Reencuentro con El Jardín de las Delicias del Bosco en el Museo del Prado

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Jardín de las Delicias El Bosco Grisalla, Óleo sobre tabla de madera de roble 1490 – 1500 Madrid, Museo Nacional del Prado

Cubamatinal / Madrid, 27 de octubre de 2020.

El Museo Nacional del Prado reabre al público, con la colaboración de la Comunidad de Madrid y el apoyo de Samsung como Protector tecnológico de la institución, la sala dedicada al Bosco con un nuevo montaje que supone una reforma radical desde un punto de vista técnico. Con este fin, se han fabricado soportes nuevos para tres trípticos, una mesa vitrina y se ha instalado un nuevo sistema de iluminación, gráfica nueva y una pantalla que permitirá admirar detalles ampliados de las obras.

En 2016, la exposición temporal que el Museo dedicó al Bosco superó las 600.000 visitas y marcó un récord histórico en la institución. En 2019, más de 7.000 visitantes al día pasaron por la sala del Bosco, acumulando un total de dos millones y medio de visitantes al año. El Jardín de las delicias es una de las cinco obras más escuchadas por los usuarios de audioguías del Museo, sólo por detrás de Las Meninas y durante el periodo de confinamiento ocasionado por la COVID-19, el vídeo más visto del programa online #PradoContigo fue el directo en Instagram dedicado a esta obra, con 1.344.240 impresiones. Observando estas cifras, el Museo Nacional del Prado ha querido responder a la gran demanda de visita que genera esta sala ofreciendo, con esta nueva instalación, la optimización del espacio y una mejora en la percepción de las obras.

Si bien se mantiene la ubicación de las piezas en la sala, el montaje anterior presentaba unas características formales que requerían una actualización y mejora, por eso, se modifica su presentación pública para ganar espacio de circulación para los visitantes, mejorar la accesibilidad a las piezas, personalizar la iluminación de los 22 trípticos para enriquecer la percepción general de todas las obras expuestas y se contemplan las necesidades derivadas de la implantación del Plan de Protección de Colecciones ante Emergencias.

Actuaciones que mejoran la visita pública

La reducción del tamaño de los soportes, estéticamente más atractivos, permite ganar espacio de circulación para los visitantes que disfrutarán de mayor amplitud entre las obras expuestas lo que enriquecerá su contemplación.

La nueva gráfica, que aporta información sobre las obras del Bosco, consiste en textos explicativos individuales de cada pieza y un gran texto introductorio que, con un guiño al pintor, muestra su firma autógrafa como colofón.

La personalización de la iluminación de los trípticos mejora la percepción general de las obras expuestas y presta especial atención a la correcta visión del reverso de sus alas, todo un reto técnico por la limitación del ángulo de incidencia de la luz.

El nuevo color de la sala, un verde más oscuro que en el anterior montaje, realza la gráfica y los tonos de las pinturas e incide más en la iluminación.

Además, la sala cuenta con un monitor profesional de 65” de Samsung que permite la sucesión animada de detalles sorprendentes de las obras expuestas en un tamaño hasta 12 veces mayor que el original.

Actuaciones de conservación preventiva y seguridad

Se han combinado simultáneamente soluciones técnicas que mejoran la accesibilidad para instalación y desinstalación de las piezas por parte del equipo de manipulación de obras de arte del Museo Nacional del Prado y se han contemplado las necesidades derivadas de la implantación del Plan de Protección de Colecciones ante Emergencias en lo que se refiere a medidas de protección in situ y a medidas para evacuación. En este caso, se trata de una iniciativa pionera de diseño y ejecución de fundas de protección multirriesgos a medida (agua, fuego, polvo, humo, etc.) que se instalan mediante un procedimiento operativo de una duración máxima de 2,5 minutos que se combinan con diseño de bases de estabilización de los trípticos, reduciendo significativamente los tiempos de retirada de obras a lugar seguro, en caso de emergencia.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

Cuatro exposiciones de artistas y proyectos de Castilla y León en el MUSAC

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Cubamatinal / León, 30 de octubre de 2020.

Querida Ofelia:

Las salas 2 y 3 acogerán hasta el 28 de febrero muestras individuales de la escultora zamorana Ana Prada y la artista multimedia de origen burgalés Paloma Navares. El proyecto Tráfico de arte. Galería, ciudad y periferia pone el foco en la intensa actividad artística generada entre 1990 y 2007 en torno a la galería y espacio de producción artística leonés Tráfico de Arte. La Convocatoria Laboratorio 987 pone en marcha Intervalo lúcido. Consciencias del espacio, una exposición de la artista palentina Ana Frechilla surgida de la investigación en torno a la industria armamentística en el territorio castellano y leonés. Para garantizar una visita segura a las muestras durante la jornada de apertura, mañana sábado se proponen tres horarios de visita libre con aforo limitado a las 17:00, 18:30 y 20:00 horas, previa inscripción gratuita a través dewww.musac.es .

MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, abrirá al público cuatro exposiciones el sábado 31 de octubre a partir de las 17:00 horas, con entrada gratuita previa inscripción a través de www.musac.es. Con motivo de la celebración del 15 aniversario del museo, perteneciente a la red de museos regionales de la Junta de Castilla y León,parte de la programación expositiva de 2020 se ha centrado en la visibilización y puesta en valor de la labor del centro en el marco de de ctubre de su contexto cercano. Entre enero y octubre, el apartado Dinámica relacional. Contexto y acción situada de la exposición Cinco itinerarios con un punto de vista respondió a la voluntad de visibilizar aquellas obras de la Colección MUSAC surgidas de la inserción del museo en su entorno cercano. A partir del 31 de octubre, se incidirá en el trabajo de artistas y proyectos castellanos y leoneses a través de muestras individuales de Paloma Navares (Burgos 1947), Ana Prada (Zamora 1965), y Ana Frechilla (Palencia 1983); así como la muestra colectiva Tráfico de Arte. Galería, ciudad y periferia.

Asimismo, la Consejería de Cultura y Turismo está trabajando ya en la adaptación y digitalización de la programación cultural prevista en noviembre, para poder mantenerla si las circunstancias sanitarias así lo requieren.

Tráfico de arte. Galería, ciudad y periferia

Desde diciembre de 1990, la ciudad León vivió el nacimiento y consolidación de una galería y espacio de producción artística denominado Tráfico de Arte, pensado y materializado por el artista Carlos de la Varga.

La propia denominación elegida para el proyecto era una declaración de intenciones con la que romper la mayoría de las convenciones del mercado del arte, y su línea de programación generó, desde el primer momento, una fuerte interacción con la ciudad, sus artistas e instituciones. Sin abandonar la pintura y la escultura, su programación transitaba entre el arte público y el conceptual, entre lo performativo y el land art, entre la mirada fotográfica y el videoarte.

