador de Bahía), el Memorial de la Hermana Dulce, una santa en vías de canonización muy conocida en todo el país. Para subir la colina donde se alza a Igreja do Bonfim, objeto de profunda devoción de los habitantes de la ciudad, fui en una moto taxi. Como yo iba agarrado a la cintura del motociclista pues éste corría como un centauro brasilero, al llegar a la puerta de la bella iglesia, había un grupo de obreros trabajando en la calle y comenzaron a burlarse del motociclista con gestos obscenos y grandes carcajadas. A la entrada de la iglesia, santeras del Candomblé (ritual o culto propio de los descendientes brasileros de esclavos traídos de África, que combina ritos o ceremonias del animismo africano, del catolicismo y de la hechicería, con danzas, tamborileo y cantos), vendían cintas de colores bendecidas por ellas, que corresponden a los diferentes Orishas. Toda la reja que rodea la iglesia está completamente cubierta por esas cintas.

A continuación proseguimos hacia la ciudad alta, pasando por el Dique do Tororó, una bellísima e interesante laguna donde contemplamos las imponentes estatuas de los Orixás, divinidades del sincretismo religioso cristiano-africano, parecían damas vestidas con sus colores correspondientes, que caminaban sobre la superficie del agua.

Nos trasladamos al barrio de Barra, en dirección al Farol da Barra, el faro de la ciudad, que se alza en el interior de una fortificación situada en un promontorio. Hicimos una breve parada para tomar algunas fotos de recuerdo. Mi esposa me estaba tirando una foto con el faro detrás y en ese momento se me acercaron dos mulatas espectaculares vestidas con trajes típicos y comenzaron a abrazarme, pellizcarme y darme besos. Yo no sabía como liberarme. A pesar de que les decía que no tenía dinero sobre mí, ellas continuaban. Fue una experiencia muy singular. El resto de los turistas franceses se divertía viendo el apuro que yo estaba pasando.

Almorzamos en el Restaurante Escola Casa do Comércio (Senac), situado en el onceno piso de una torre de arquitectura contemporánea original y bella, como todo el resto del barrio. Se encuentra en Av. Tancredo Neves 1109. 11° andar, Pituba. Se lo recomiendo a todo el que vaya a Salvador de Bahía, pues se come deliciosamente con un buffet extraordinario, además la gentileza y calidad del personal es notable. Nuestro camarero fue el muy amable joven estudiante Otavio Filipe Batista, al cual le deseo que triunfe en la vida.

Atravesamos el Porto da Barra y el barrio de Vitória, llegando a la plaza de Campo Grande, donde contemplamos la estatua conmemorativa del 2 de julio.

En las inmediaciones, contemplamos el Teatro Castro Alves, tras lo cual recorremos la Avenida Sete de Setembro y llegamos a la bellísima Praça da Sé, situada frente a la catedral y en cuyo centro se encuentra el monumento a Zumbi, el protagonista de una revuelta de esclavos. Allí había un grupo de ocho jóvenes mulatos sin camisas, que bailaban y tocaban formidablemente los tambores. Uno se acercó a mí con el sombrero en mano para pedirme una contribución. Cuando abrí la billetera buscando un billete de 5 euros, constaté que solo tenía billetes de 50 euros. Le dije:  – Lo siento mucho, pero solo tengo billetes de 50 euros. Me contestó con una gran sonrisa: – Pues mejor, así nos lo repartimos entre todos.

Pasando por la alegre plaza Terreiro de Jesus continuamos a pie por el centro histórico de la ciudad, lo que nos ofreció una sucesión de monumentos e iglesias verdaderamente notables: la Igreja de São Francisco, la iglesia Ordem TerceiradeSão Francisco y la Catedral. En la escalera de ésta última, estaba acostado un hombre sin zapatos, que leía la revista Atalaya.

El barrio recuerda a Trinidad, el Viejo San Juan o el casco histórico de Santo Domingo.

Finalmente llegamos a Pelourinho, un barrio histórico extraordinario, vibrante de vida en el que se concentran numerosos locales y monumentos, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco.

Por último, regresamos a la ciudad baja para detenernos en el Mercado Modelo, el principal centro de artesanía de la ciudad.

Il Ristorante Duca d’Orléans ofreció una cena con platos deliciosos de la región de Molise/ Basilicata.

Tierra milenaria en la que se siente constantemente el espíritu de la naturaleza. la cultura campesina, desde los bosques hanta las colinas, pasando por las costas y el campo, ha crecido con sencillez al ritmo de las estaciones. Aquí el hombre es solo parte de un todo, donde las plantas, la tierra, el mar y los animales son los amables anfitriones. Este equilibrio se aprecia en los platos de la tradición, sencillos y nutritivos, a menudo a base de carne combinada con verduras, como en el caso del cochinillo crujiente con berenjenas o la ternera rellena aromatizada con mejorana; o de pescado, como et típico bacalao arracanato, con pan aromático, uvas pasas, piñones y apio, al estilo del Molise.

Este último es  un plato pobre que combina el aroma del laurel con et dulzor de las uvas pasas y los piñones, además de aceite y migas de pan casero. Este último ingrediente crea una cobertura gratinada a la que el plato debe el nombre de arracanato y que antaño se caracterizaba por el aroma de la cocción en el homo de leña, donde se cocinaba principalmente en Nochebuena, cuando tradicionalmente se evitaba la carne.

Nuestra cena consistió en:

Parmigiana alla Marateota (plato al horno a base de salchichas, berenjenas, tomate y mozzarella)

Sopa de alubias “cannellini” con camarones y aceite al romero con guindilla

Bacalao gratinado con pan aromático, uvas pasas, piñones y apio

Tarta de almendras con salsa de vainilla

Vino Primitivo di Manduria “Feudi di San Marzano”

Como nos hubiera gustado que nuestra encantadora Amiga miamense Mathilde hubiera estado allí para cenar con ella.

A menudo cuando tomo un buen vino, recuerdo que hace unos años llevé como regalo de Navidad a un señor miamense, una botella de vino tinto francés Bordeaux grand cru Château Lynch Bages 2010. No te digo el precio pues no es correcto. Pero me quedé asombrado y mi nuera francesa horrorizada, cuando lo vimos vaciar el vino en una gran jarra y agregar medio litro de Coca-Cola, según él “para que fuera más sabroso.”

A las 8 y 30 p.m. en Il Atrio dei Diamanti comenzó la fiesta “The Rhythm of the Night” con los hits atemporales de la música popular occidental.

A las 10 p.m. comenzó la fiesta “La Notte Bianca” en Il Lido dell’Ondina , fue la fiesta más elegante del crucero. Todos bailando vestidos de blanco en cubierta, bajo un cielo brasilero estrellado con un buffet de mariscos, pescados, frutas, vinos y licores de todo tipo.

Y así terminó ese día inolvidable lleno de bellas sorpresas.

Al día siguiente amanecimos en el puerto de la ciudad de Ilhéus, sobre la cual ya te contaré.

En esta Noche de Reyes te recordaré más que siempre.

Te quiere eternamente,

Félix José Hernández.

 

Segundo día de navegación por el Atlántico en el Costa Favolosa

Cartas a Ofelia / Crónicas de cruceros 

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Hoy tuvimos un crepúsculo espectacular

 

Cubamatinal / Océano Atlántico, viernes 30 de noviembre de 2018.

