Los Borbón, los Castro, la República en España y Cuba

Opinión /  A debate

reyes de espana en cuba

Cubamatinal / Borbón (en francés Bourbon, en italiano Borbone) es el apellido de una familia que desde el Siglo XVI ha reinado o ejercido como jefe de estado con otras denominaciones (duque, conde) en varios países de Europa Occidental. En la actualidad se mantiene en España, con el actual Rey Felipe VI, y en Luxemburgo, el Gran Duque de ese pequeño país (1),ambas monarquías constitucionales. Durante cinco siglos esta familia ha estado relacionada con todos los conflictos europeos y del resto del mundo. La historia de los borbones está ligada a la del hemisferio occidental en la edad moderna y contemporánea.

Por Germán M. González

Bauta, 8 de noviembre de 2019 / CM / El primer rey Borbón, Enrique III de Navarra y IV de Francia era protestante, para coronarse en este último trono que le correspondía por sucesión, eso lo inhabilitaba; abjuró de su fe y se convirtió al catolicismo, por ello se le atribuye la frase: “París bien vale una misa” ejemplo de cinismo. Luis XIV reinó en Francia durante 77 años, personificación del absolutismo se le atribuye otra frase célebre: “el Estado soy yo”, ambas se consideran apócrifas, pero los retratan perfectamente. Y retratan a la familia, que a través de siglos de convulsiones sociales, guerras y revoluciones aun constituyen casa de la aristocracia por toda Europa y hasta en la lejana India.

Con relación a Cuba la historia borbónica como casa real española es siniestra. Félix Varela, electo diputado a las Cortes y participante en la redacción de leyes que lesionan el absolutismo, al recuperar el trono Fernando VII es condenado a muerte, escapa a duras penas y nunca vuelve a su amada Patria, refugiado en Estados Unidos (uno de los primeros en cumplir ese destino común a tantos luchadores por la libertad de Cuba).

En 1871 se fusila en La Habana a ocho estudiantes de medicina, uno de los crímenes más repudiados de los muchos realizados por los gobernantes coloniales españoles, reinaba en España Amadeo I, tataranieto de Carlos III, por tanto un Borbón por línea materna. Siendo Reina Isabel II son fusilados todos los expedicionarios del Perrit, cargado con pertrechos para los mambises (con cuatro heridas de bala sobrevive Henry Reeve). La reconcentración donde murieron miles de cubanos se realiza bajo el reinado de Alfonso XII, otro Borbón.

La matanza por los sucesos del teatro Villanueva, el fusilamiento de los expedicionarios del Virginius, y otros muchos crímenes se cometen estando reyes de la dinastía borbónica en el trono de España, o sus regencias.

Al ocurrir la intervención estadounidense que pone fin a nuestra Guerra de Independencia, el gobierno español toma una actitud abyecta al pretender que EE.UU. se anexara a Cuba y ésta asumiera la deuda de 400 millones de dólares, cifra descomunal para la época, contraída por España para financiar sus guerras civiles, principalmente. Los estadounidenses se niegan, estaban atados por la Joint Resolution del Congreso dictaminando: “Cuba es y de derecho debe ser libre e independiente”. Aconsejados por los asesores cubanos en las negociaciones rechazan la deuda como “odiosa”. Era Rey Alfonso XIII, bajo la regencia de su madre.

La historia de España en los Siglos XIX y XX es la historia de la lucha de la monarquía borbónica contra la República y el constitucionalismo, y con relación a América la lucha contra la independencia de sus colonias.  Aún hoy el separatismo catalán tiene como antecedente el republicanismo tradicional de esa Nación, atada al Reino de España contra la voluntad mayoritaria de sus habitantes, desde siempre.

La historia de los Castro es mucho más plebeya. Ángel Castro Argiz vino por primera vez como alistado en el ejército colonial, probablemente pagado por una familia pudiente para evitar el reclutamiento de su vástago. Repatriado enfermo una vez terminada la contienda retornó a la República recién fundada. Luego de las peripecias habituales para un emigrante analfabeto y sin capital logra, a costa de mucho trabajo y pocos escrúpulos hacerse de una posición acomodada. No es propósito aquí de entrar en una biografía del gallego emigrado, solo decir que fundó una familia Castro-Morlote y luego otra Castro-Ruz.

De esta nueva prole surgen Fidel y Raúl Castro Ruz, Esta es historia harto conocida, pero menos comentado es el carácter antirrepublicano de ambos, pues de conjunto con un grupo de incondicionales de la etapa insurreccional contra Batista y la asesoría de intelectuales del Partido Socialista Popular estalinista, redactaron y pusieron en vigor una llamada Ley Fundamental que contradijo cuanto principio Republicano es universalmente aceptado, entre ellos la división de poderes, el imperio de la Ley sobre los individuos y organizaciones, la pluralidad política, el respeto a los derechos humanos, la austeridad de fondo y de forma, entre otros factores. Así el siete de febrero de 1959 con la entrada en vigor de esa ley murió nuestra República.

Como en Enrique de Navarra la idea de que el poder bien vale una misa hace que comecuras de los años soviéticos, que expulsaban sacerdotes masivamente del País y religiosos profesores y estudiantes de las universidades o del trabajo, hoy asistan a cuanta ceremonia se celebre siempre que los oficiantes tengan la poca dignidad de invitarlos.

Como Luis XIV pueden decir: el Estado soy yo, y con más razón pues el totalitarismo vigente hace palidecer el absolutismo monárquico del llamado Rey Sol.

Así la República cubana feneció a manos de los Castro como en España lo hizo a manos de los Borbones y sus seguidores monárquicos. Hoy la realeza sirve a los propósitos de las élites españolas adineradas, y en Cuba los Castro han creado sus propias élites, castas (2) las llamaría José Martí premonitoriamente.

Con esos antecedentes no sorprende la colusión Castroborbónica que no es de hoy, data de la época franquista.

1.     Su Alteza, la Gran Duquesa de Luxemburgo, esposa del Jefe de Estado, es una cubana nacida en Marianao… ¡estamos en todas partes!

2.     “Todo poder amplia y prolongadamente ejercido degenera en casta. Con la casta, vienen los intereses, las altas posiciones, los miedos de perderlas, las intrigas para sostenerlas. Las castas se entrebuscan, y se hombrean unas a otras”.

José Martí, Obras Completas, Edición Digital, t9, p 340.


Artículos del Autor 

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Otras ópticas: Información de consultas relacionadas ( actualizaciones nov/17/2019)

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En el umbral de Lucio Fontana

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas 

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Foto: Lucio Fontana. Señorita sentada, 1934. Museo del Novecento, Milán. © Fondazione Lucio Fontana

Cubamatinal / Bilbao, 16 de mayo de 2019.

Querida Ofelia:

Las obras tempranas de Fontana de las décadas de 1930 y 1940 ilustran un recorrido de creciente abstracción, no exento de influencias por parte de las corrientes estéticas que marcaron esos complejos años. Al mismo tiempo, apuntan hacia la naturaleza transgresora de los lienzos lacerados que dominarán su producción posterior.