Asimismo, la intensa vinculación que Tráfico de Arte mantuvo con el comisariado a través de las numerosas colaboraciones y confluencias con el profesor y crítico de arte Javier Hernando, implicó la aparición de proyectos satélites de arte público como El hall transformado, Acción Pública, El espacio inventado, o el Centro de Operaciones Land Art El Apeadero, junto con ediciones, debates, exposiciones y asistencia a ferias de arte, que configuraron un rico y proteico escenario artístico que se prolongó hasta 2007.

La exposición Tráfico de Arte. Galería, ciudad y periferia, comisariada por Jesús Palmero, da cuenta ha de este intenso periodo en la práctica artística leonesa, a través abundante documentación y más de un centenar de obras de 66 artistas, que abarcan técnicas como el vídeo, fotografía, pintura, instalación, o escultura. El proyecto, que podrá visitarse hasta el 16 de mayo, aporta una mirada actual, desde el ámbito expositivo, a toda esa práctica desarrollada a lo largo de 17 años que significó a nivel social un caldo de cultivo idóneo para el asentamiento en la ciudad del MUSAC en 2005.

Para dar cuenta de este extenso periodo de actividad, la muestra se organiza en torno a tres ámbitos temáticos titulados galería, ciudad y periferia. El primero de ellos recoge los planteamientos y experiencias vinculadas a un espacio galerístico único en el panorama de la comunidad en ese momento. En el ámbito Ciudad ciudad convergen las derivas urbanas procedentes de la apertura de la galería hacia el exterior. Por último, Periferia se ocupa de las experiencias artísticas desarrolladas en la naturaleza.

Paloma Navares.

El vuelo. 1978-2018 El vuelo. 1978-2018 es una exposición retrospectiva de la artista Paloma Navares (Burgos, 1947) que ha sido coproducida por MUSAC y el Área de Vicealcaldía y Proyección Exterior Servicio de Cultura del ayuntamiento de Zaragoza. La muestra, que podrá visitarse hasta el 28 de febrero, repasa cuatro décadas de trayectoria de la artista burgalesa, caracterizada por un lenguaje plástico muy personal definido por el uso de nuevas tecnologías, la utilización del espacio, la luz y la integración de diversas técnicas.

A partir de una extensa selección de en torno a treinta obras de fotografía, vídeo, instalaciones, esculturas, objetos y collages, El vuelo, que podrá visitarse hasta el 28 de febrero de 2021, profundiza en los temas principales en la práctica artística de Paloma Navares: la figura de la mujer en la historia y en la sociedad, sus ritos, costumbres y tradiciones, a través de un lenguaje interdisciplinar en el que predomina una reflexión sobre la construcción de la imagen y su apropiacionismo y el acercamiento al cuerpo femenino como motivo.

En esta muestra, Navares invita al visitante a acompañarla en una lectura poética de la vida y la muerte, del dolor y la belleza, la libertad y la oscuridad, lo natural y lo artificial; todo un viaje en el que su obra y su vida personal están igualmente presentes.

La muestra se completa con una publicación coproducida por la Lonja de Zaragoza y MUSAC, en la que a través de textos de Manuel Olveira y Marta Mantecón y de una extensa selección de imágenes se da cuenta de las aportaciones de la artista a lo largo de su extensa carrera.

Ana Prada. Todo es otro

La exposición Todo es otro revisa la trayectoria de la escultora Ana Prada desde 1994 a la actualidad a través de once obras, incluyendo dos piezas escultóricas realizadas ex profeso para el proyecto y una intervención específica con la arquitectura del MUSAC. La obra de Prada parte del apropiacionismo, la transformación y resignificación de objetos cotidianos extraídos del ámbito doméstico —tazas, pelotas de golf, chicles o cuchillos— para construir estructuras geométricas complejas, a veces de escala monumental. Con ellas, la artista reflexiona sobre el uso del objeto cotidiano como sujeto escultórico, los problemas físicos de la materia y la creación de espacio a través de cuestiones como el volumen, la medida, la simetría y la solidez. La muestra ha sido coproducida por MUSAC y el C3A, Centro de Creación Contemporánea de Andalucía.

Esta interrelación entre objeto cotidiano y escultura está en el centro de la tensión conceptual y formal que gira en torno a la obra de Prada, determinada por cierto grado de complicidad con el espectador a través de factores como el descubrimiento y el absurdo. El volumen escultórico, la medida y el material generan diversos espacios y planos de perspectiva para el observador. Lo que en la distancia puede parecer una retícula, un tótem o un cubo, en el plano cercano se desvela como un conjunto de cucharas o botes de plástico desprovistos de su función utilitaria. La búsqueda de objetos, texturas, materiales y colores no es una asociación casual, sino el resultado de un proceso de experimentación donde las propiedades de estos elementos se subordinan a la obra de arte. De esta manera, Ana Prada lleva los materiales al límite de su frontera física de carga, pesos y fuerzas.

El título del proyecto, Todo es otro, parte de la fascinación de la artista por lo “otro”. Así, al hablar de su trabajo, Prada explica: “En el juego complejo de implicaciones mutuas que es la comunicación siempre nos olvidamos de la verdadera inestabilidad de las cosas y los significados. Busco establecer una comunicación defectuosa que deje sumido al receptor en un estado de incertidumbre o doble comprensión respecto a qué clase de mensaje es el que se presenta. Este empeño irresistible está basado en mi fascinación por “el otro”, considerado siempre como algo diferente, aquello que es otro frente a la idea de ser considerado algo. Es mi determinación y deseo servirme de esta inestabilidad de los signos para atraer al otro, controlar su mirada, provocar su curiosidad y, en última instancia, transformarlo en un voyeur”.

Ana Frechilla. Intervalo lúcido. Consciencias del espacio

La Convocatoria Laboratorio 987 pone en marcha la exposición Intervalo lúcido. Consciencias del espacio, de Ana Frechilla (Palencia 1983). La propuesta forma parte de la investigación de largo recorrido de la artista sobre la industria armamentística y el territorio castellano y leonés. En esta ocasión, la artista pone su atención en la biodiversidad del Páramo de Masa (Burgos), un extenso, árido y despoblado entorno natural donde 2.500 hectáreas fueron ocupadas a comienzos de siglo para realizar actividades entre las que se subraya a fabricación de explosivos militares. A través de fotografías, textos y entrevistas en audio, la artista reflexiona sobre la incidencia de las actividades humanas en los entornos naturales.