 Querida Ofelia,

 A las 8 a.m. nos encontrábamos a 16° 50’ 19’’ de latitud norte y 21° 50’25’’ de longitud oeste.

Amanecimos con +20°c y por la tarde tuvimos +24°c.

Es impresionante el saber que nos estamos acercando al Ecuador. Esta noche tendremos que retrasar de una hora los relojes.

Durante todo el día hemos estado navegando paralelamente a las costas occidentales de África. Pasamos frente a Dakar y también a 25 millas de las Islas de Cabo Verde al mediodía.

Mi esposa ha dedicado el día a actividades deportivas : caminatas, activación muscular, yoga, etc. Después nos encontramos en la piscina. Yo aproveché para leer « Invisibles triángulos de muerte. Con Cuba en la memoria », de Felipe Lázaro. Me gustó mucho y me hizo recordar mi infancia en mi querido terruño camajuanense. Al regresar a París te lo haré llegar a San Cristóbal de La Habana por la vía que suelo utilizar.

Il Ristorante Duca d’Orléans ofreció hoy la cocina de Cerdeña. Recordamos las dos semanas que pasamos recorriendo esa hermosa isla mediterránea.

La tierra es árida y está agrietada por el calor seco y el viento; los rebaños de ovejas y cabras se dirigen a las colinas tras los pasos de hábiles pastores, familiarizados con cada recoveco de la tierra y con la dureza de una vida formada por cosas sencillas, pocas palabras y acciones ancestrales que se repiten del mismo modo desde hace generaciones. Siempre en equilibrio entre el salvajismo de lo primitivo y la amable hospitalidad.

Cerdeña es, antes que nada, una isla, lo cual se aprecia en un noble desapego. Sus habitantes ponen de manifiesto su pertenencia a esta región distinguiéndose de los que viven en el continente. El orgullo de la pertenencia y la dignidad de salir adelante solos, incluso en condiciones difíciles.

Es un pueblo fuerte que muestra su sencillez y delicadeza  hoy en platos como la menestra (sopa con requesón fresco y verduras) o en la deliciosa fregola (tipo de pasta local).

Los higos chumbos flanquean los huertos y los campos de árboles frutales como guardianes espinosos que protegen el jardín de las maravillas, en donde el agua del pozo nutre esa tierra que de no ser así estaría seca. El pastor, bajo el alcornoque, toca las “launeddas” y evoca, con sus notas, los tiempos remotos de su juventud. El perro, fiel, está a sus pies, con un ojo siempre atento al rebaño.

El olor del mirto, mezclado con el intenso aroma del azafrán en flor, nos recuerda el sabor antiguo de Cerdeña. Y, en la mesa, nos esperan: el cordero, las alcachofas fritas, el inolvidable pan carasau con huevos escalfados, perfecto equilibrio entre la fina lámina de pan crujiente y la aterciopelada voluptuosidad del huevo, y después, la pasta, con los gnocchetti al aroma del azafrán.

Malloreddus (gnocchetti) estilo Campidanese :  Siempre ha sido el plato tradicional más preparado en Cerdeña, tanto en fiestas populares como hasta en bodas. El origen del término malloreddus, que en sardo significa ternero, se deriva de la forma pequeña y panzuda de los gnocchetti (bolitas de masa hervida), después de haber sido trabajada. En la imaginación colectiva recuerda a los pequeños becerros recién nacidos.

Almorzamos :

Escabeche de calabacines con gambas picantes

Pasta Sedanini al estilo Campidanese  con salchichas, salsa de tomate y azafrán

Brocheta de pescado con salmón y pez espada, escarola salteada y alcachofas fritas

Flan de coco con ciruelas

Vino Vermentino di Sardegna I Fiori Pala

Cenamos :

Pasta Mezze Maniche con ragú de cordero y alcachofas

Bogavante al vapor con pasta

Quesos Fongtal, Provolone picange, Asiago con pan y frutas secas

Tarta de yogurt con peras

Vino Cannonau di Sardegna I Fiori Pala

A partir de las 6 p.m. hubo numerosas oportunidades para divertirse escuchando buena música y/o bailando  con la Live Music :

Vince & Orazio en Il atrio dei Diamanti

Mameh en la Gelateria – Cioccolateria Amarillo

Duo Contatto & Magic Sound en Il Grand Bar Palatino

Roberto & Dario en el Wine Bar

Rafa’s Band & Energia Band en Il Salone Molière

Mañana será nuestra tercer día de navegación hacia Nuestra América, como tan acertadamente llamara el gran José Martí a la América Latina.

Es la una y cuarto de la madrugada, termino de escribirte la presente en el balcón de nuestro camarote, frente a un océano como un plato, como decíamos en nuestra amada Cuba, y un cielo estrellado.  Hoy tuvimos un crepúsculo espectacular. Desde aquí veo dormir a Marta, la mujer de mi vida. Creo que tuve mucha suerte al conocer aquel 27 de junio de 1974 junto al mar, a aquella chica maravillosa que me ha hecho feliz desde entonces a lo largo de 44 años.

Te quiere eternamente,

Félix José Hernández.

 

A propósito del Día de los Inocentes

Paquete Informativo / Infografía histórico-religiosa

 

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Antependium con bajorrelieve que representa la Masacre de los inocentes, obra de Dionigi Bussola, ubicada en la Capilla de san José, en la Cartuja de Pavía.

 

Cubamatinal/ Hoy es 28 de diciembre y como cada año se conmemora el “Día de los Inocentes” . En Cuba, -al menos a nivel popular- no pasa de ser un dia de guasa y bromas entre familiares, amigos y compañeros de trabajo. Es casi seguro -excluyendo a los religiosos y amantes de la historia informados- que muchos de los bromistas que terminan llamando “inocente”  al que cae imprevistamente en las redes de una broma, desconocen el origen del evento.

Por Miguel A. García 

Fort Pierce, 28 de diciembre de 2018/ CM/ Todavía recuerdo -hace ya la friolera de casi 30 años- la broma que me hicieron mis compañeras de trabajo. Resulta que el año anterior y por iguales fechas de diciembre las embrome haciendo estallar unos minúsculos petardos de sonido que herede de los ancianos de la familia y que eran muy utilizados en las fiestas populares anteriores a la era de los Castro. 

Como suele decirse, “la venganza se sirve fría“. Por entonces trabajamos a marcha forzada en un importante proyecto de desarrollo con destino a la red de información científico médica del país y era mi responsabilidad como director del proyecto, hacer la presentación del informe final de ejecución en el Consejo Científico Asesor.

A las dos de la tarde, correspondía explicar con lujos de detalles cómo se trabajaría en el próximo año para aplicar los cambios tecnológicos en el Sistema de Información Científico Médica, los resultados esperados, el cronograma de aplicación y los múltiples rubros que un proyecto de tal envergadura implica.

Debían estar disponibles los materiales impresos en soporte papel y los discos con información digitalizada, ambos para la entrega a las personalidades del mundo científico médico del país y de organismos internacionales  que darían su  opinión definitiva sobre el proyecto.

A las 12 meridiano no encontré a persona alguna en las oficinas. Baje a la imprenta para verificar la impresión de los materiales ordenados la tarde anterior, allí por poco me da el infarto. Según los empleados de la imprenta alguien de mi departamento orientó que los materiales debían estar concluidos para el próximo lunes (que por demás era dia festivo nacional) y que aún no habían comenzado a ejecutar la orden de trabajo.