La exposición presenta ejemplos extraordinarios de la icónica serie de Cortes (Tagli) así como el desarrollo previo de sus Agujeros (Buchi) situando la radicalidad de estas piezas en un terreno que conecta la pintura, la escultura y la acción artística.

A través de sus Ambientes espaciales (Ambienti spaziali) y sus experimentos con la luz y el espacio, incluido el uso de los tubos de neón, Fontana sienta las bases de los desarrollos posteriores en el arte de la instalación y de la obra de arte inmersiva.

En el umbral establece una visión transversal y completa de una figura que se hizo eco de los conflictos y angustias que definieron buena parte del siglo XX: desde las reconsideraciones del clasicismo por parte de la vanguardia y la estética ligada a los movimientos totalitarios europeos, la guerra mundial y la reorganización internacional de los movimientos artísticos en la posguerra, hasta el auge de la tecnología en la llamada “era espacial”.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Lucio Fontana. En el umbral, un nuevo acercamiento al legado de uno de los artistas clave del arte del siglo XX. A través de una cuidada selección de en torno a un centenar de objetos, incluyendo esculturas, cerámicas, pinturas, obra sobre papel y ambientes realizados entre 1931 y 1968, esta exposición nos permite recorrer los periodos fundamentales en el trabajo de uno de los autores más influyentes de la posguerra.

Lucio Fontana. En el umbral.

Fechas: del 17 de mayo al 29 de septiembre, 2019

Comisarios: Iria Candela, “Estrellita B. Brodsky” Curator of Latin American Art, The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, con Manuel Cirauqui, Curator, Museo Guggenheim Bilbao.

Un gran abrazo desde la culta Bilbao,

Félix José Hernández.

Constitución & legislación “socialista” Vs. Ley Helms-Burton (I)

Opinión / La puesta en vigor del Título III de la llamada Ley Para la Libertad y la Solidaridad Democrática Cubanas (Ley Libertad) de 1996″ (“Helms-Burton”)

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Informar, esclarecer; ése es el reto… y lo que teme el régimen

 

Cubamatinal / En el supuesto —negado constitucionalmente— de que los cubanos de adentro contaran con información objetiva y pudieran debatir estos dos temas excluyentes pudieran contestarse la pregunta ¿Cuál será el peor para el futuro y su propia existencia como nación?

Por Germán M. González

Bauta, 11 de mayo de 2019 / CM / “Si España no ha querido ser nunca hermana de Cuba. ¿Con qué razón ha de pretender ahora que Cuba sea su hermana?” José Martí

La puesta en vigor del Título III de la llamada Ley Para la Libertad y la Solidaridad Democrática Cubanas (Ley Libertad) de 1996″ (“Helms-Burton”) por parte del gobierno estadounidense ha desatado la habitual campaña mediática con las también habituales consignas, tergiversaciones y medias verdades equivalentes a mentiras completas.Así los cubanos saldrán más ignorantes que cuando comenzaron, sucedió cuando la “nueva” constitución, sucede con el tema de la Helms-Burton y sucederá con el aluvión de leyes que aprobarán unánimemente los diputados designados.

Se trata de situaciones excluyentes pues esa legislación cesa su vigencia cuando un Presidente estadounidense certifique que en Cuba existe un gobierno democráticamente electo y se hayan resuelto (devolución, pago o negociación realizada) la mitad de las reclamaciones legalizadas en EE. UU., las cuales representan una pequeñísima fracción de las estatizadas luego de 1959, pues no todas se certificaron en EE.UU., se confiscaron a personas naturales o jurídicas que adquirieron ciudadanía estadounidense o su valor es inferior al límite fijado (50 mil USD) entre otras exclusiones (viviendas, escuelas, hospitales, etc.).

Como la Ley Helms-Burton” cesa cuando lo haga la actual constitución y sus leyes incompatibles con una elección democrática, la disyuntiva es: librarse de la dictadura “legal” de mandante todopoderoso (primer secretario del partido comunista) o seguimos padeciendo ambos efectos, es decir, el embargo de afuera y el bloqueo de adentro, al menos mientras  queden cubanos en Cuba, lo cual tiene un límite matemático por la baja natalidad, la emigración y la biología (nacen pocos, estos pocos emigran y los viejos se mueren).

Esta situación tiene una aspecto bueno y uno malo.

La buena es que si los cubanos de adentro y los cubanos de afuera actúan al unísono dejando de lado temas propios para “después de” un gobierno electo democráticamente puede: declarar impropias las deudas contraídas por el actual gobierno(1), reconocer los derechos universalmente aceptados a los cubanos de afuera y de adentro, y reconociendo lo absurdo e injusto de las expropiaciones realizadas compensarlas acudiendo a múltiples formas(2) para estimular junto con ese reconocimiento, inversiones, tanto de cubanos y sus descendientes como de estadounidenses, sin exclusiones.

La cosa mala es que el partido & gobierno cubano tiene larga práctica para desunir, desinformar,  atemorizar, etc. lo cual impediría que lo expuesto antes suceda a pesar de que obviamente nos conviene a todos, los de fuera, los de adentro no importa la posición política o ideológica, excepto si esta es fundamentalista, cada día más escasos.

Informar, esclarecer; ése es el reto… y lo que teme el régimen. 

Mientras tanto a los europeos, quienes hasta ayer padecieron a los Kaiser, Hitler, Zares, Stalin, Franco, Salazar, y otros, los Castro y sucesores les parecen “dictadores light” por tanto seguirán el proceso de recolonización liderados por los descendientes de aquellos a quienes José Martí describió magistralmente en su artículo  sobre “Cuba y la República española”(3).

(1)   Esto tiene su antecedente durante las conversaciones del Tratado de París: el gobierno de EE.UU. y sus asesores cubanos rechazaron que la República asumiera las deudas de guerra contraídas por España. Esto por supuesto solo puede hacerlo un gobierno electo, no designado, que signifique ruptura, no continuidad del desastre.

(2)   Exención temporal de impuestos, exclusividades, entrega de bienes inmuebles o no, etc.

(3)   La República Española ante la Revolución Cubana. Obras Completas, Edición Digital, t 1 pág. 88-98.

Artículos del Autor 

germanmgonzalez

Germán M. González

Economista, jubilado.  Trabajó en el sector agropecuario cubano, en la parte empresarial durante muchos años.

Columnista en Cubamatinal para las secciones de Economía y Opinión.

 

© Germán M. González 

© Cubamatinal

Piedras negras, de Eugenio Fuentes

Cartas a Ofelia / Crónicas literarias 

piedras

Cubamatinal / París, 6 de mayo de 2019.

Esta magnífica novela negra, me ha hecho descubrir a Eugenio Fuentes. El autor logra que uno mantenga el interés por saber los resultados de sus investigaciones y, trate de imaginar el desenlace, siguiendo sus pistas. Sus personajes están muy bien logrados y la intriga es excelente. ¡Una novela apasionante!

Un nuevo caso del detective Ricardo Cupido, en un Toledo espectral, donde el pasado ajusta cuentas y se cobra sus víctimas.

—¡Vaya! Toma, es la carta que te escribió la abuela.