Ana Frechilla indaga en la relación que mantienen el sector de las armas y el territorio castellano y leonés desde el año 2017. Una investigación que la fotógrafa e historiadora del arte inició con el trabajo que lleva por título Niebla, a través del estudio la Fábrica de Armas de Palencia (Santa Bárbara) y su relación con la memoria histórica. Con Intervalo lúcido. Consciencias del espacio, que podrá visitarse hasta el 7 de marzo en el Laboratorio 987 del MUSAC, da un nuevo paso en dicha investigación –apoyada ahora desde la Convocatoria Laboratorio 987 del MUSAC y cuyo Grupo de Mediación que la organiza, decide sumar al proyecto a la comisaria de exposiciones, Leyre Goikoetxea Martínez, para acompañar el trabajo de Ana Frechilla y ensanchar sus prácticas artísticas.

Información práctica fin de semana de apertura

Con motivo de la apertura, la entrada será gratuita el sábado 31 de octubre de 17:00 a 21:30 h. y el domingo en horario de 11:00 a 15:00 y de 17:00 a 21:00 h.

Para garantizar una visita segura y el cumplimiento de las normas sanitarias, durante la tarde el sábado 31 de octubre se proponen tres pases de visita libre con aforo limitado a las 17:00 h., 18:30 h. y 20:00 h. Inscripción gratuita imprescindible a través de www.musac.es

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

El Niño de Elche. Auto Sacramental Invisible en el Museo Reina Sofía

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Foto de Joaquín Cortés / Román Lores. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía

Cubamatinal / Madrid, 8 de octubre de 2020.

Querida Ofelia;

En el marco del programa Fisuras, el Área de Colecciones del Museo Reina Sofía ha emprendido, junto con Niño de Elche (Francisco Contreras, Elche 1985), el proyecto Auto Sacramental Invisible. Una representación sonora a partir de Val del Omar. La propuesta concebida por el artista ilícita no se inspira libremente en la obra Auto Sacramental Invisible realizada a principios de la década de los 50 del siglo pasado por José Val del Omar (Granada, 1904 -Madrid, 1982),uno de los autores fundamentales de la Colección del Museo. El resultado final incorpora, en una compleja síntesis, componentes teatrales y musicales que, en la interpretación propuesta por Niño de Elche se manifiestan a través de una pluralidad de voces que se orientan simultáneamente tanto hacia la España de 1952 que vio nacer la obra original, como a este año 2020 en que el Museo Reina Sofía acoge, en primicia, su presentación en el Espacio 1 del edificio Sabatini hasta el próximo mes de abril.

Niño de Elche es uno de los artistas más heterodoxos del panorama cultural nacional. Reconocido por su faceta principal como cantante, su trabajo engloba la búsqueda de nuevas propuestas para conseguir aunar disciplinas tan dispares como el flamenco, la performance, la música electrónica o el rock. De ahí sus colaboraciones con bailaores como Israel Galván, grupos de rock instrumental como Toundra o bandas tan representativas como Los Planetas, con los que creó el grupo “Fuerza nueva”. Actualmente está inmerso en un proyecto global basado en la investigación del legado sonoro de Val del Omar, del que ésta relectura personal que presenta en el Reina Sofía es una parte destacada.

Origen del Auto Sacramental Invisible de Val del Omar

En el año 1949 Val del Omar comienza a componer el Auto Sacramental Invisible a modo de instalación sonora, y en 1952 se presenta de manera parcial en el Instituto de Cultura Hispánica (ICH). Concibe este dispositivo en perfecta articulación con un elaborado guion que distribuye minuciosamente el sonido (voces, músicas, ruidos diversos…) a través de más de una decena de altavoces, lo que supone una propuesta artística con un desarrollo tecnológico muy avanzado para la época. Además, se considera como una suerte de «eslabón perdido» dentro de la evolución estética de su obra. “Desde el año 2014 vengo entablando diferentes acercamientos a la obra siempre inacabada y, por ende, abierta de Val del Omar. Aproximaciones que en su mayoría fueron formalizadas como improvisaciones vocales inspiradas en la rítmica visual generada, sobre todo, de sus variados y valiosos ejercicios fílmicos registrados en formato Super-8. En cambio, y a lo que se refiere a mi desbordamiento vocal y sonoro, mi práctica consistía en diversos intentos o ensayos de mimetizar las bandas sonoras valderomarianas con la maquinaria de mis voces, lo que podría ser considerado como una experiencia cíborg”, explica Niño de Elche.

El Auto supone la culminación de los experimentos en electroacústica (el almacenamiento, la amplificación o transformación, y la repetición del sonido a partir de medios eléctricos) a los que Val del Omar dedicó buena parte de la década de los años cuarenta, e introduce algunas de las preocupaciones que marcarán su producción cinematográfica durante las siguientes décadas. Esta obra ayuda a explicar el salto entre el joven cineasta y fotógrafo cercano al realismo documental y vinculado a las Misiones Pedagógicas, y el Val del Omar ya plenamente cinemista, abstracto y poético que a partir de 1954 presentará, con su Aguaespejo granadino, ese “opus magnum” que es el Tríptico elemental de España.

Contextualización histórica

El montaje final que se puede ver ahora en el Reina Sofía consta de dos partes bien diferenciadas. Por un lado, una primera sala de contextualización histórica y documental alrededor de la creación del Auto Sacramental por parte de Val del Omar, de la que se ha encargado Lluís Alexandre. Se exhiben dos páginas de uno de los cuatro guiones que hizo el artista con notas y apuntes a mano que intentaban explicar de manera concreta como había que articular la voz para conseguir la tonalidad deseado “acto primero: voces resonantes con un tono envolvente” son algunas de las frases que se pueden leer en sus guiones. Pero como reconoce Niño de Elche “sus metáforas poéticas son imposibles de llevar a la realidad, de ahí que haya hecho una reinterpretación libre”.

Continuando el recorrido de esta sala encontramos invitaciones de aquella presentación del año 1952, fotografías de la revista del ICH de cuando se inauguró el edificio, los libros que tenía Val del Omar relacionados con asuntos del sonido y la música(Ciencia y música), patentes de marca de varios inventos que realizó o los documentos que muestran los encargos que hizo para Radio Nacional de España, donde trabajó entre 1946 y 1949.También vemos material gráfico que demuestra la importancia que tuvo para la difusión de la propaganda política la utilización del sonido.

Este primer espacio expositivo nos explica además, cómo funcionaban las Misiones Pedagógicas de la época en la parte relacionada con el sonido, de las que formó parte el creador granadino. Los integrantes de las Misiones iban a los pueblos con material para poder reproducirla música y las canciones populares con el fin de acercar ese acervo cultural a todo tipo de públicos. Para ello utilizaban un gramófono que indistintamente servía para escuchar la música o para grabar la manera de hablar de los habitantes que visitaban.