Excusas similares recibí en cuanta área vinculada a la presentación visite para verificar la disponibilidad de los recursos. Para colmo vi a través de los cristales de una puerta, que  ya en la antesala de la dirección conversaban animadamente -mientras tomaban café- algunos invitados de la Organización Panamericana de la Salud.

Debo confesar que de pronto me sentí mal, supongo que a punto de un ataque hipertensivo – por entonces aún desconocía que padeciera esa enfermedad- ; de ello me salvó la aparición de todo el pequeño gran grupo del Dpto de Desarrollo, -seis especialistas de nivel superior y una secretaria ejecutiva- todas mujeres y profesionales donde las haya, gritando “inocente”. De más está decir que todo estaba a punto para el inicio y los invitados entusiasmados con el ambiente festivo.

Justo en nuestra área de trabajo – después de muchos años de prohibiciones- y sin que ninguna “instancia superior” lo hubiera autorizado, brillaba nuestro Árbol de Navidad, con toda seguridad el primero en décadas adornando  las instalaciones del Ministerio de Salud cubano. Apenas un mes antes  había caído el Muro de Berlin. Se respiraba ilusión por el cambio. 

Historia del Dia de los Inocentes

Según National Geographic

Según Wikipedia:

El Día de los Santos Inocentes es la conmemoración de un episodio hagiográfico del cristianismo: la matanza de los niños menores de dos años nacidos en Belén (Judea), ordenada por el rey Herodes I el Grande con el fin de deshacerse del recién nacido Jesús de Nazaret.

La matanza de los Inocentes es un episodio relatado en el Nuevo Testamento con carácter singular: de los cuatro evangelios canónicos, el único que lo relata es el Evangelio de Mateo (Mt 2, 16-18). Tampoco aparece en ningún otro manuscrito de los primeros siglos de la era común. Si bien se presenta nuevamente en uno de los evangelios apócrifos, el Evangelio armenio de la infancia de autor desconocido, la fecha de composición de esa obra es muy tardía, no anterior al siglo VI.1​ El relato trata sobre la orden dada por Herodes I el Grande de ejecutar a los niños nacidos en Belén y menores de dos años. Según el pasaje de Mateo, Herodes dio esta orden al verse engañado por los sabios del oriente que habían prometido proporcionarle el lugar exacto del nacimiento de Jesús. Mateo dice que este acontecimiento cumple con la profecía de Jeremías (Jer 31, 15).

{{cita|Entonces Herodes, al ver que había sido burlado por los magos, se enfureció terriblemente y envió a matar a todos los niños de Belén y de toda su comarca, de dos años para abajo, según el tiempo que había precisado por los magos. Entonces se cumplió el oráculo del profeta Jeremías: «Un clamor se ha oído en Ramá, mucho llanto y lamento: es Raquel que llora a sus hijos, y no quiere consolarse, porque ya no existen cosas artísticas, en particular en la pintura y escultura, y su difusión en la cultura universal tornó la figura de Herodes en el arquetipo de los opresores, que no dudan en cometer crímenes —incluso el asesinato múltiple de víctimas indefensas— por miedo a perder el poder.

Análisis de su historicidad y significado

El trágico episodio de los inocentes no se menciona en ningún otro escrito, canónico o profano; esto suscita serios problemas sobre el carácter histórico del incidente. Raymond Edward Brown indicó que el historiador judío Josefo no aludió a la matanza de niños en Belén, a pesar de haber documentado minuciosamente los hechos brutales cometidos por Herodes I el Grande en los últimos años de su vida. Si se tratase de un hecho histórico, la matanza no fue lo bastante notoria como para que llegara a oídos de Josefo quien, si la hubiera conocido, la habría mencionado dado su interés por denigrar a Herodes.2

La brutalidad del episodio está en armonía con el carácter de Herodes, tal como Josefo lo describió (Antigüedades judías, 15.3, 3 § 53-56). Josefo presentó a Herodes como un ser patológicamente celoso de su poder: varios de sus familiares fueron asesinados por orden suya, ya que sospechaba que trataban de suplantarlo. No cabe duda de que Josefo quiso describir a Herodes con los tintes más oscuros que le fue posible, y resulta difícil de explicar la ausencia de la matanza de Belén en Josefo, excepto suponiendo que no tuviera noticia alguna de ella.2​ En consecuencia, habría que tomar en consideración la posibilidad de que los incidentes del capítulo 2 del Evangelio de Mateo sean una presentación simbólica de la mesianidad regia de Jesús, a la que se oponen los poderes seculares. La oposición a Jesús terminaría por lograr sus fines con su pasión y muerte.

Antonio Piñero señaló que muchos estudiosos dudan de la «historicidad» del relato en el sentido moderno del término, y que se suele considerar una reelaboración de otras narraciones del Antiguo Testamento.3

Herodes que busca cómo liquidar a Jesús y la matanza de los inocentes sería una aplicación a los tiempos primeros de Jesús de la historia del malvado Faraón que quiso acabar con Moisés niño y que mataba a los recién nacidos varones de los israelitas (Éxodo 2 y siguientes). […] No hay que extrañarse de este procedimiento para nosotros hoy tan singular que se ha denominado «historia teológica»: existían en la Antigüedad muchos modelos y precedentes para ello. Una vez que pasados los años se conocía la grandeza de tal o cual personaje, se confeccionaba a base de tradiciones más o menos fiables, o incluso de leyendas, una historia de su nacimiento en la que se ponían de relieve las circunstancias prodigiosas, maravillosas, divinas, del tal nacimiento. Así ocurrió con el rey persa Ciro (narración compuesta por Heródoto), con Alejandro Magno (por Plutarco), o con el filósofo, predicador ambulante y taumaturgo Apolonio de Tiana (por Filóstrato).3​  Antonio Piñero

En el Nuevo Comentario Bíblico San Jerónimo se señala que, si bien existe la posibilidad de que el relato no sea histórico, posee cierta verosimilitud y recuerda el decreto del faraón de matar a todos los primogénitos varones israelitas (Éxodo 1, 16), un clásico ejemplo del genocida abuso del poder.4​ En el caso de que el relato sea histórico, el número de niños asesinados no tendría que haber pasado de veinte.45

José María Cabodevilla sugirió el significado que este crimen pudo tener para Herodes I el Grande:

Pero los clamores de Raquel no llegaban a oídos de Herodes. Acababa de retirarse, presa de terrible enfermedad, a las caldas de Callirhoe, junto al Mar Muerto. Su corazón, además, no era sensible a clamores de esa naturaleza. ¿Qué podía importarle a él la muerte de veinte o treinta hijos de pastores sin nombre? La ejecutoria de su reinado se compone, sobre todo, de hazañas criminales. Apenas conquistó Jerusalén y se instaló allí como rey, ordenó matar a cuarenta y cinco partidarios de Antígono, su contendiente. Mató a su cuñado Aristóbulo, a los dos esposos de su hermana Salomé, a su propia suegra Alejandra, a su mujer Marianne, a sus hijos Alejandro y Aristóbulo. A sabiendas del terror y hostilidad que su persona despertaba, con el fin de evitar la alegría del pueblo en el momento de su muerte, ordenó a sus más íntimos colaboradores que, cuando él muriera, pasaran por las armas a incontables judíos ilustres que previamente habían sido concentrados en el hipódromo de Jericó.
¿Que suponía para este monarca, sanguinario como nadie, la sangre de treinta niños? Quizá verdaderamente supuso mucho. ¿Para bien o para mal? Los más sagaces historiadores, que quizá descubran aún nuevos crímenes a cuenta del famoso rey, no podrán jamás revelarnos los últimos minutos de aquella vida atroz […]6