En el sobre, de tamaño folio, había un puñado de hojas manuscritas con un título, BREDA, y dos sobres más pequeños, ambos cerrados. Uno contenía un fajo de billetes de cien euros. En el otro había dos cuartillas escritas en español—para evitar las faltas de ortografía que seguía cometiendo en francés— con la letra redonda y uniforme de su abuela, muy entintada, porque siempre escribía con pluma. Comenzó a leer en silencio mientras su padre recostaba la cabeza hacia atrás en el sillón y cerraba los ojos, con el rostro desfigurado por la tensión y el cansancio.

Querida nieta:

No sé cuánto tiempo pasará aún hasta que leas esta carta. En todo caso será cuando yo haya muerto. La había escrito dos veces, y dos veces la rompí, dudando si debía implicarte en este encargo, pero esta vez no la destruiré. No puedo posponerla más, porque no sé si mañana encontraría las palabras necesarias. Ahora es un buen momento: estoy sola, con la casa en silencio, con tiempo para buscar la expresión más correcta. Y seré breve.

Voy a hacerte un encargo que solo tú puedes cumplir. Tu padre y tu tío Jean-Luc están demasiado enfrascados en sus cosas y, además, a ellos nunca les ha gustado que hable de esto. Lo mantuve oculto durante tanto tiempo que, cuan-do al fin se lo dije, no quisieron creerme, lo consideraron una fantasía, una consecuencia más de esta enfermedad que devora mi memoria y mezcla lo soñado con lo vivido. Y a tus primos gemelos no les interesa nada lo de España. Tú, en cambio, siempre me has escuchado, quizá porque eres la única mujer de la familia, y puedes entender lo que significa mi petición. Para poder cumplirla deberás emprender un viaje, pero no te causará ningún daño. Al contrario, cabe la posibilidad de que te enriquezca de algún modo.

Quiero que vayas a España a buscar a mi hijo, a mi primer hijo. Nació en el hospital militar de Ciempozuelos el 5 de febrero de 1938, unos años antes que tu padre y que tus otros tíos. Fue fruto del amor, pero lo perdí. Me lo quitó la guerra y yo no tuve ni el coraje ni las fuerzas suficientes para retenerlo conmigo. No hice todo lo necesario. Durante muchos años creí que había conseguido, si no olvidarlo, sí resignarme a su pérdida. Me había casado con tu abuelo Émile, que tanto bienestar me dio. Pero ahora sé que no tardaré mucho en morir. O en olvidar, que es otra forma de morir. Y los recuerdos más lejanos han vuelto con mayor claridad, como si la enfermedad fuera descorriendo los velos que los cubrían.

Imagino la sorpresa que te estará causando esta carta y las preguntas que te estarás haciendo. Tienes todos los detalles de su nacimiento en estos folios, donde he anotado los lugares, las personas, las fechas que aún recuerdo y que no olvido, aunque se me olvide lo que ocurrió ayer.

Quiero que encuentres a mi hijo y le pidas que me perdone. Solo así podré descansar en paz. Tu abuela Marta, que tanto te quiere.

Marthe se quedó pensativa, con la cabeza agachada y un ligero temblor en la mano que sostenía la carta. La palabra «hijo» era la última que deseaba oír, estaba llena de espinas y, sin embargo, en boca de su abuela adquiría una inmensa dulzura. Acostumbrada a verla en casa, caminando despacio, sobrellevando sus achaques, con el rostro lleno de arrugas y las manos artríticas, hinchadas en las articulaciones pero aún capaces de sacar pasión de la viola, el contenido de la carta era una enorme sorpresa. Nunca había pensado que también ella había sido una muchacha de veinte años que un día amó a un hombre y lo besó con pasión, con la boca llena de luz, y se estremeció de placer en noches ardientes y sonámbulas, y fue feliz en sus brazos y desdichada al perderlo, y luego abrió su vientre tierno y elástico para arrojar al mundo un hijo entre sangre y humores… Cuando levantó la vista, su padre estaba mirándola, intrigado.

—¿Qué te dice?

—Quiere que vaya a España —respondió, como si aún estuviera viva.

—¡¿A España?!

—A buscar a un hijo que tuvo antes que a vosotros. En la guerra —añadió—. Ya me lo había dicho algunas veces.

Su padre suspiró y se frotó los ojos.

—Tu abuela se obsesionó con esa historia en los últimos años, pero ni siquiera tenemos la certeza de que ese hijo exista. Busqué por internet si había alguien con su apellido en ese lugar donde decía que nació, Ciempozuelos… ¡Y no encontré ninguna pista! Tu abuela no trajo de allí ningún documento que lo demuestre, se vino con las manos vacías, huyendo de una guerra que terminó en 1939. ¡Y estamos en el año 2004, Marthe! ¿Cómo podríamos encontrar algo después de sesenta y cinco años? Es imposible. ¿Y ahora quieres ir allí abajo?

—No lo sé —respondió Marthe guardando la carta en el sobre.

—El ambiente no debe de estar muy tranquilo después de esos horribles atentados en los trenes, hace un par de meses.

—Lo sé.

—Y en el caso improbable de encontrar a quien ni siquiera sabemos si existe —insistió—, ¿qué tendrías que decirle?

—Tendría que pedirle perdón en nombre de la abuela.

—¿Perdón? ¿Por qué?

—No lo sé. Supongo que por haberlo abandonado.

Su padre volvió a quedarse pensativo.

—Que perdone a alguien que ya no vive.

—Papá, esta es una historia de muertos.”

Cuando, en mayo de 2004, Marta Medina falleció en Toulouse, y se lee su testamento, su nieta Marthe escucha con asombro que debe buscar a un hijo de Marta nacido durante la Guerra Civil y que dio en adopción. Tras viajar a España, la nieta encarga la investigación a Ricardo Cupido. El detective encuentra en Toledo al hijo de Marta: se llama Alejandro Garcilaso y es un hombre muy rico, padre, a su vez, de una hija ilegítima. Sin embargo, Alejandro se niega a aceptar esa perturbadora noticia, y Marthe regresa a Toulouse. Unos días después, la hija de Alejandro aparece asesinada y éste acudirá a Cupido para que encuentre a los autores del crimen. Su búsqueda llevará a los lectores al epicentro de la burbuja inmobiliaria, a esa época en que la fortuna parecía estar al alcance de cualquiera, cuando emergían con fuerza las nuevas tecnologías y empezaban a desvelarse los «robos» de niños durante la dictadura.

«¡Qué bien le sienta al género negro tener detrás a un buen escritor!» J.M. Pozuelo Yvancos, Abc Cultural

«Las novelas de Eugenio Fuentes están soberbiamente escritas. Y sus tramas, suspendidas hasta las últimas páginas.» J.Ernesto Ayala-Dip, Babelia (El País)

Eugenio Fuentes nació en Montehermoso (Cáceres) en 1958. Galardonado con varios premios y traducido en doce países, Fuentes ha logrado con éxito situarse como uno de los autores españoles de novela negra con mayor proyección en el extranjero gracias a su detective privado Ricardo Cupido, protagonista de las novelas El interior del bosque (IX Premio Alba/Prensa Canaria, Andanzas 663), La sangre de los ángeles (2001), Las manos del pianista (Andanzas 504) y Cuerpo a cuerpo (Premio Brigada 21 en 2008 a la mejor novela policiaca escrita en castellano; Andanzas 624). A ellas viene a sumarse ahora Contrarreloj, en la que Cupido se traslada a un escenario apasionante como es el Tour de Francia. Autor de un volumen de cuentos, Vías muertas (1997), y otro de ensayos literarios, La mitad de Occidente (2003), Eugenio Fuentes también ha publicado en Tusquets Editores Venas de nieve (Andanzas 571), una historia en torno a la lucha contra la fatalidad, narrada con pulso maestro, que le valió el Premio Extremadura a la Creación.