El Auto Sacramental reinterpretado por Niño de Elche

El segundo espacio es la instalación sonora que ha realizado Niño del Eche a partir del trabajo de Val del Omar. Los Auto Sacramentales son piezas de teatro de temática religiosa de un solo acto que en el siglo XVII estuvieron muy de moda. Por lo general, la gente era analfabeta y los Autos eran utilizados para narrar la vida y milagros de los personajes religiosos. Autores tan significativos como Calderón de la Barca tienen varias obras de este estilo, y de hecho Val del Omar, recurre a La vida es sueño de Calderón o a escritos de Federico García Lorca como referencias para su composición

Niño de Elche y su equipo han partido de los guiones originales de Val del Omar para hacer una relectura y crear su propia versión de aquella pieza. No hay referencias de la parte musical de la presentación parcial que hubo en el año 1952 en el ICH, por lo que ha actuado con total libertad para incluir versos suyos o frases que aparecen en los guiones y que ha readaptado: “alégrate del dolor y del placer” es una frase que está en el guión original, y que el artista ilicitano canta.

A la hora de acometer la escenografía, Lluís Alexandre se ha inspirado en lo que se cree que fue la puesta en escena del ICH: “Al entrar en la instalación, -explica Lluís- el visitante descubrirá una estructura alámbrica colonizada por marañas de cables, focos y bombillas empalmados con regletas y enchufes. De esta estructura cuelgan quince altavoces (en los guiones originales se hablaba de 12), cuyos pabellones se precipitan desafiantes sobre el visitante, como hicieran los altavoces militarizados de La Voz del Frente o del Circuito Perifónico. Ornamentados con bombillas de feria, los altavoces se transforman en lámparas votivas”.

Se cree que la representación del año 52 en el Instituto fue similar a la de un montaje teatral, de ahí que, para favorecer la sensación de estar asistiendo a una representación escénica, en la sala se han dispuesto dos hileras de cuatro butacas para que el espectador pueda sentarse, aunque la idea de Niño de Elche es que el visitante pueda también deambular por la sala y se deje envolver por la instalación sonora y el montaje de luces.

Lo que sí se sabe de la puesta en escena en el ICH es que allí había una gran cortina alrededor del escenario, y esa gran cortina se ha transformado en el Museo en una tela negra de grandes dimensiones que envuelve toda la sala con un estampado de decoración vegetal y animal inspirada en los motivos de los jardines de la Alhambra de Granada. Otro de los elementos decorativos de estas grandes telas se inspira en la bomba nuclear. Val del Omar estaba obsesionado con este dispositivo, por lo que el equipo creativo ha decidido que estas telas rematen su decoración con la simulación de las imágenes de manchas térmicas nucleares.

FECHAS: 7 de octubre de 2020 / 26 de abril de 2021

LUGAR: Edificio Sabatini. Espacio Uno

ORGANIZACIÓN: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

PROYECTO: Francisco Contreras (Niño de Elche)

EQUIPO COLABORADOR: Miguel Álvarez-Fernández en el guión, diseño sonoro y producción musical; Lluís Alexandre Casanovas Blanco en la contextualización histórica, guión y diseño arquitectónico; Carlos Marquerie y David Benito en la iluminación y Juan Andrés Beato en la ingeniería del sonido.

COORDINACIÓN: Almudena Díez.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

El Museo Nacional del Prado celebra el Día Internacional de las Lenguas de Signos

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Ilustración: El Descendimiento Rogier van der Weyden Antes de 1443. Óleo sobre tabla. 204,5 x 261,5 cm. Madrid, Museo Nacional del Prado. Depósito de Patrimonio Nacional.

Cubamatinal / Madrid, 22 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

El Museo Nacional del Prado celebra el Día Internacional de las Lenguas de Signos con el responsable de “El Prado para todos”, programa de Prado Educación destinado a promover la participación de todos los colectivos vinculados con la diversidad o con entidades sociales, que contará con la colaboración de una intérprete de LSE.

Santiago explicará El Descendimiento de Van der Weyden y comentará las líneas generales del curso 2020-2021 de “El Prado para todos” que ofrecerá alternativas de participación muy flexibles, incluyéndolas sesiones de trabajo a distancia a través de herramientas tecnológicas. Las distintas actividades accesibles que se ofrecen en este programa, que cuenta con Samsung como colaborador tecnológico, son:

  • Te quiero en pintura: retratos con emoción. Recomendada para grupos de personas mayores de 65 años o con deterioro cognitivo.
  • Sui géneris. Arte, publicidad y estereotipos. Recomendada para Centros Ocupacionales, Colegios de Educación Especial y Centros de Rehabilitación Psicosocial.
  • Los sabores del Prado. Recomendada para grupos de personas con Trastornos del Espectro Autista (TEA) y grupos de población migrante o refugiada.
  • Invencibles en el Prado. Recomendada para grupos de personas con discapacidad física, daño cerebral adquirido y otros grupos de personas en situación de vulnerabilidad.

La inscripción en las actividades para el curso 2020/2021 se abre al público el próximo 1 de octubre.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

Georges Didi-Huberman en el Círculo de Bellas Artes de Madrid

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Georges Didi-Huberman

Cubamatinal / Madrid, 18 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

El filósofo e historiador de arte, Georges Didi-Huberman, autor de numerosas publicaciones sobre la historia y la teoría de las imágenes, presentará en el Círculo de Bellas Artes dos volúmenes. Uno centrado en la fenomenología y la antropología de los gestos de levantamiento y otro en el que se interroga sobre las formas en las que Georges Bataille se aproximó al arte, a través de un recorrido por múltiples obras del escritor y pensador francés.

Presentará el acto Juan Miguel Hernández León, presidente del CBA

La presentación se podrá seguir por streaming a través de este enlace:

Presentación Didi-Huberman

Desear. Desobedecer

Lo que nos levanta, vol.1

Editorial Abada

Este libro es un ensayo de fenomenología y de antropología –y hasta una poética- de los gestos de levantamiento. Interroga a los cuerpos con la psique a través del vínculo profundo, paradójico, dialéctico, que se instaura entre el deseo y la memoria. Al igual que hay un “lo que nos mira” más allá de “lo que creemos ser”, hay quizás también un “lo que nos levanta” más allá de “lo que creemos ser”. Se trata de una cuestión planteada al principio –o en el interior- de nuestras opiniones o acciones partidarias: una cuestión planteada, pues, a los gestos y a las imaginaciones políticas. Una cuestión planteada a la potencia de levantarse, incluso cuando el poder no está a la vista. Esta potencia es indestructible, como el deseo mismo. Es una potencia de desobedecer. Es tan inventiva que merece una atención a la vez precisa (porque lo singular, en este caso, nos dice más que lo universal) y errática (porque los levantamientos surgen en tiempos, en lugares y a escalas en los que no se les esperaba).