José María Cabodevilla

Véase también

Referencias

  1.  Piñero, Antonio y colaboradores (2009). Todos los Evangelios: Traducción íntegra de las lenguas originales de todos los textos evangélicos conocidos. Madrid: Ediciones Edaf. p. 300 y siguientes. ISBN 978-84-414-2116-5. Consultado el 21 de marzo de 2014.
  2. ↑ Saltar a:a b Brown, Raymond E. (1982). El nacimiento del Mesías: comentario a los relatos de la infancia. Madrid: Ediciones Cristiandad. p. 230. ISBN 84-7057-302-0. Consultado el 20 de marzo de 2014.
  3. ↑ Saltar a:a b Piñero, Antonio (2011). Guía para entender el Nuevo Testamento (4ª edición). Madrid: Editorial Trotta. pp. 160-161. ISBN 978-84-8164-832-4.
  4. ↑ Saltar a:a b Viviano, Benedict T. (2004). «Evangelio según Mateo». En Brown, R. E.Fitzmyer, J. A.; Murphy, R. E. Nuevo Comentario Bíblico San Jerónimo. Nuevo Testamento. Estella, Navarra: Verbo Divino. p. 75. ISBN 84-8169-470-3.
  5.  de Tuya, Manuel (1977). Biblia comentada—Va Evangelios (3ª edición). Madrid: Biblioteca de Autores Cristianos. p. 26. ISBN 84-220-0830-0. «No se sabe cuántos serían. Tomando como base un Belén de mil personas y teniendo en cuenta todos los datos demográficos, índice de natalidad y mortalidad, etc., se puede calcular en unos veinte niños.»
  6. ↑ Saltar a:a b Cabodevilla, José María (2004). Señora Nuestra – Cristo Vivo. Madrid: Biblioteca de Autores Cristianos. p. 350-352. ISBN 84-7914-700-8.
  7. ↑ Saltar a:a b c Fraile Yécora, Pedro Ignacio (2000). «Inocentes (Santos)». En Leonardi, C.; Riccardi, A.; Zarri, G. Diccionario de los Santos, Tomo I. Madrid: San Pablo. pp. 1090-1092. ISBN 84-285-2258-8. Consultado el 21 de marzo de 2014.
  8.  Grün, Anselm (septiembre de 2009). Administra tus miedos (3ª edición). Buenos Aires: Editorial Bonum. pp. 15-16. ISBN 978-950-507-839-4.
  9.  Migne, J. P., ed. (1857-1866). Patrologiae cursus completus. Series Graeca. Vol. 36. París. pp. 311-344.
  10.  Migne, J. P., ed. (1857-1866). Patrologiae cursus completus. Series Graeca. Vol. 46. París. pp. 1127-1150.
  11. ↑ Saltar a:a b c Holweck, Frederick (1910). «Holy Innocents»The Catholic Encyclopedia (en inglés). Vol. 7. Nueva York: Robert Appleton Company. Consultado el 22 de marzo de 2014.
  12.  Margoni-Kögler, Michael (2013). «North African Liturgical Readings: The Augustinian Legacy and Some Western Parallels». En Hans-Jürgen Feulne. Liturgies in East and West: Ecumenical Relevance of Early Liturgical Development (Acts of the International Symposium Vindobonense). Berlín: Lit Verlag. p. 264. ISBN 978-3-643-90412-6. Consultado el 22 de marzo de 2014.

Bibliografía consultada

Enlaces externos


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París pese a todo. Artistas extranjeros 1944-1968 en el Museo Reina Sofía

Cartas a Ofelia / Crónicas franco-españolas 

rsfm

Cubamatinal/ Madrid 16 de diciembre de 2018.

Querida Ofelia,

París pese a todo. Artistas extranjeros 1944-1968es una exposición organizada por el Museo Reina Sofía con la colaboración de la Comunidad de Madrid que acerca al público a la compleja escena artística desarrollada en la capital francesa tras la II Guerra Mundial y que recupera una destacada producción cultural a menudo olvidada por gran parte de la historiografía del arte.

Gracias a un representativo conjunto de más de cien artistas de diversas nacionalidades que abarcaron numerosos estilos y formatos (desde la pintura y la escultura al cine, la música o la fotografía) y más de 200 obras–muchas de ellas nunca vistas-, esta muestra arroja luz sobre la riqueza de esta etapa, sin duda crucial en el siglo XX.

A lo largo de los más de veinte años que componen la cronología abordada, París, ciudad que trataba de restablecer tras la devastación de la guerra la reputación que gozaba antaño como capital cultural del mundo, acogió en sucesivas oleadas a un amplísimo número de artistas de América, Europa, África y Asia. En 1965, por ejemplo, llegó a haber unos 4.500. Algunos ya estaban presentes mucho tiempo atrás, como Kandinsky o Picasso, pero otros muchos fueron llegando progresivamente huidos de sus países por motivos de discriminación racial, homófoba o de índole política o porque aspiraban a llegar a ser voces artísticas importantes gracias a los filtros críticos parisinos.

La amalgama de procedencias se refleja en la exposición, donde se pueden contemplar trabajos de hombres y mujeres de, por ejemplo, Argentina, Canadá, Chile, Cuba, EE.UU, Haití, México, Venezuela, Alemania, España, Italia, Finlandia, Hungría, Portugal, Rumanía, Rusia, Suiza, Argel, Sudáfrica y Japón, por citar algunos. Entre sus nombres figuran, entre otros muchos, los de Eduardo Arroyo, Jean-Michel Atlan, Anna Eve Bergman, Minna Citron, Ed Clark, Beaufor Delaney, Erró, Claire Falkenstein, Sam Francis, Herbert Gentry, Carmen Herrera,Vassily Kandinsky, Ida Karskaya, Ellsworth Kelly, Mohammed Khadda, John-Franklin Koenig, Roberto Matta, Pablo Palazuelo, Pablo Picasso, Jean-Paul Riopelle, Loló Soldevilla, Nancy Spero, Shinkichi Tajiri, RufinoTamayo, Chu Teh-Chun, Jean Tinguely, Maria Helena Vieira da Silva, Wols o Zao Wou-Ki.

Reconstrucción cultural de la “Ciudad de la luz”

 Atraídos por su legendaria historia bohemia, los recién llegados encontraron en los bares, clubes de jazz y estudios de París un aparente ambiente libre de prejuicios y de comportamientos académicos tradicionales. A cambio, estos creadores ofrecieron su participación y colaboración en la reconstrucción cultural de la ciudad, que seguía luchando por ser la abanderada del arte occidental.

Al mismo tiempo, la urbe fue espacio de intensos debates dentro de un contexto de profundas transformaciones, tanto a nivel local como internacional, con un nuevo orden geopolítico global que inaugura la Guerra Fría, la consolidación de la sociedad de consumo, los movimientos antimperialistas y anticolonialistas así como el fin de los grandes relatos de la modernidad.