Piedras negras. Eugenio Fuentes. Novela negra. Reservados todos los derechos de esta edición para Tusquets Editores, S.A. Colección Andanzas 934. Diseño de la colección: Guillemot-Navares. © Eugenio Fuentes, 2019. Rústica con solapas. Ilustración de la cubierta: © Jesús M. García / Getty Images. 14,8 x 22,5 cm – 368 páginas – 19 euros. Ebook disponible. ISBN: 978-84-9066-629-6

Félix José Hernández.

De Sofonisba Anguissola a Clara Peeters, las pintoras del Museo del Prado

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

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Nacimiento de san Juan Bautista Artemisia Gentleschi Óleo sobre lienzo, 184 x 258 cm h. 1635 Madrid, Museo Nacional del Prado

Cubamatinal / Madrid, 11 de abril de 2019.

El Museo del Prado y el Ayuntamiento de Madrid han puesto en marcha una campaña para conocer y dar visibilidad a las pintoras que forman parte de la de la colección del Museo del Prado. La acción, que se puede ver desde el mes de abril en diferentes soportes exteriores de la ciudad, se suma, en el Ayuntamiento de Madrid, al eje que busca visibilizar la obra y el papel de las mujeres a lo largo de la historia en los ámbitos de la cultura y la ciencia.

En este caso, y en homenaje al bicentenario del Museo del Prado, el Ayuntamiento de Madrid invita a conocer el trabajo de tres mujeres artistas cuyas obras están integradas en la colección del Museo del Prado y que, sin embargo, son aún desconocidas para el gran público. En gran formato y en diferentes puntos de la ciudad, se puede descubrir la obra de artistas como Artemisia Gentileschi, Sofonisba Anguissola y Clara Peeters.

Situadas en mupis digitales de toda la ciudad y en las grandes pantallas de Gran Vía y Callao, en total serán seis obras que por sí solas son ya exponentes de la más alta calidad pictórica del Renacimiento y el Barroco y que dan testimonio del papel secundario al que se vieron relegadas sus autoras.

En el caso de Artemisia Gentileschi podremos disfrutar de la obra Nacimiento de San Juan Bautista, firmadas por Sofonisba Anguissola, la campaña mostrará las piezas Isabel de Valois sosteniendo un retrato de Felipe II, Felipe II y Retrato de la reina Ana de Austria. Las obras con las que contará la campaña pertenecientes a Clara Peeters serán Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre y Mesa con mantel, salero, taza dorada, pastel, jarra, plato de porcelana con aceitunas y aves asadas.

Esta acción, enmarcada en las líneas de trabajo visibilización de las mujeres relvantes en el arte y la ciencia, se une también a otros homenajes que el Ayuntamiento de Madrid ha querido llevar a cabo para celebrar el bicentenario de la institución cultural más importante de la ciudad y una de las más importantes del mundo como es el Museo del Prado. En las pasadas Navidades, el protagonismo fue para otros de los artistas con los que cuenta el museo como son Bartolomé Murillo y Juan Bautista Maíno. La Adoración de los Pastores de Murillo, y La Adoración de los Reyes Magos de Maíno se reprodujeron a gran tamaño en la Puerta de Alcalá como homenaje navideño al bicentenario.

La posibilidad de ver las obras de estas artistas en los soportes exteriores del Ayuntamiento de Madrid forma parte de la voluntad de dotar a este mobiliario urbano de contenido cultural, más allá del publicitario e informativo.

Tres grandes artistas Artemisia Lomi Gentileschi (Roma, 8 de julio de 1593 – Nápoles, hacia 1654) fue una pintora barroca italiana, representante del caravaggismo. En sus cuadros desarrolló temas históricos y religiosos. Fueron célebres sus pinturas de personajes femeninos como Lucrecia, Betsabé, Judith o Cleopatra, en los que subvierte los modelos de feminidad establecidos y perpetuados por pintores masculinos. Fue la primera mujer en hacerse miembro de la Accademia del Disegno de Florencia, donde trabajó bajo los auspicios de Cosme II de Médici y tuvo una clientela internacional. Vivió en varias ciudades italianas, como Venecia, donde conoció a Anthony Van Dyck y Sofonisba Anguissola, y Napolés, donde recibió por primera vez un pedido para la pintura al fresco de una iglesia en la ciudad de Pozzuoli, cerca de Nápoles. También trabajó en Londres con su padre bajo el patrocinio de Carlos I de Inglaterra.

Sofonisba Anguissola, nació en Cremona, en 1535 y murió en Palermo en 1625. Está considerada la primera mujer pintora de éxito del Renacimiento. Cultivó el retrato y el autorretrato, estableciendo nuevas reglas en el ámbito del retrato femenino. A los 27 años se estableció en España, en la corte del rey Felipe II. Para la Historia del Arte, juega un importante papel como eslabón entre el retrato italiano y el español en el siglo XVI, además de su notable influencia en el desarrollo posterior de este género en Italia. Su trayectoria resultó un precedente para varias mujeres artistas que habían sido excluidas de la enseñanza académica, de gremios y talleres y del mecenazgo papal, pero que sí encontraron respaldo en las cortes europeas entre los siglos XVI y XVIII.

Clara Peeters (Amberes, c., 1590 – después de 1621) fue una pintora flamenca considerada una de las iniciadoras del bodegón o naturaleza muerta en los Países Bajos. Se caracterizó por popularizar el uso del autorretrato escondido en objetos de las naturalezas muertas que muchos otros artistas emularían. En el mundo se conservan unas 30 obras atribuidas a esta pintora que fue una de las pocas mujeres artistas activa en Europa durante la primera mitad de siglo XVII. En 2016 Clara Peeters se convirtió en la primera mujer pintora protagonista de una exposición individual en el Museo del Prado.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

Amar Kanwar en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

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Imagen: Amar Kanwar. La escena del crimen (2011), fotograma. Colección Thyssen-Bornemisza Art Contemporary.

Cartas a Ofelia / Madrid, 1 de abril de 2019.

Querida Ofelia:

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21) presentan dos de las principales videoinstalaciones de Amar Kanwar, artista y cineasta indio cuya obra se caracteriza por recopilar testimonios de las poblaciones más vulnerables de su país. Los dos proyectos, El bosque soberano y Testimonios relámpago, encargados y producidos por TBA21, exploran nociones de justicia y la forma en que esta se aplica a las acciones individuales, a las leyes y a las políticas públicas, temas especialmente relevantes en el contexto actual de noticias falsas y narraciones inventadas.