Didi-Huberman participará en un coloquio junto con: Juan Barja (escritor y editor) y Fernando Guerrero (editor).

La Dama Duende

Editorial Avarigani

Con la introducción y traducción de Lucía Montes Sánchez, en La dama duende, Georges Didi-Huberman se interroga sobre las formas en las que Georges Bataille se aproximó al arte. ¿Cómo encaró esa tarea de escritura y qué posición tomó en su labor? El autor nos ofrece un recorrido por múltiples obras de Bataille, haciendo especial hincapié en la revista Documents. Su posición con respecto al arte, nos dice, será siempre dialéctica, inextricablemente contradictoria, de modo que le exigirá invariablemente al arte dar forma a una experiencia que sea, a la vez, ejercicio de crueldad o sacrificio y fruto de una inquietud cercana a la inocencia de la infancia.

Para ayudarnos a figurar algo así, la imaginación de Georges Didi-Huberman migra allí donde Bataille vivió, en1922, una serie de experiencias artísticas a través de las que, soberanamente, tuvo acceso a lo imposible. Fue el viaje decisivo que realizara por España, a los veinticuatro años, y que culminaría con su presencia en el célebre Concurso de Cante Jondo, organizado por Manuel de Falla y Federico García Lorca.

Con un precioso y suculento abanico de imágenes, Georges Didi-Huberman aproxima en este texto dos figuras y dos operaciones extáticas, dos experiencias y dos exigencias lanzadas a toda forma de arte que pretenda salirse de los goznes de lo esperable y de lo posible, y que rompa con los procedimientos y las formas normados por el saber instituido en el canon de los estilos. De este modo, la desmesura que Bataille le exige al arte se dará la mano con la que trae consigo el duende inventado por Lorca en la década de los treinta. El duende juega con el arte, lo aleja de todo formalismo académico y lo aproxima a su propia aniquilación, hiriéndolo de muerte y abriéndole así su posibilidad de realizar y figurar lo imposible, es decir –en palabras de Lorca–, brindándole «un aire con olor a saliva de niño […] que anuncia el constante bautizo de las cosas recién creadas».

En esta presentación intervendrán, junto al autor: Benito Navarrete Prieto (Catedrático de Historia del Arte en el departamento de Historia y Filosofía de la Universidad de Alcalá), Lucía Montes Sánchez (Profesora e Investigadora en Formación, FPU, en la Universidad Autónoma de Madrid) y Valerio Rocco Lozano (director del CBA).

GEORGES DIDI-HUBERMAN presenta los libros Desear. Desobedecer. Lo que nos levanta, vol.1 y La Dama Duende.

Círculo de Bellas Artes de Madrid. Miércoles, 23 de septiembre (19h.). Sala María Zambrano.

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta Madrid,

Félix José Hernández.

Avanzar con paso leve en el Museo Thyssen-Bornemisza

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas

Foto: El Museo Thyssen-Bornemisza

Cubamatinal/ Madrid, 30 de septiembre de 2020.

Querida Ofelia:

La exposición Avanzar con paso leve es una oportunidad única para repensar los retos planteados por la crisis de la COVID-19 en términos de apoyo a la comunidad artística, planteando dos cuestiones: cómo continuar con los encargos a artistas -parte fundamental del trabajo que TBA21 ha desarrollado durante las últimas dos décadas- de una manera más cuidadosa y relevante en las circunstancias actuales, y cómo podemos desafiar el concepto de institución para construir una que sea capaz de transformarse y adaptarse de manera orgánica a escenarios cambiantes.

El museo y TBA21 quieren explorar estas cuestiones a través de una exposición en la que se presentan obras creadas específicamente para la misma junto con otros trabajos producidos para st_age, una nueva plataforma digital que nace en septiembre. La muestra es una versión física y ampliada de los proyectos desarrollados para el ámbito digital.

st_age es un espacio digital que aspira a ser una invitación a artistas, instituciones, profesionales y activistas a conectar de manera conjunta con el momento actual, que ha puesto de manifiesto muchas urgencias que necesitan ser abordadas. Una plataforma digital iniciada para presentar obras de nueva producción y generar discurso crítico para hacer frente a la pérdida cultural derivada del contexto actual, profundizando en algunos de los temas más relevantes y urgentes del momento. Un nuevo proyecto con el que se busca ofrecer apoyo y refugio, al mismo tiempo que establecer un contexto para el debate y la colaboración entre diferentes disciplinas y generaciones.

La exposición también nos acerca a un espectro muy amplio de la práctica artística contemporánea a través del trabajo con los artistas en sus comunidades y desde geografías diferentes. st_age les invita a imaginar posibles futuros, y pensar cómo podríamos resituarnos en este nuevo escenario; es una llamada al cambio y a la acción a través de una serie de temas que articulan tanto la exposición como la plataforma digital y que van desde “políticas del habla y del silencio” hasta “espacios de aprendizaje inesperados”.

Estas reflexiones han propiciado la unión de fuerzas con una serie de instituciones internacionales —de la Bienal de Shanghái en China a FLORA ars+natura en Colombia—, con las que se seguirán explorando todas estas ideas. Las voces de esos colaboradores estarán presentes en la exposición a través de las obras que han comisariado para el sitio web y de las actividades relacionadas que se harán eco de estas cuestiones que son el punto de partida de la exposición.

Artistas de la muestra: Dana Awartani, Patricia Domínguez, Dorine Mohka, Courtney Desire Morris, Naufus Ramírez Figueroa, Christian Salablanca Díaz, Yeo Siew Hua, Himali Singh Soin, y Daniel Steegmann Mangrané (entre otros).

Avanzar con paso leve. Del 6 de octubre al 13 de diciembre 2020. Museo Thyssen-Bornemisza. Sala de exposiciones temporales (planta -1).

Un gran abrazo desde nuestra querida y culta España,

Félix José Hernández.

Los Borbón, los Castro, la República en España y Cuba

Opinión /  A debate

reyes de espana en cuba

Cubamatinal / Borbón (en francés Bourbon, en italiano Borbone) es el apellido de una familia que desde el Siglo XVI ha reinado o ejercido como jefe de estado con otras denominaciones (duque, conde) en varios países de Europa Occidental. En la actualidad se mantiene en España, con el actual Rey Felipe VI, y en Luxemburgo, el Gran Duque de ese pequeño país (1),ambas monarquías constitucionales. Durante cinco siglos esta familia ha estado relacionada con todos los conflictos europeos y del resto del mundo. La historia de los borbones está ligada a la del hemisferio occidental en la edad moderna y contemporánea.