Así, la ciudad recuperó en cierto sentido su condición de punto de encuentro privilegiado para la comunidad artística. Sin embargo, ya no tenía la centralidad mundial previa a la guerra. Su producción cultural distaba en gran medida de la imagen de unidad que se consolidaba al otro lado del Atlántico, en Nueva York, en torno al expresionismo abstracto, y que contaba con el beneplácito de amplios sectores de la crítica, el mercado y las instituciones que se hacían eco entonces de la rígida dialéctica de bloques antagonistas impuesta por la Guerra Fría.

En contraposición, los artistas en París rehuyeron de ese discurso unitario, evidenciando con su pluralidad de enfoques las tensiones, los conflictos y las disparidades de la época. De este modo, la defensa del realismo socialista convivió en los primeros años de posguerra con los debates entre abstracción y figuración -o entre distintos tipos de abstracción-, toda vez que el surrealismo adquirió una renovada relevancia con experimentos cercanos al automatismo.

A medida que avanzaba la década de los cincuenta, la guerra de Argelia (1954-1962) despertó la solidaridad de numerosos artistas que, unidos en la denuncia de la insostenible política colonial francesa, se enfrentaron a la censura y las sanciones con obras comprometidas y críticas. Sobresalieron también en esta época las propuestas de op art y cinetismo.

 Pero el mito de la Ciudad de la Luz quedó destruido en 1964 cuando el estadounidense Rauschenberg ganó el León de Oro en la Bienal de Venecia. Fue el final de una época, el final de la supremacía cultural parisina en el mundo. El ambiente artístico se politizó aún más y se volvió aún más crítico con la consumista y conservadora nueva sociedad francesa gaullista.

Por aquel entonces ya trabajaban en París una serie de autores singularmente críticos con los excesos del capitalismo y la nueva sociedad de consumo, y desilusionados por la falta de respuesta de las corrientes en boga: el expresionismo abstracto y el pop art. Su apuesta por una nueva figuración irónica y contestataria preparó el camino para el ilusionante clima de Mayo del 68, con el que se pone fin a esta muestra.

Todos estos fueron los escenarios en los que aterrizaron progresivamente, en sucesivas diásporas, los artistas foráneos llegados a la capital francesa y París pese a todo. Artistas extranjeros 1944-1968 no sólo revela la vitalidad del mundo artístico de todo el periodo analizado, sino que destaca la relevante contribución y protagonismo de aquellos “inmigrantes”. No en vano, en el catálogo que acompaña la exposición, el comisario de la muestra, el canadiense Serge Guilbaut, hace especial énfasis en la siguiente cita pronunciada en 1945 por el crítico Michel Florisoone, “el genio francés necesita a los extranjeros para funcionar”.

El resurgir del arte tras la guerra

La muestra, que presenta en doce espacios y de manera cronológica la interesante mezcla de nacionalidades que realizaban prácticas artísticas similares, comienza con Kandinsky, que había fallecido en noviembre de 1944 tan solo dos días antes de la clausura, en la galería parisina L’Esquisee, de su última exposición individual.

Mientras, el Salón de Otoño de ese mismo año, conocido como el de la Liberación, homenajea a Picasso, que acababa de declararse comunista y a quien los nazis consideraron uno de los maestros del arte degenerado. Era un signo del retorno a la libertad que albergaba el anhelo por el renacimiento de las artes. Las obras mostradas por el malagueño, realizadas durante el conflicto, reflejaban en cierta manera el letargo en el que el artista, y también los franceses, habían esperado el final de la guerra. En El niño de las Palomas, de 1943, se percibe, por ejemplo, cierto escapismo del autor a la hora de retratar la despreocupación de sus propios hijos.

Ambos hechos, la desaparición de unos de los pilares del arte moderno y la coronación de un artista resucitado de entre las atrocidades de la guerra, inauguraron una etapa de optimismo con dos extranjeros que definieron simbólicamente el nuevo París.

Sin embargo, y aunque la reconstrucción estaba en marcha y la ciudad seguía manteniendo su reputación como capital internacional de la cultura, la siguiente sala da cuenta de cómo la situación no era ni sencilla ni homogénea.

Para preservar esa imagen de centro de referencia artístico, el establishment museístico y crítico apostó por un estilo ya en vigor durante la ocupación nazi, que consistía en combinar la esencia de artistas famosos del pasado como Alfred Mannesier, Roger Bissière o Jean Bazaine. Con esta tendencia convivían el realismo existencialista mostrado por Bernard Buffet en Tres desnudos (1949) o la realidad abstracta propuesta por Picasso en obras como La cocina (1948). Aunque era un contexto apasionante para la creación, el debate crítico, la división y el enfrentamiento estaban presentes y se repetirían desde otras posiciones en las siguientes décadas también.

Disensión y propuestas alternativas

En este clima de enfrentamiento y según sus tendencias políticas, los artistas franceses pugnaban entre sí a fin de establecer un ambiente artístico sólido basándose en diversos tipos de realismo o en las orientaciones de la Escuela de Paris, surgida en 1925 como respuesta al academicismo y en defensa de la idiosincrasia urbana.

Pero indiferentes ante esta disputa, algunos artistas extranjeros, como se muestra en la siguiente zona de la exposición, adoptaron fórmulas alternativas como el Art Brut de Jan Krizek o como la abstracción geométrica que experimentaron Carmen Herrera o Wifredo Arcay. El argelino Jean-Michel Atlan también era otro autor ajeno a la tradición, cuyo tipo de arte anunciaba una forma moderna de ver y sentir, con cierta influencia del surrealismo.

Y mientras que las instituciones mimaban a los artistas considerados grandes iconos nacionales de la reconstrucción, cualquier otra forma experimental se consideraba débil o peligrosa. Era el caso del holandés Bram van Velde o del alemán Wols, a los que las altas esferas no hacían el mínimo caso y quienes reflejaban en su pintura lo absurdo y la violencia imperante en el mundo. En contraste, otros autores más jóvenes, como el canadiense Jean Paul Riopelle, alrededor del cual se organizaba el grupo de escritura automática surrealista Automatista, se alejaban de la abstracción académica y del pesimismo de la posguerra.

 Más adelante, el visitante puede contemplar la creatividad de los trabajos realizados desde perspectivas plásticas bien distintas por los artistas ligados a la Galería Huit, un espacio creado en 1950 por un grupo de amigos de carácter multirracial como Al Held, Raymond Handler, Haywood Bill Riverso, entre otros, el originalísimo escultor japonés Shinkichi Tajiri, que participa en la exposición con la obra Lamento por Lady (para Billie Holliday), realizada en 1953 a partir de una trompeta de jazz. Algunos de sus trabajos en la ribera del Sena fueron captados por la fotógrafa suiza Sabine Weiss.

Con el fin de presentar el contexto y las posturas adoptadas por los artistas frente a la historia, la exposición incluye películas, periódicos, archivos y programas de radio y en un monitor de esta zona puede verse el film Las víboras (1955) del propio Tajiri, que documenta el ambiente artístico de la ciudad y su atmosfera bohemia.

¿De nuevo la ciudad del arte?

Otra película, Un americano en París (1951), de Vincente Minelli, da paso a un espacio donde encontramos a artistas como el español José García Tella, que estaba desencantado con el devenir social y político de la ciudad, a la que estaban llegando en la década de los años 50 multitud de turistas norteamericanos atraídos por las producciones de Hollywood que retrataban París como una metrópoli artísticamente abierta. En contraste, Tella describía en un estilo art brut la dura realidad de la vida cotidiana con imágenes sofocantes del Metro de París abarrotado de gente como aparece en La boca del metro, de 1953.