Comisariada por Chus Martínez, la exposición se abre al público el 27 de febrero de 2019, coincidiendo con ARCO Madrid. Se trata dela segunda colaboración entre el museo y TBA21, fundación creada por Francesca Thyssen-Bornemisza, hija del barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, para presentar piezas de su colección de arte contemporáneo en Madrid, en una serie de exposiciones que continuará durante los próximos años.

Esta colaboración refleja la voluntad de diálogo entre dos colecciones y dos lenguajes formales y artísticos distintos, pero parejos en su interés por entender que el arte y los artistas de todas las épocas ansían comprender la relación entre experiencia e imagen para dar forma al pensamiento y sentir de cada época.

La presentación de las obras de Amar Kanwar consolida un ciclo que invita al visitante a concentrarse en trabajos escogidos para familiarizarlo con modos de hacer y con preguntas fundamentales en nuestro tiempo, como por ejemplo la justicia, como una virtud que motiva la acción humana y que inspira la relación con los otros y con la naturaleza. Las dos instalaciones aluden directamente a cómo la ausencia de un sentido de justicia tiene efectos devastadores en las comunidades y en la naturaleza, creando un sentido de desamparo del que su obra se hace eco.

Amar Kanwar es un artista y cineasta indio residente en Nueva Delhi que aborda en sus documentales y videoinstalaciones temas relacionados con los derechos humanos, como el nacionalismo, la política, la justicia, el poder, la violencia y los abusos sexuales en su país. Sus películas son complejas narrativas que conectan historias personales con procesos sociales y políticos más amplios, vinculando leyendas y objetos rituales con símbolos y acontecimientos actuales. Ha presentado exposiciones individuales en Tate Modern (Londres), Stedelijk Museum (Ámsterdam) y Haus der Kunst (Múnich), entre otros lugares, y ha participado en Documenta (Kassel)en 2002, 2007,2012 y 2017.

El bosque soberano

Iniciado en 2011 y todavía en desarrollo, El bosque soberano es un proyecto de investigación que surge del conflicto en Odisha, una región agrícola en el este de India, entre comunidades locales, gobierno y grandes empresas por el control de las tierras de cultivo, los bosques, los ríos y los minerales, lo que ha provocado el desplazamiento forzoso de comunidades indígenas, granjeros y pescadores y ha generado un clima de violencia. Presentado como un archivo de películas, libros, fotografías y documentos, la instalación proporciona distintas formas de acercarse a los problemas sociales, morales, económicos y políticos de Odisha, similares a los que todavía hoy se enfrentan muchas comunidades en todo el mundo.

Durante más de diez años, Kanwar ha estado filmando las intervenciones industriales que han destruido grandes extensiones de terreno en este estado indio, un proceso que comenzó en la década de 1990con la connivencia del gobierno, eliminando restricciones burocráticas y legales.

Para responder a esta situación, surgieron grupos locales de resistencia formados por campesinos, pescadores e indígenas que, impulsados por líderes locales independientes, y a veces apoyados por activistas urbanos, compartieron su experiencia para activar un discurso local sobre desarrollo, industrialización y rehabilitación. A pesar de ser en un principio grupos de carácter no violento, han tenido que enfrentarse a la represión policial y a la violencia de las mafias locales, contratadas por políticos o empresarios. Ejemplos de todo esto son los movimientos contra las compañías que extraen aluminio y bauxita en Kashipur, contra la adquisición de terrenos por la empresa coreana de acero POSCO y contra el grupo industrial TATA en Kalinganagar.

Concebido por Amar Kanwar en colaboración con el activista Sudhir Pattnaik y el diseñador y realizador de documentales Sherna Dastur, El bosque soberano se presentó en 2012 en Bhubaneswar, la capital de Odisha, y muchos visitantes se animaron a compartir sus ideas y experiencias, aportando en ocasiones nuevas pruebas, con lo que ya entonces la instalación comenzó a crecer. Después se presentó en otros espacios, como en el Museo de Historia Natural de Kassel (Alemania) como parte de Documenta 13; en el almacén del recinto de una mansión colonial en ruinas, en la Bienal de Kochi-Muziris (Kerala, India); en el edificio de un banco antes de ser demolido, en la Bienal de Sharjah (Emiratos Árabes Unidos); en el Parque de Esculturas de Yorkshire (Inglaterra), y en TBA21–Augarten, en Viena (Austria).

El recorrido de la exposición comienza con la parte central de El bosque soberano, La escena del crimen(2011), un vídeo mono canal de 42 minutos que presenta los impresionantes paisajes de Odisha antes de su destrucción ,a través de unas imágenes capturadas con sensibilidad poética y precisión íntima que permiten explorar su belleza a la vez que invitan a la reflexión: un pescador que arroja su red al anochecer, animado por el canto de los pájaros y los insectos, el estuario que fluye ondulante hacia el mar y el juego de las hierbas altas y el arroz en sus variados tonos de verde. Casi todas las escenas de esta película muestran territorios que ya han sido recalificados como áreas industriales y están inmersos en procesos de compra por parte del gobierno y otras corporaciones.

El paisaje natural se presenta como la escena de un crimen: cada lugar, cada brizna de hierba, cada manantial y cada árbol pertenece a un terreno adquirido y su destino es desaparecer. A través de esas imágenes y del intenso ritmo meditativo de la edición, Kanwar explora el significado de la pérdida y la muerte.

En una sala adyacente, se sitúa la segunda parte de la instalación, La sala de las semillas, que contiene pequeñas películas proyectadas sobre libros de papel artesanal, y una pared de semillas autóctonas de Odisha. Como explica Kanwar, cuando el agricultor Natabar Sarangi comenzó a cultivar arroz, se dio cuenta de que en Odisha se utilizaban muy pocas variedades, aunque él recordaba que en su infancia había formas, gustos y cualidades naturales muy diferentes. Para preservar este rico legado y devolverlo a los ciclos naturales de cultivo, Sarangi se dispuso a recoger, cultivar, cosechar, propagar y archivar semillas. En esta sala, diseñada con Sherna Dastur y adaptada a medida que viaja, se presentan 272 especies de semillas de arroz en contenedores individuales hechos a mano. Procedentes de “la escena del crimen” y bajo una constante amenaza de desaparición, constituyen un extenso sistema de conocimiento que se ha compartido y desarrollado durante décadas.

En cada una de las paredes externas de la sala se muestran tres grandes libros hechos también a mano por Dastur que invitan a los visitantes a hojearlos y se acompañan de proyecciones sobre sus páginas y de historias escritas por Kanwar, además de elementos que sirven de prueba y evidencia en relación con los problemas que se denuncian:

-Las Hermanas Contadoras y otras historias (2011) presenta una fascinante colección de relatos escritos por Kanwarasí como rastros de evidencias incrustados en el papel, como una red de pesca, una prenda de tela, semillas de arroz, una hoja de betel y un periódico. Junto al texto serigrafiado hay una proyección de una segunda versión de la película La escena del crimen

.-La predicción (1991–2012) contiene ficción, hechos reales, documentos legales, declaraciones personales y fotografías, y narra los acontecimientos que llevaron al asesinato del líder sindical Shankar Guha Niyogi en 1991, que predijo su propio asesinato y grabó una declaración personal en la que identificaba a los conspiradores así como las posibles razones de su muerte. El libro también relata el juicio por su asesinato, a través de documentación legal y folletos sindicales. El vídeo que se proyecta sobre el volumen fue filmado por Kanwar un día después del asesinato de Niyogi en la ciudad de Dalli Rajhara, en Chhattisgarh.