Por Germán M. González

Bauta, 8 de noviembre de 2019 / CM / El primer rey Borbón, Enrique III de Navarra y IV de Francia era protestante, para coronarse en este último trono que le correspondía por sucesión, eso lo inhabilitaba; abjuró de su fe y se convirtió al catolicismo, por ello se le atribuye la frase: “París bien vale una misa” ejemplo de cinismo. Luis XIV reinó en Francia durante 77 años, personificación del absolutismo se le atribuye otra frase célebre: “el Estado soy yo”, ambas se consideran apócrifas, pero los retratan perfectamente. Y retratan a la familia, que a través de siglos de convulsiones sociales, guerras y revoluciones aun constituyen casa de la aristocracia por toda Europa y hasta en la lejana India.

Con relación a Cuba la historia borbónica como casa real española es siniestra. Félix Varela, electo diputado a las Cortes y participante en la redacción de leyes que lesionan el absolutismo, al recuperar el trono Fernando VII es condenado a muerte, escapa a duras penas y nunca vuelve a su amada Patria, refugiado en Estados Unidos (uno de los primeros en cumplir ese destino común a tantos luchadores por la libertad de Cuba).

En 1871 se fusila en La Habana a ocho estudiantes de medicina, uno de los crímenes más repudiados de los muchos realizados por los gobernantes coloniales españoles, reinaba en España Amadeo I, tataranieto de Carlos III, por tanto un Borbón por línea materna. Siendo Reina Isabel II son fusilados todos los expedicionarios del Perrit, cargado con pertrechos para los mambises (con cuatro heridas de bala sobrevive Henry Reeve). La reconcentración donde murieron miles de cubanos se realiza bajo el reinado de Alfonso XII, otro Borbón.

La matanza por los sucesos del teatro Villanueva, el fusilamiento de los expedicionarios del Virginius, y otros muchos crímenes se cometen estando reyes de la dinastía borbónica en el trono de España, o sus regencias.

Al ocurrir la intervención estadounidense que pone fin a nuestra Guerra de Independencia, el gobierno español toma una actitud abyecta al pretender que EE.UU. se anexara a Cuba y ésta asumiera la deuda de 400 millones de dólares, cifra descomunal para la época, contraída por España para financiar sus guerras civiles, principalmente. Los estadounidenses se niegan, estaban atados por la Joint Resolution del Congreso dictaminando: “Cuba es y de derecho debe ser libre e independiente”. Aconsejados por los asesores cubanos en las negociaciones rechazan la deuda como “odiosa”. Era Rey Alfonso XIII, bajo la regencia de su madre.

La historia de España en los Siglos XIX y XX es la historia de la lucha de la monarquía borbónica contra la República y el constitucionalismo, y con relación a América la lucha contra la independencia de sus colonias.  Aún hoy el separatismo catalán tiene como antecedente el republicanismo tradicional de esa Nación, atada al Reino de España contra la voluntad mayoritaria de sus habitantes, desde siempre.

La historia de los Castro es mucho más plebeya. Ángel Castro Argiz vino por primera vez como alistado en el ejército colonial, probablemente pagado por una familia pudiente para evitar el reclutamiento de su vástago. Repatriado enfermo una vez terminada la contienda retornó a la República recién fundada. Luego de las peripecias habituales para un emigrante analfabeto y sin capital logra, a costa de mucho trabajo y pocos escrúpulos hacerse de una posición acomodada. No es propósito aquí de entrar en una biografía del gallego emigrado, solo decir que fundó una familia Castro-Morlote y luego otra Castro-Ruz.

De esta nueva prole surgen Fidel y Raúl Castro Ruz, Esta es historia harto conocida, pero menos comentado es el carácter antirrepublicano de ambos, pues de conjunto con un grupo de incondicionales de la etapa insurreccional contra Batista y la asesoría de intelectuales del Partido Socialista Popular estalinista, redactaron y pusieron en vigor una llamada Ley Fundamental que contradijo cuanto principio Republicano es universalmente aceptado, entre ellos la división de poderes, el imperio de la Ley sobre los individuos y organizaciones, la pluralidad política, el respeto a los derechos humanos, la austeridad de fondo y de forma, entre otros factores. Así el siete de febrero de 1959 con la entrada en vigor de esa ley murió nuestra República.

Como en Enrique de Navarra la idea de que el poder bien vale una misa hace que comecuras de los años soviéticos, que expulsaban sacerdotes masivamente del País y religiosos profesores y estudiantes de las universidades o del trabajo, hoy asistan a cuanta ceremonia se celebre siempre que los oficiantes tengan la poca dignidad de invitarlos.

Como Luis XIV pueden decir: el Estado soy yo, y con más razón pues el totalitarismo vigente hace palidecer el absolutismo monárquico del llamado Rey Sol.

Así la República cubana feneció a manos de los Castro como en España lo hizo a manos de los Borbones y sus seguidores monárquicos. Hoy la realeza sirve a los propósitos de las élites españolas adineradas, y en Cuba los Castro han creado sus propias élites, castas (2) las llamaría José Martí premonitoriamente.

Con esos antecedentes no sorprende la colusión Castroborbónica que no es de hoy, data de la época franquista.

1.     Su Alteza, la Gran Duquesa de Luxemburgo, esposa del Jefe de Estado, es una cubana nacida en Marianao… ¡estamos en todas partes!

2.     “Todo poder amplia y prolongadamente ejercido degenera en casta. Con la casta, vienen los intereses, las altas posiciones, los miedos de perderlas, las intrigas para sostenerlas. Las castas se entrebuscan, y se hombrean unas a otras”.

José Martí, Obras Completas, Edición Digital, t9, p 340.


Artículos del Autor 

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Otras ópticas: Información de consultas relacionadas ( actualizaciones nov/17/2019)

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En el umbral de Lucio Fontana

Cartas a Ofelia / Crónicas hispanas 

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Foto: Lucio Fontana. Señorita sentada, 1934. Museo del Novecento, Milán. © Fondazione Lucio Fontana

Cubamatinal / Bilbao, 16 de mayo de 2019.

Querida Ofelia:

Las obras tempranas de Fontana de las décadas de 1930 y 1940 ilustran un recorrido de creciente abstracción, no exento de influencias por parte de las corrientes estéticas que marcaron esos complejos años. Al mismo tiempo, apuntan hacia la naturaleza transgresora de los lienzos lacerados que dominarán su producción posterior.

La exposición presenta ejemplos extraordinarios de la icónica serie de Cortes (Tagli) así como el desarrollo previo de sus Agujeros (Buchi) situando la radicalidad de estas piezas en un terreno que conecta la pintura, la escultura y la acción artística.

A través de sus Ambientes espaciales (Ambienti spaziali) y sus experimentos con la luz y el espacio, incluido el uso de los tubos de neón, Fontana sienta las bases de los desarrollos posteriores en el arte de la instalación y de la obra de arte inmersiva.