También pueden verse aquí obras coetáneas del estadounidense Sam Francis(Composición, 1950), de Eduardo Chillida (El espíritu de los pájaros I, de 1952) o de Claire Falkenstein (Sol # 4, de 1954), quien alcanzó gran éxito y fue descrita como la Jackson Pollock de la escultura. Otro español más, Pablo Palazuelo, aparece en esta sección con la obra Alborada, de 1952, en la que se observa el desarrollo de la tradición de la abstracción geométrica hacia espacios utópicos con construcciones más claras y equilibradas.

A continuación, la exposición se detiene en CoBrA (Copenhague, Bruselas, Ámsterdam), un grupo internacional creado en 1948 por artistas como Asger Jorno Karel Appelque predicaba la libertad mediante el deseo, la experimentación y la creación, todas las cosas que la crítica parisina tradicional ya no comprendía.

Su arte integraba la expresividad infantil y las formas primitivas para redescubrir la autenticidad con imágenes aterradoras a menudo cargadas de humor. El movimiento encontró cierto apoyo crítico en París al ser entendido como un proyecto esencial para conectar con la base alienada y controlada de la sociedad capitalista y para luchar contra la sociedad de consumo.

En plena reorganización del mundo del arte, la temática de la alienación fue abordada también por otros autores como el rumano Jean Isidore Isou que, con su deconstrucción del cine narrativo tradicional, se sumaba a la denuncia que muchos artistas extranjeros realizaban sobre la organización de la vida cotidiana por parte del poder en un París al que llegaban mieles de turistas para ver la belleza de la ciudad.

Nuevos planteamientos

En 1951 cerró la galería Huit, tomando el relevo la Galería Arnaud, un espacio que generó gran actividad y que llegó a ser un centro de debate internacional. John Koenig, promotor del proyecto junto a Jean Robert Arnaud, mostró allí sus obras y collages junto con pinturas de Ellsworth Kelly, Jeanne Copel, Luis Feitoo Ida Karskaya, que incorporaba objetos encontrados en sus trabajos. El objetivo era exponer obras de artistas abstractos de todo el mundo sin miedo a las voces tradicionales de París.

En funcionamiento hasta 1962, la galería y su revista Cimaise, sirvieron para alentar el análisis del arte abstracto, enfrentando diversos estilos y abriendo el camino a nuevas propuestas experimentales como las de Ralph Coburn.

Otra galería, la de Denise René, organizó en 1955 la exposición de abstracción geométrica Le mouvement, que abrió una nueva forma de concebir el papel del arte. En ella participaron reconocidos artistas como Marcel Duchamp y Alexander Calder, pero también otros jóvenes valores como Jean Tinguely o Víctor Vasarely, todos ellos interesados en el arte cinético y el op art.

En esos momentos, lo que se conocía como abstracción lírica o arte informal, un arte violentamente expresionista y considerado caótico por muchos, se había tornado hegemónico. Sin embargo, no se había logrado un estilo que representara el París de la modernidad.

 En ese ambiente trabajaban refinados artistas abstractos como Nicolas de Staël o Ed Clark. Y aunque puede que el mito se estuviera evaporando, la ciudad seguía atrayendo a nuevos artistas. Zao Wou Ki o Chun The-Chun introdujeron fascinantes grafías chinas en el nuevo planteamiento internacional toda vez que el público se mostraba entusiasmado con los típicos azulejos portugueses de Vieira da Silva, la monumentalidad de Anna-Eva Bergman, las formas del japonés Kumi Sugaio las obras abstractas, tensas y resplandecientes de Beauford Delaney.

Descolonización, fin del mito y optimismo

A medida que avanza la década de los cincuenta, las movilizaciones en favor de la independencia de los protectorados y colonias bajo dominio francés sacuden con fuerza a la comunidad creativa, implicando especialmente a los artistas de estos territorios como el argelino Mohammed Khadda.

La Guerra de Argelia (1954-1962) despierta la solidaridad de otros muchos autores que, unidos en la denuncia de la insostenible política colonial francesa, enfrentan la censura y las sanciones con obras comprometidas y críticas. Es el caso de la estadounidense Gloria de Herrera, el chileno Matta (Roberto Matta) con su desgarradora denuncia en lenguaje surrealista de la violencia estatal en La cuestión (1958) o los autores del mural colectivo que quedó oculto durante 23 años Gran cuadro antifascista colectivo (1960): los italianos Enrico Baj, Roberto Crippa, Gianni Dova y Antonio Recalcati, el francés Jean-Jacques Lebel y el islandés Erró(Guðmundur Guðmundsson).

La bohemia revivió también en París en esas fechas y artistas y escritores beatniks se congregaron allí para explorar nuevos caminos en el terreno de la autoexpresión. En ese mismo periodo, mientras surgía el Nouveau réalisme a partir de la emergente cultura consumista, algunos artistas como Nancy Spero producían una variante del realismo crítico en oposición al demasiado exitoso e individualista expresionismo abstracto y atacaban la reaccionaria cultura estadounidense desde un espacio de libertad donde podían ser críticos.

Ya en los años sesenta, en un contexto de intenso auge económico, acuden a París una serie de autores, como el argentino Antonio Berni (1963), de quien se puede ver su obra Juanito va a la ciudad, el estadounidense Larry Rivers (Dinero francés II, 1962) o españoles como Eduardo Arroyo con sus Los cuatro dictadores (1963), singularmente críticos con los excesos del capitalismo y, en concreto, con la nueva sociedad de consumo, manipuladora en su tendencia de espectacularizar la vida cotidiana.

Su crítica de la sociedad de consumo contemporánea era lo que diferenciaba el arte parisino del pop art estadounidense. Aunque a mediados de los 60 se criticaba a París por mostrar ya claros síntomas de haber dejado de ser el centro del arte moderno, la obra crítica producida por una nueva y amplia generación de artistas nacidos en el extranjero devolvía un optimismo que sería importante para la explosión crítica que avecinaba la revolución de 1968.

Con motivo de la exposición, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha editado un catálogo con un extenso artículo del comisario de la exposición, Serge Guilbaut, así como ensayos de Amanda Herold-Marme, Tom McDonough, Maureen Murphy, Isabel Plante y Kaira M. Cabañas. Además de reproducciones de las obras expuestas en la muestra, también incluye textos históricos de Charles Estienne, James Baldwin, Georges Boudaille, Michel Ragon, Michel Tapié, Julien Alvard, Herta Wescher, Alain Jouffroy, Pierre Restany, Gérald Gassiot-Talabot y Oliver W. Harrington.

Del 20 de noviembre de 2018 al 22 de abril de 2019. Museo Reina Sofía, Edificio Sabatini 1ª planta. Madrid. Comisariado : Serge Guilbaut. Coordinación: Soledad Liaño y Belén Díaz de Rábago.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

 

Femme Monument y Souvenir de la Tour Eiffel, de Miró, en el Centro Botín

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

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Cubamatinal / Santander, 14 de diciembre de 2018.