-La Constitución (2012) es un libro sobre el conocimiento que no está escrito y que casi no incorpora palabras excepto por los títulos de los capítulos. Las páginas, hechas a mano, tienen hilos que forman una sucesión de escrituras únicas y el conjunto se puede apreciar a través del tacto del papel, las texturas, la transparencia, la luz y la película proyectada en las páginas.

Acompañando a las semillas, se presentan tres pequeños libros que recopilan textos y fotografías que Kanwar reunió en el proceso de creación de El bosque soberano y que relatan los actos de resistencia, no solo contra las vulneraciones políticas y empresariales, sino también contra el olvido de los muertos y desaparecidos:

-El libro de las semillas (2012) presenta imágenes de Natabar Sarangi en sus campos de arroz, trabajando con las semillas, y del archivo que ha creado con las propiedades y usos específicos de cada una de ellas.

-En memoria de (2012) busca preservar la memoria de los agricultores que se han quitado la vida en los últimos años en Odisha porque no pudieron resistir las presiones de la industria.

-La manifestación tumbada (2012) rinde homenaje a los fotógrafos locales, cuyo trabajo ha permitido documentar y denunciar hechos en la región. El libro revela imágenes de una manifestación realizada en Odisha en 2001 contra la adquisición forzosa de tierras para la compañía coreana de acero POSCO y el gobierno.

Testimonios relámpago

La última sala se dedica al segundo proyecto presentado en la exposición, Testimonios relámpago, una video instalación envolvente de ocho canales que recoge el testimonio de varias mujeres sobre la violencia sexual y los secuestros en India. Con un complejo montaje de relatos simultáneos, incluye historias como el secuestro masivo y la violación de mujeres durante la partición de India, en 1947 ,o las protestas contra las agresiones sexuales en Manipur, en 2004. El artista explora las situaciones en las que los episodios de violencia sexual se suman a los conflictos sociales y políticos en India, con la intención de acabar con el silencio que cubre las agresiones a las mujeres, tanto en el ámbito público como en el privado. Cada proyección de la instalación presenta a una mujer diferente que relata los episodios traumáticos que ha sufrido, y alterna varios niveles de narración a través de personas, imágenes y recuerdos, o a través de objetos de la naturaleza y de la vida cotidiana, que son testigos silenciosos de los ataques.

Con voces en off y comentarios en primera persona, Kanwar se posiciona en el conflicto, introduciendo una presencia empática y apasionada en el debate. Junto a las biografías y relatos personales que el artista ha recopilado en sus viajes por India y Bangladesh, también hay espacio para canciones, representaciones teatrales e imágenes poéticas, llevando al espectador más allá del sufrimiento para mostrarle un lugar de contemplación, donde la capacidad para sobreponerse crea el potencial de transformación en un mundo marcado por la lucha continua por los derechos y la dignidad de las mujeres. Este trabajo de Kanwar fue coproducido por TBA21 y Public Press y se estrenó en Documenta 12, en 2007.

Sobre la exposición

“Francesca es una coleccionista comprometida desde siempre con los artistas, con su proceso de creación y también con las grandes causas sociales que ellos defienden”, sostiene Guillermo Solana, director artístico del Museo Thyssen. “La colaboración con TBA21 nos permite establecer un diálogo entre el arte histórico y el arte contemporáneo, descubriendo al público las afinidades y conexiones entre distintas generaciones de coleccionistas de la misma familia”, añade.

Tanto El bosque soberano como Testimonios relámpago son tan conmovedores como oportunos, dando voz a quienes no la tienen y buscando justicia donde es difícil encontrarla”, explica la comisaria Chus Martínez. “En las obras de Kanwar, la justicia es una virtud, un rasgo que define las relaciones que somos capaces de establecer con todo lo que nos rodea y, a la vez, la justicia es un deber que nos aboca constantemente a la protección de la vida”

Sobre Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21)

Fundada por Francesca Thyssen-Bornemisza, TBA21 es a la vez impulsora y colaboradora en la creación de obras fundamentales de artistas emergentes y consagrados de todo el mundo. La fundación sin ánimo de lucro se distingue por su compromiso con obras de temática social sobre cuestiones socio-políticas y medioambientales urgentes y persigue nuevas líneas de investigación en todas las disciplinas. TBA21 parte de la larga tradición de patrocinio artístico en varias generaciones de la familia Thyssen. El padre de Francesca Thyssen-Bornemisza, el barón Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza, es el fundador del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, al que contribuyeron los herederos del difunto barón.

FICHA DE LA EXPOSICIÓN

Título: Amar Kanwar

Organizador: Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (TBA21)y Museo Nacional Thyssen-Bornemisza

Colaboran: Fundación Ecolec y Signus

Sede y fechas: Madrid, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, del 27 de febrero al 19 de mayo de 2019

Comisaria: Chus Martínez

Coordinadora: Leticia de Cos, Área de Exposiciones del Museo Thyssen-Bornemisza.

Número de obras:2 proyectos formados por 1 videoinstalación monocanal, 1 videoinstalación de 8 canales, proyecciones y otros elementos

INFORMACIÓN PARA EL VISITANTE

Dirección: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid. Salas de exposiciones Moneo, planta -1.

Horario: De martes a viernes y domingos, de 10 a 19 horas; sábados, de 10 a 21 horas.

Entrada única: Colección permanente y exposiciones temporales:

-Entrada general: 13 €

-Entrada reducida: 9 € para mayores de 65 años, pensionistas y estudiantes previa acreditación.

-Entrada gratuita: menores de 18 años, ciudadanos en situación legal de desempleo, personas con discapacidad, familias numerosas y personal docente en activo.

Venta anticipada en taquillas, en la web del Museo y en el 91 791 13 70.

Con gran cariño y simpatía desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

Agua por todas partes, de Leonardo Padura

Cartas a Ofelia / Crónicas literarias 

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Cubamatinal / París 30 de marzo de 2019.

Sin lugar a dudas, Leonardo Padura es el mejor escritor cubano contemporáneo. Gracias al éxito del público lector, que acompaña el de la crítica internacional de su obra, también se puede considerar como uno de los más importantes del Mundo Hispánico.

Padura es digno heredero de los grandes de la literatura cubana del siglo XX: Alejo Carpentier, José Lezama Lima, Reinaldo Arenas, Severo Sarduy, Virgilio Piñera, Guillermo Cabrera Infante…

En esta novela dedica las 107 primeras páginas a contarnos con gran sentido del humor y hasta ironía, la vida cotidiana de los cubanos de a pie, de por qué no se ha ido de Cuba y continúa viviendo en los arrabales habaneros de Mantilla, en la casa de sus abuelos y padres, acosado por el reguetón de sus vecinos.

Los sueños y avatares de su generación y el drama de los años noventa producidos por la caída del muro de Berlín y el cesa de la ayuda de la ex Unión Soviética, son narrados con un savoir faire extraordinario.