En el umbral establece una visión transversal y completa de una figura que se hizo eco de los conflictos y angustias que definieron buena parte del siglo XX: desde las reconsideraciones del clasicismo por parte de la vanguardia y la estética ligada a los movimientos totalitarios europeos, la guerra mundial y la reorganización internacional de los movimientos artísticos en la posguerra, hasta el auge de la tecnología en la llamada “era espacial”.

El Museo Guggenheim Bilbao presenta Lucio Fontana. En el umbral, un nuevo acercamiento al legado de uno de los artistas clave del arte del siglo XX. A través de una cuidada selección de en torno a un centenar de objetos, incluyendo esculturas, cerámicas, pinturas, obra sobre papel y ambientes realizados entre 1931 y 1968, esta exposición nos permite recorrer los periodos fundamentales en el trabajo de uno de los autores más influyentes de la posguerra.

Lucio Fontana. En el umbral.

Fechas: del 17 de mayo al 29 de septiembre, 2019

Comisarios: Iria Candela, “Estrellita B. Brodsky” Curator of Latin American Art, The Metropolitan Museum of Art, Nueva York, con Manuel Cirauqui, Curator, Museo Guggenheim Bilbao.

Un gran abrazo desde la culta Bilbao,

Félix José Hernández.

Constitución & legislación “socialista” Vs. Ley Helms-Burton (I)

Opinión / La puesta en vigor del Título III de la llamada Ley Para la Libertad y la Solidaridad Democrática Cubanas (Ley Libertad) de 1996″ (“Helms-Burton”)

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Informar, esclarecer; ése es el reto… y lo que teme el régimen

 

Cubamatinal / En el supuesto —negado constitucionalmente— de que los cubanos de adentro contaran con información objetiva y pudieran debatir estos dos temas excluyentes pudieran contestarse la pregunta ¿Cuál será el peor para el futuro y su propia existencia como nación?

Por Germán M. González

Bauta, 11 de mayo de 2019 / CM / “Si España no ha querido ser nunca hermana de Cuba. ¿Con qué razón ha de pretender ahora que Cuba sea su hermana?” José Martí

La puesta en vigor del Título III de la llamada Ley Para la Libertad y la Solidaridad Democrática Cubanas (Ley Libertad) de 1996″ (“Helms-Burton”) por parte del gobierno estadounidense ha desatado la habitual campaña mediática con las también habituales consignas, tergiversaciones y medias verdades equivalentes a mentiras completas.Así los cubanos saldrán más ignorantes que cuando comenzaron, sucedió cuando la “nueva” constitución, sucede con el tema de la Helms-Burton y sucederá con el aluvión de leyes que aprobarán unánimemente los diputados designados.

Se trata de situaciones excluyentes pues esa legislación cesa su vigencia cuando un Presidente estadounidense certifique que en Cuba existe un gobierno democráticamente electo y se hayan resuelto (devolución, pago o negociación realizada) la mitad de las reclamaciones legalizadas en EE. UU., las cuales representan una pequeñísima fracción de las estatizadas luego de 1959, pues no todas se certificaron en EE.UU., se confiscaron a personas naturales o jurídicas que adquirieron ciudadanía estadounidense o su valor es inferior al límite fijado (50 mil USD) entre otras exclusiones (viviendas, escuelas, hospitales, etc.).

Como la Ley Helms-Burton” cesa cuando lo haga la actual constitución y sus leyes incompatibles con una elección democrática, la disyuntiva es: librarse de la dictadura “legal” de mandante todopoderoso (primer secretario del partido comunista) o seguimos padeciendo ambos efectos, es decir, el embargo de afuera y el bloqueo de adentro, al menos mientras  queden cubanos en Cuba, lo cual tiene un límite matemático por la baja natalidad, la emigración y la biología (nacen pocos, estos pocos emigran y los viejos se mueren).

Esta situación tiene una aspecto bueno y uno malo.

La buena es que si los cubanos de adentro y los cubanos de afuera actúan al unísono dejando de lado temas propios para “después de” un gobierno electo democráticamente puede: declarar impropias las deudas contraídas por el actual gobierno(1), reconocer los derechos universalmente aceptados a los cubanos de afuera y de adentro, y reconociendo lo absurdo e injusto de las expropiaciones realizadas compensarlas acudiendo a múltiples formas(2) para estimular junto con ese reconocimiento, inversiones, tanto de cubanos y sus descendientes como de estadounidenses, sin exclusiones.

La cosa mala es que el partido & gobierno cubano tiene larga práctica para desunir, desinformar,  atemorizar, etc. lo cual impediría que lo expuesto antes suceda a pesar de que obviamente nos conviene a todos, los de fuera, los de adentro no importa la posición política o ideológica, excepto si esta es fundamentalista, cada día más escasos.

Informar, esclarecer; ése es el reto… y lo que teme el régimen. 

Mientras tanto a los europeos, quienes hasta ayer padecieron a los Kaiser, Hitler, Zares, Stalin, Franco, Salazar, y otros, los Castro y sucesores les parecen “dictadores light” por tanto seguirán el proceso de recolonización liderados por los descendientes de aquellos a quienes José Martí describió magistralmente en su artículo  sobre “Cuba y la República española”(3).

(1)   Esto tiene su antecedente durante las conversaciones del Tratado de París: el gobierno de EE.UU. y sus asesores cubanos rechazaron que la República asumiera las deudas de guerra contraídas por España. Esto por supuesto solo puede hacerlo un gobierno electo, no designado, que signifique ruptura, no continuidad del desastre.

(2)   Exención temporal de impuestos, exclusividades, entrega de bienes inmuebles o no, etc.

(3)   La República Española ante la Revolución Cubana. Obras Completas, Edición Digital, t 1 pág. 88-98.

Artículos del Autor 

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Germán M. González

Economista, jubilado.  Trabajó en el sector agropecuario cubano, en la parte empresarial durante muchos años.

Columnista en Cubamatinal para las secciones de Economía y Opinión.

 

© Germán M. González 

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Piedras negras, de Eugenio Fuentes

Cartas a Ofelia / Crónicas literarias 

piedras

Cubamatinal / París, 6 de mayo de 2019.

Esta magnífica novela negra, me ha hecho descubrir a Eugenio Fuentes. El autor logra que uno mantenga el interés por saber los resultados de sus investigaciones y, trate de imaginar el desenlace, siguiendo sus pistas. Sus personajes están muy bien logrados y la intriga es excelente. ¡Una novela apasionante!

Un nuevo caso del detective Ricardo Cupido, en un Toledo espectral, donde el pasado ajusta cuentas y se cobra sus víctimas.

—¡Vaya! Toma, es la carta que te escribió la abuela.