Ya es posible disfrutar en el Centro Botín de “Femme Monument” (1970) y “Souvenir de la Tour Eiffel” (1977), las dos esculturas cedidas por Successió Miró a la Fundación Botín durante un periodo de cinco años. Ambas piezas, ubicadas en la galería E de la primera planta del volumen expositivo del centro de arte en Santander, pueden disfrutarse desde las pasarelas exteriores del edificio.

De este modo, el Centro Botín trata de cumplir con el deseo expreso del artista, que deseaba que sus obras de gran formato se mostrasen en lugares públicos y transitados, para que así fuesen accesibles al mayor número posible de personas. Ambas piezas formaron parte de la exposición “Joan Miró: Esculturas 1928- 1982”, una muestra única y antológica que ha presentado este año el Centro Botín y en la que exhibía los principales trabajos escultóricos del artista y su original proceso creativo.

Movidos por la gran aceptación que ha tenido esta muestra, los herederos del artista decidieron ceder temporalmente dos esculturas al Centro Botín y otras dos al Ayuntamiento de Santander, unas obras estas últimas que se instalarán en los Jardines de Pereda durante 2019. Así, estas cuatro esculturas constituyen una completa selección de la trayectoria escultórico de Joan Miró, dado que representan su trabajo en tres talleres de fundición diferentes (Fundició Parellada de Barcelona, Susse Fondeur en París y Fonderia Artística Bonvicini en Verona). Además, el abanico cronológico que se da en el conjunto permite apreciar con claridad la evolución de sus esculturas, unas obras concebidas a partir de diversos elementos que formaban parte de la vida cotidiana del artista, a los que otorgaba una nueva vida.

Las obras cedidas

 “Femme Monument” (1970) es una de las primeras esculturas que el artista trabaja en la Fonderia Artística Bonvicini, en Verona. Allí creó piezas de gran formato, pulidas y de superficies lisas. El origen de esta escultura es una pastilla de jabón de las que utilizaba Miró para limpiar pinceles. Al tener los bordes más duros se iba erosionado la parte interior hasta hacer un orificio como el que se representa en la escultura.

“Souvenir de la Tour Eiffel” (1977) realizada en la Fundición Parellada en Barcelona es una obra de tres metros de altura concebida con objetos inicialmente sin validez artística: una lámpara de mimbre que se apoya sobre cuatro patas y cuya pantalla ha sido sustituida por la figura de un cabezudo, concretamente la de Groucho Marx. Al colocar esta gran cabeza horizontalmente, se produce un juego visual que da paso a los rasgos faciales. Queda en el frente una gran abertura a modo de boca y otras exageradas facciones, modeladas por el propio Miró.

Por su parte, Tête (Tête sur socle), 1978, y Femme (Femme debout), 1969, son las obras monumentales recibidas por el Ayuntamiento de Santander y que se ubicarán durante 2019 en los Jardines de Pereda.

El Centro Botín, obra del arquitecto Renzo Piano, es un proyecto de la Fundación Botín; un centro de arte privado de referencia en España, parte del circuito internacional de centros de arte de primer nivel, que contribuye en Santander, a través de las artes, a desarrollar la creatividad para generar riqueza económica y social. También es un lugar pionero en el mundo para el desarrollo de la creatividad, que aprovecha el potencial que tienen las artes para el desarrollo de la inteligencia emocional y de la capacidad creadora de las personas. Además, es un nuevo lugar de encuentro en un enclave privilegiado del centro de la ciudad, que completa el eje cultural de la cornisa cantábrica convirtiéndose en un motor para la promoción nacional e internacional de la ciudad y la región.

 

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

 

Presentación de ” El trayecto a la rosa”

Cultura / Poesía 

eltrayectodelarosa

 

Cubamatinal/ Presentación: sábado 15 de diciembre de 2018, 3:45 pm Miami Hispanic Cultural Center 111 SW 5th Ave, Miami, FL 33130.

 

Miami, 14 de diciembre/ CM/ Segun diseminacion de Alexandria Library (Publishing House) ; “En esta colección de deslumbrantes versos, Estela nos lleva, como de la mano, por los contornos cotidianos, las tristezas profundas, el día y sus misterios. Es una poesía viva, íntegra, capaz de despertarnos de nuestra indiferencia o cobardía y enfrentarnos a nosotros mismos, al amor, a la naturaleza, y a la belleza de cada momento”.  Ivonne Lamazares, autora de La Isla del Azúcar.

 

estela

Estela García Pérez nació guajira y poeta en Camagüey, Cuba, donde se graduó de abogada. Ahora vive en su nueva ciudad, Miami. Este es su séptimo cuaderno de poesías. Lo preceden Bonsai de Haikus (2009), Piéride (2010), Paisajes de dos islas (2012), Haikus y travesías (2014), Feudo de Alas (2014) y La siesta de la paloma (2015). Ha publicado en la revista Café Cultura, del Miami Dade College. 

estelagarpe90@gmail.com

 

Nota: Alexandria Library (Publishing House) Puertas abiertas a escritores consagrados, noveles y aficionados. www.alexlib.com / info@alexlib.com  – Tel: 305-469-6796. Dirección postal: 9819 SW 147 PL, Miami, FL 33196, Estados Unidos de América.

Publicidad gratuita cortesía de Center of Investigation and Social Studies (CISS) 

Editado en Francia el Tomo XXII de “Desde las Orillas del Sena”. N° 42 de la Serie Cartas a Ofelia

Cartas a Ofelia / Edición en Francia

 

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Foto : Inmueble del boulevard Haussmann.

Cubamatinal / París, 8 de noviembre de 2018.

Querida Ofelia:

Acaba de ser editado en Francia  mi libro de crónicas N° 42 de la Serie “Cartas a Ofelia” con el título de “Desde las orillas del Sena” (Tomo XXII). Contiene 88 crónicas escritas en español, francés e italiano en 510 páginas.

Puedes encontrar todas esas crónicas y los 42 libros en mi sitio web www.cartasaofelia.com cuyo webmaster es el ingeniero don Leonel Mena Valdés.

Gracias al historiador cubano don Ferrán Núñez, director de El Diario de la Marina, se pueden leer todas las crónicas en su sitio web https://eldiariodelamarina.com/ y también descargar gratuitamente en Google Drive cuarentaiún  libros que reúnen todas las crónicas que he escrito desde mayo de 1981 hasta octubre de 2018 en español, francés e italiano en  la siguiente  dirección:

https://drive.google.com/drive/folders/0B2JGTV0Z-vJ5fkwyck1hbENQT2pDWC1ZLUFqZTBqVjZNQUR4aGJWblllT09kYmpWeUhlSGc

Todos los libros se pueden encontrar también en el sitio web de Bibliocuba, gracias a su director don  Miguel Ángel García Puñales, historiador  y sociólogo cubano,  presidente de la ONGD Ceninfec (Centro de Información y Documentación de Estudios Cubanos):

https://bibliocuba.net/ediciones-bibliocuba/cronicas-coleccionables-libros-cartas-a-ofelia/

Desde Miami las ha publicado don Roberto A. Solera director de Cuba en el Mundo, en www.cubaenelmundo.com

 Desde las orillas del Sena. Tomo XXII. Número 42  de la Serie “Cartas a Ofelia” Depósito Legal, noviembre de 2018. © Versión PDF para la web y edición en papel; diseño, maquetación, montaje y foto de la portada: Félix José Hernández Valdés. Editado en París, noviembre de 2018. Foto de  la portada: Inmueble del boulevard Haussmann.