“Cuentan que en cierta ocasión alguien le preguntó a la poeta Dulce María Loynaz, por años enclaustrada en su casa habanera, por qué razón había decidido permanecer en la isla. Y la mujer sabia que era ella respondió: «Porque yo llegué primero».”

Al mismo tiempo nos escribe sobre ese celebérrimo muro del Malecón que forma parte de la vida de no solo todos los habaneros.

“Porque el muro del Malecón habanero constituye la evidencia más palpable de nuestra insularidad geográfica y existencial: en esa larga serpiente pétrea se siente, como desde ningún otro sitio, la evidencia de que vivimos rodeados de agua, encerrados por el agua, esa condición que nadie ha definido mejor que el poeta Virgilio Piñera: «la maldita circunstancia del agua por todas partes».

Esta novela es una fascinante ventana abierta a la sala de máquinas de Padura, que permite al lector curiosear por todo aquello que rodea y conforma su escritura.

Las novelas de Leonardo Padura están hechas de historia, y de literatura, y de humo de cigarro cubano, y del béisbol al que tan aficionado es el narrador de La Habana. Según él, es escritor por no haber logrado ser pelotero. Agua por todas partes, la nueva obra de Padura es una celebración y un homenaje al género de la novela, del que se siente tan deudor; en sus páginas aborda cuestiones en torno este invento que lleva ya cuatro siglos tratando las cuestiones de los humanos y siendo una herramienta de transformación de la sociedad y un reflejo de ella.

Nos narra todas las peripecias, dificultades, alegrías y desengaños que tuvo durante la preparación de novelas como El hombre que amaba a los perros -en México y Cuba – y Herejes- Amsterdam -.

Sin embargo, Padura no esquiva el ámbito personal y nos muestra la parte más íntima de su trabajo, la cacharrería, la mesa donde cobran vida personajes y tramas que luego pasan a formar parte de sus celebradas novelas. Contiene un brillante relato de cómo se transforma en material narrativo lo que empieza siendo una tenue luz en la mente del escritor. Dicho en palabras del propio autor: «entre una obsesión abstracta, casi filosófica y el complicado proceso de escribir una novela, existe un trecho largo, lleno de obstáculos y retos». Padura lleva gentilmente de la mano al lector, y se encarga de iluminar ese complicado camino hasta dejarlo a las puertas del edificio de la novela.

Leonardo Padura (La Habana, 1955), antes de recibir el Premio Princesa de Asturias de las Letras en 2015 por el conjunto de su obra, había logrado el reconocimiento internacional con la serie policiaca protagonizada por el detective Mario Conde: Pasado perfectoVientos de cuaresmaMáscarasPaisaje de otoñoAdiós, HemingwayLa neblina del ayerLa cola de la serpiente y La transparencia del tiempo. También es autor de La novela de mi vidaEl hombre que amaba a los perrosHerejes, del libro de relatos Aquello estaba desando ocurrir, y de la novelización del guión de Regreso a Ítaca.

Agua por todas partes. Vivir y escribir en Cuba. © Leonardo Padura. Novela literaria. Colección Andanzas 938. Rústica con solapas. Ebook disponible. Reservados todos los derechos de esta edición para Tusquets Editores, 2019. 368 páginas – 14,8 x 22,5 cm – 19 euros – ISBN: 978-84-9066-640-1

Félix José Hernández.

Un cómic de Sento : “Historietas del Museo del Prado”

Cartas a Ofelia / Museo del Prado

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Cubierta cómic “Historietas del Museo del Prado”. Sento. © Museo Nacional del Prado

 

Cubamatinal / Madrid, 23 de marzo de 2019.

Querida Ofelia:

Este cómic de Sento, basado en una idea de José Manuel Matilla, jefe de Conservación de Dibujos y Estampas y responsable de la línea editorial de cómics del Museo del Prado, se publica con motivo del Bicentenario del Prado para contar algunas de las anécdotas que ha protagonizado la institución en sus 200 años de historia y que no siempre han llegado al público.

El cómic, que reúne siete relatos, se inicia con la ficción de la visita de Goya el primer día de apertura y continúa con historias reales sobre los visitantes, los vigilantes, los restauradores, los conservadores, los directores, las visitas oficiales, la prensa y las exposiciones. Un libro que aproximará al lector al estrecho vínculo que se ha forjado entre las obras de arte que alberga el Prado y los profesionales que tienen el privilegio de trabajar en contacto directo con ellas. Una conexión que ha trascendido este ámbito y alcanza por igual a sus visitantes, que sienten como suya esta institución bicentenaria.

De la mano de Etelvino Gayangós -conserje perpetuo de este museo e interlocutor de pintores, trabajadores y visitantes-, sus 99 páginas a color narran una visión diferente de la que se ofrece en los relatos oficiales, pero no menos real, y basada en hechos documentados como la historia del robo de piezas del Tesoro del Delfín que, hace cien años, puso a prueba al “laboratorio de criminalística” de la época; la fake news de la que fue objeto el Museo en el siglo XIX —un pavoroso incendio en sus salas— que contribuyó a rescatarlo del olvido gubernamental; la bomba que cayó cerca de la institución en la Guerra Civil y que, guardada durante décadas por un particular, hoy forma parte de su catálogo; o la historia del visitante anónimo que durante años guardó las postales recuerdo de su visita.

“Y recuerden: las miradas preservan los cuadros, acrecientan el espíritu de sus creadores y cultivan la inteligencia del que lo hace. Pasen y vean o, en este caso, lean y miren.” Etelvino Gayangós

 ÍNDICE

1819-2019  Una noticia incendiaria. 1

891  El robo del Tesoro.

1918  Una bomba en el Museo.

1936-2003  Una visita fugaz. 1

988  La larga espera.

1990  El nuevo Bruegel el Viejo.

 2010  La postal de Casimiro.2012

Sento Vicent “Sento” Llobell Bisbal (Valencia, 1953) es uno de los miembros clave del movimiento de la nueva historieta valenciana, que en los años ochenta desarrolló un estilo vinculado a la línea clara. Tras licenciarse en la Facultad de Bellas Artes de Valencia, entre 1979 y 1981 ejerció como profesor de Anatomía, trabajo que abandonó para dedicarse profesionalmente a la historieta con el nombre de Sento. 

En la actualidad, ha retomado la docencia e imparte cursos en la Escuela Superior de Arte y Tecnología de Valencia. Tiene publicados doce álbumes de cómic, seis libros ilustrados, seis novelas gráficas, más de veinte carteles y numerosas ilustraciones e historias cortas para diferentes revistas, entre las que destacan sus aportaciones a las emblemáticas Bésame mucho y Cairo. También ha diseñado cinco fallas vanguardistas y la gigantesca figura transitable del parque Gulliver de Valencia. 

En 2013 ganó el Premio Internacional Fnac-Sinsentido de Novela Gráfica por Un médico novato, la adaptación al tebeo de las memorias de su suegro durante la Guerra Civil, continuado y recopilado finalmente en un solo tomo en 2017 bajo el título Dr. Uriel.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

 

El Museo del Prado presenta la donación de la familia Ellacuria Delgado, descendiente del pintor Cecilio Pla (1859-1934)

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

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Cecilio Plá pintando un paisaje en su taller Anónimo Papel fotográfico Madrid, Museo Nacional del Prado.

 

Cubamatinal / Madrid, 25 de marzo de 2019.

 Querida Ofelia:

En la sala 62 A del edificio Villanueva se presenta una pequeña muestra de la generosa donación realizada en 2018 por los hermanos Ellacuria Delgado, hijos de Ana María Delgado, nieta de Cecilio Pla Gallardo (1859-1934), pintor valenciano de especial interés en el panorama artístico español del siglo XIX y del que el Museo del Prado conserva algunas de sus principales obras.

En torno a un autorretrato de Cecilio Pla, adquirido por el Estado en 2018, se articulan una serie de documentos gráficos, dibujos, cartas y algunas de las medallas recibidas durante su carrera para reflejar la heterogeneidad de esta donación y permitir al visitante descubrir algunos detalles de la vida y carrera artística de este pintor.

Esta donación supone la incorporación al Museo de un nuevo archivo personal de artista, que además, en este caso, es muy nutrido, diverso y completo. Por ello, fortalece una de las nuevas vías de crecimiento de las colecciones del Prado. Su interés no se limita al conocimiento de la pintura decimonónica. Al igual que los fondos de Valentín Carderera y de Enrique Simonet, este también está centrado en un solo artista, pero, en este caso, dada la relación docente y personal que Pla tuvo con buena parte de los artistas jóvenes desde comienzos del siglo XX, nos ofrece información relevante para el estudio de todos estos.

Por su taller pasaron artistas tan relevantes como Gabriel Morcillo, José López Mezquita y Carolina del Castillo, la mujer artista más relevante entre el numeroso grupo de alumnas que asistían a sus clases. El archivo, además, se ha conservado de manera casi íntegra hasta ahora, hecho no muy frecuente en el caso de los artistas decimonónicos, cuyos fondos personales a menudo se han perdido o disgregado. 

Por tanto, su interés reside no solo en el conocimiento que ofrece para el estudio de la figura de Cecilio Pla, pintor representado en nuestras colecciones, sino también en el conocimiento del panorama artístico español. 

La selección de dibujos expuestos permite observar su calidad como dibujante y su dedicación a la ilustración gráfica, así como su interés por el paisaje y las escenas marítimas. Dentro de las casi quinientas cartas donadas se encuentran remitentes como el compositor Ruperto Chapí, el escritor Miguel de Unamuno y su paisano Joaquín Sorolla. El conjunto de más de trescientas fotografías es también de gran importancia y permite estudiar el proceso creativo de muchas de sus pinturas. La donación también incorpora las principales medallas recibidas a lo largo de su carrera, de las que aquí se muestran dos de las más importantes.

 Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

 Félix José Hernández.

 

Un oratorio desconocido de Juan de Juanes en el Museo del Prado

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

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Oratorio de san Jerónimo penitente Damián Forment, Juan de Juanes Alabastro del Valle del Ebro, 1510-1579. Museo Nacional del Prado.

 

Cubamatinal/ Madrid, 23 de marzo de 2019.

Querida Ofelia:

Considerado como el Rafael español cuando hace 200 años el Museo del Prado abrió sus puertas, Juan de Juanes (h. 1510-1579) tiene desde hoy su espacio propio, equiparándose con el Bosco, el Greco, Velázquez o Goya, en la sala 51 del edificio Villanueva, no en vano en la testamentaria de Fernando VII su Santa Cena superaba con creces la valoración de los Grecos, por ejemplo. 

 En ese nuevo espacio se presenta también una extraordinaria donación, gracias a la generosidad de la Fundación Amigos del Museo del Prado, el Oratorio de san Jerónimo. Este oratorio portátil es una pieza pensada para el ámbito devocional privado. El tema principal, san Jerónimo, fue realizado por Damián Forment (Ca. 1480 – 1540), uno de los grandes escultores valencianos activo en la Corona de Aragón. Utilizó para ello alabastro del Valle del Ebro, que estuvo en origen dorado y policromado. Con posterioridad, Juan de Juanes diseñó una excepcional estructura “a la romana” para proteger y realzar la placa, la cual amplió en la parte superior y pintó parcialmente. En el exterior de las puertas representó a san José con el Niño y a san Lucas, y en el interior, bajo dos arcos, a san Vicente Ferrer y a san Pedro Mártir.

Además, esta nueva ubicación del maestro valenciano permitirá la reordenación de las salas 52 B y C, en las que se exhibirá una importante obra religiosa de Sánchez Coello, Alegoría mística con san Sebastián, san Bernardo y san Francisco.

 Pintura española del siglo XVI La Valencia de los Masip: Juan Vicente Masip y Juan de Juanes Buena parte de la pintura valenciana del siglo XVI estuvo protagonizada por un grupo de sagas familiares entre las que destaca la de los Masip. Las producciones de Juan Vicente Masip (h. 1475-1550), y sobre todo de su hijo Vicente Juan Masip, más conocido como Juan de Juanes (o Joan de Joanes; h. 1510-1579), dominaron el panorama pictórico del Reino de Valencia durante más de medio siglo.

 La actividad artística de Juan Vicente Masip trascurrió en un periodo de tránsito entre las fórmulas del gótico final y las novedades renacentistas. Su versátil personalidad fue asimilando las influencias de diversos pintores que por la situación estratégica de Valencia provenían sobre todo de la esfera italiana. A partir de la década de los treinta su hijo Juan de Juanes participó de manera activa en el taller, convirtiéndose pronto en elemento fundamental del mismo. Padre e hijo colaboraron en el retablo mayor de la catedral de Segorbe, Castellón (1529-32) y en el de San Eloy, encargo del gremio de plateros para su capilla en la iglesia valenciana de Santa Catalina (1536-38), donde se aprecia ya la influencia del severo romanismo de Sebastiano del Piombo (h. 1485-1547). La presencia en Valencia de cuatro obras de este pintor italiano traídas por el embajador Jerónimo Vich transformó el devenir de la pintura valenciana.

 Aún hay controversia en lo que se refiere a la intervención de cada maestro en esas décadas de trabajo compartido. Por su juventud y por la evolución de su pintura, parece razonable pensar en Juan de Juanes como el más receptivo a las novedades del momento, a las composiciones de Rafael y a la monumentalidad figurativa de Piombo, a quien debe también el color y la iluminación. Juanes fue un excelente dibujante, un notable retratista y hombre de probada cultura que frecuentó a importantes humanistas.

 Además de numerosos retablos en la ciudad y otras villas, los Masip fueron los creadores de imágenes devocionales muy difundidas del Ecce Homo, el Salvador Eucarístico, la Sagrada Familia o la Inmaculada Concepción, vinculadas a la espiritualidad católica del momento.

El estilo de Juanes fue el referente de la pintura de Valencia en la segunda mitad del XVI y principios del XVII, continuada por su hijo Vicente Juan Masip Comes y por un nutrido grupo de seguidores. Algunas de sus composiciones fueron copiadas por relevantes pintores de esa escuela hasta entrado el siglo XIX.

Con gran cariño desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.