Un gran abrazo desde la espléndida Ciudad Luz,

Félix José Hernández.

 

Mapa Teatro de los dementes ò faltos de juicio, en el Museo Reina Sofía

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

 

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Cubamatinal / Madrid, 8 de noviembre de 2018.

Querida Ofelia:

El Museo Reina Sofía acoge hasta el 29 de abril de 2019 la exposición De los dementes, ò faltos de juicio, un proyecto de Mapa Teatro creado específicamente para esta ocasión y que se presenta dentro del Programa Fisuras.

Mapa Teatro es un laboratorio de artistas fundado en París en 1984 por Heidi, Elizabeth y Rolf Abderhalden, artistas visuales y escénicos colombianos. Con sede en Bogotá desde 1986, se ha convertido desde entonces en uno de los colectivos más interesantes de la escena artística latinoamericana. Su trabajo se desarrolla en el ámbito de las “artes vivas”, un espacio propicio para la transgresión de fronteras –geográficas, lingüísticas, artísticas–y para la puesta en escena de preguntas locales y globales a través de diferentes dispositivos y formatos.

La práctica artística de Mapa Teatro utiliza distintos medios para la realización de sus obras (teatro, vídeo, instalación, ópera, radio, intervenciones urbanas, acciones y conferencias performativas) y articula mito, historia y actualidad en la investigación de archivos y documentos, que sirven de punto de partida para construir sus propias ficciones.

 De los dementes, ò faltos de juicio

Esta “etno-ficción” parte de una investigación sobre el pasado histórico del edificio del Museo que fue sede del Hospital General y de la Pasión de Madrid. Fundado en el siglo XVI por el rey Felipe II, este refugio dedicado a la hospitalidad (asistencia a los pobres y marginales de la ciudad), tardaría dos siglos más en convertirse en un centro sanitario moderno. En el siglo XVIII se inicia la construcción de un nuevo edificio y Fernando VI decretaría que las limosnas otorgadas por la familia real y las procedentes de las Indias fuesen destinadas a la financiación del Hospital General y Pasión. Allí se acogería a enfermos de todo tipoy, en los sótanos del edificio, a aquellos excluidos de la sociedad, entonces llamados “dementes ò faltos de juicio”. Cantidades considerables de monedas y objetos de oro llegadas de las provincias de América se destinaron al Hospital desde 1749.

El campo de investigación del proyecto se amplía a la región aurífera de Caldas, en Colombia, antiguamente Virreinato de Nueva Granada, donde Carlos III envió, a finales del siglo XVIII, a los ingenieros don Juan José D’Elhúyar y don Ángel Díaz Castellanos, con el encargo de modernizar las minas para hacerlas más rentables.

El equipo de Mapa Teatro rastreó los pasos de estos ingenieros hasta llegar a las minas de Marmato, explotadas desde antes de la colonización y que lo siguen siendo en la actualidad. En las minas de Marmato — tierra de la cultura precolombina Quimbaya —, don Ángel Díaz Castellanos sufrió los primeros síntomas de lo que en aquella época se diagnosticaba como auríferis delirium, por lo que tuvo que regresar a España y ser recluido en las Bóvedas del Hospital General y de la Pasión.

A través de una instalación que ocupa tres lugares del Museo -Espacio 1, escaleras y Sala de Bóvedas-, Mapa Teatro crea esta ficción relacionando los mencionados espacios del Museo con su pasado histórico, su financiación mediante el oro procedente de América, y la actual explotación minera con el delirio del capital financiero globalizado.

Como parte de esta “etno-ficción”, Mapa Teatro ha rastreado algunas huellas imperceptibles que dejó don Ángel Díaz Castellanos a su paso por estos mismos espacios y por las minas de Marmato en busca de sus quimeras.

Delirio aurífero

Todos los materiales recogidos en sus investigaciones por Mapa Teatro han sido trasladados hasta los tres espacios del Museo y transformados en imágenes, sonidos y máquinas para dar le cuerpo a este delirio aurífero.

El recorrido comienza en el Espacio 1, donde se exhibe el relato que articula la investigación bajo forma de atlas: videos con imágenes de las minas de Marmato, mapas, facsímiles de documentos rescatados de los archivos del antiguo hospital  (actas, constituciones, ordenanzas, etc.), cartas de don Ángel Díaz, planos arquitectónicos del edificio o artículos periodísticos, entre otros. Junto a ellos, se muestran también varias piezas etnográficas, incluida una estatuilla en oro de un cacique Quimbaya.

Un circuito cerrado de televisión nos muestra imágenes de los otros dos espacios, manteniendo una línea continua con toda la exposición. Así, en las escaleras se presenta una instalación audiovisual con imágenes del transporte de las mulas utilizadas por los mineros para poder acceder a las minas. Estas imágenes recorren las cinco plantas de altura del edificio, permitiendo al visitante vivir la experiencia física de ese ascenso.

En la Sala de Bóvedas, el espectador podrá relacionar el espacio arquitectónico de Sabatini con el interior de una mina tradicional. Allí, una instalación formada por material original traído de la mina de Marmato interactúa con una proyección de vídeo grabado en las mismas minas. Rieles con sus vagonetas mantienen un viaje continuo que articula esta sala con las escaleras.

En palabras de José A. Sánchez : “Si don Ángel Díaz Castellanos (que acabó sus días ‘demente’, recluido entre las mismas paredes que ahora albergan esta exposición) actúa como personaje relacional para la generación de la narrativa, los mineros son los médiums que traen de vuelta al presente el delirio del oro, con todas sus implicaciones simbólicas y políticas. Solo que en este caso los cuerpos de los mineros, como los de los productores de este gesto, se ofrecen en latencia, y corresponde a los visitantes la responsabilidad de hacerlos presentes para que la ficción no se diluya, el espacio sea habitado como lugar de acción y conflicto, los objetos y las imágenes sean rearticulados como pensamiento poético y el gesto, en definitiva, se renueve como manifestación de vida”.

La exposición se acompaña de una publicación ilustrada que incluye textos de José Antonio Sánchez y Suely Rolnik.

Actividades Paralelas

Con motivo de la exposición se llevará a cabo un Laboratorio, dividido en dos partes: una visita guiada a la exposición con los artistas y el teórico de las artes escénicas José Antonio Sánchez y un encuentro con el colectivo Mapa Teatro en el que examinarán el proceso creativo de la muestra que presentan en el Museo, iniciado a partir de una investigación sobre el uso originario como hospital del Edificio Sabatini.

Por otra parte, días antes de la clausura de su proyecto expositivo, los directores de Mapa Teatro, Heidi y Rolf Abderhalden, junto a su equipo conformado por Ximena Vargas y José Ignacio Rincón presentarán Museo Vivo, una conferencia performativa que establecerá un diálogo con las piezas expuestas en las salas, poniendo en relación el ámbito escénico y el expositivo, dos espacios que se entrecruzan en las investigaciones de este grupo de artistas. Reflexionarán además sobre el uso de la institución museística en la memoria, en los procesos colectivos de paz y en la fabricación de la historia.

Mapa Teatro. De los dementes, ò faltos de juicio. 30 de octubre de 2018 –29 de abril de 2019. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Edificio Sabatini. Espacio 1, escaleras y Sala de BóvedasCoordinador : Rafael García.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.