En el sobre, de tamaño folio, había un puñado de hojas manuscritas con un título, BREDA, y dos sobres más pequeños, ambos cerrados. Uno contenía un fajo de billetes de cien euros. En el otro había dos cuartillas escritas en español—para evitar las faltas de ortografía que seguía cometiendo en francés— con la letra redonda y uniforme de su abuela, muy entintada, porque siempre escribía con pluma. Comenzó a leer en silencio mientras su padre recostaba la cabeza hacia atrás en el sillón y cerraba los ojos, con el rostro desfigurado por la tensión y el cansancio.

Querida nieta:

No sé cuánto tiempo pasará aún hasta que leas esta carta. En todo caso será cuando yo haya muerto. La había escrito dos veces, y dos veces la rompí, dudando si debía implicarte en este encargo, pero esta vez no la destruiré. No puedo posponerla más, porque no sé si mañana encontraría las palabras necesarias. Ahora es un buen momento: estoy sola, con la casa en silencio, con tiempo para buscar la expresión más correcta. Y seré breve.

Voy a hacerte un encargo que solo tú puedes cumplir. Tu padre y tu tío Jean-Luc están demasiado enfrascados en sus cosas y, además, a ellos nunca les ha gustado que hable de esto. Lo mantuve oculto durante tanto tiempo que, cuan-do al fin se lo dije, no quisieron creerme, lo consideraron una fantasía, una consecuencia más de esta enfermedad que devora mi memoria y mezcla lo soñado con lo vivido. Y a tus primos gemelos no les interesa nada lo de España. Tú, en cambio, siempre me has escuchado, quizá porque eres la única mujer de la familia, y puedes entender lo que significa mi petición. Para poder cumplirla deberás emprender un viaje, pero no te causará ningún daño. Al contrario, cabe la posibilidad de que te enriquezca de algún modo.

Quiero que vayas a España a buscar a mi hijo, a mi primer hijo. Nació en el hospital militar de Ciempozuelos el 5 de febrero de 1938, unos años antes que tu padre y que tus otros tíos. Fue fruto del amor, pero lo perdí. Me lo quitó la guerra y yo no tuve ni el coraje ni las fuerzas suficientes para retenerlo conmigo. No hice todo lo necesario. Durante muchos años creí que había conseguido, si no olvidarlo, sí resignarme a su pérdida. Me había casado con tu abuelo Émile, que tanto bienestar me dio. Pero ahora sé que no tardaré mucho en morir. O en olvidar, que es otra forma de morir. Y los recuerdos más lejanos han vuelto con mayor claridad, como si la enfermedad fuera descorriendo los velos que los cubrían.

Imagino la sorpresa que te estará causando esta carta y las preguntas que te estarás haciendo. Tienes todos los detalles de su nacimiento en estos folios, donde he anotado los lugares, las personas, las fechas que aún recuerdo y que no olvido, aunque se me olvide lo que ocurrió ayer.

Quiero que encuentres a mi hijo y le pidas que me perdone. Solo así podré descansar en paz. Tu abuela Marta, que tanto te quiere.

Marthe se quedó pensativa, con la cabeza agachada y un ligero temblor en la mano que sostenía la carta. La palabra «hijo» era la última que deseaba oír, estaba llena de espinas y, sin embargo, en boca de su abuela adquiría una inmensa dulzura. Acostumbrada a verla en casa, caminando despacio, sobrellevando sus achaques, con el rostro lleno de arrugas y las manos artríticas, hinchadas en las articulaciones pero aún capaces de sacar pasión de la viola, el contenido de la carta era una enorme sorpresa. Nunca había pensado que también ella había sido una muchacha de veinte años que un día amó a un hombre y lo besó con pasión, con la boca llena de luz, y se estremeció de placer en noches ardientes y sonámbulas, y fue feliz en sus brazos y desdichada al perderlo, y luego abrió su vientre tierno y elástico para arrojar al mundo un hijo entre sangre y humores… Cuando levantó la vista, su padre estaba mirándola, intrigado.

—¿Qué te dice?

—Quiere que vaya a España —respondió, como si aún estuviera viva.

—¡¿A España?!

—A buscar a un hijo que tuvo antes que a vosotros. En la guerra —añadió—. Ya me lo había dicho algunas veces.

Su padre suspiró y se frotó los ojos.

—Tu abuela se obsesionó con esa historia en los últimos años, pero ni siquiera tenemos la certeza de que ese hijo exista. Busqué por internet si había alguien con su apellido en ese lugar donde decía que nació, Ciempozuelos… ¡Y no encontré ninguna pista! Tu abuela no trajo de allí ningún documento que lo demuestre, se vino con las manos vacías, huyendo de una guerra que terminó en 1939. ¡Y estamos en el año 2004, Marthe! ¿Cómo podríamos encontrar algo después de sesenta y cinco años? Es imposible. ¿Y ahora quieres ir allí abajo?

—No lo sé —respondió Marthe guardando la carta en el sobre.

—El ambiente no debe de estar muy tranquilo después de esos horribles atentados en los trenes, hace un par de meses.

—Lo sé.

—Y en el caso improbable de encontrar a quien ni siquiera sabemos si existe —insistió—, ¿qué tendrías que decirle?

—Tendría que pedirle perdón en nombre de la abuela.

—¿Perdón? ¿Por qué?

—No lo sé. Supongo que por haberlo abandonado.

Su padre volvió a quedarse pensativo.

—Que perdone a alguien que ya no vive.

—Papá, esta es una historia de muertos.”

Cuando, en mayo de 2004, Marta Medina falleció en Toulouse, y se lee su testamento, su nieta Marthe escucha con asombro que debe buscar a un hijo de Marta nacido durante la Guerra Civil y que dio en adopción. Tras viajar a España, la nieta encarga la investigación a Ricardo Cupido. El detective encuentra en Toledo al hijo de Marta: se llama Alejandro Garcilaso y es un hombre muy rico, padre, a su vez, de una hija ilegítima. Sin embargo, Alejandro se niega a aceptar esa perturbadora noticia, y Marthe regresa a Toulouse. Unos días después, la hija de Alejandro aparece asesinada y éste acudirá a Cupido para que encuentre a los autores del crimen. Su búsqueda llevará a los lectores al epicentro de la burbuja inmobiliaria, a esa época en que la fortuna parecía estar al alcance de cualquiera, cuando emergían con fuerza las nuevas tecnologías y empezaban a desvelarse los «robos» de niños durante la dictadura.

«¡Qué bien le sienta al género negro tener detrás a un buen escritor!» J.M. Pozuelo Yvancos, Abc Cultural

«Las novelas de Eugenio Fuentes están soberbiamente escritas. Y sus tramas, suspendidas hasta las últimas páginas.» J.Ernesto Ayala-Dip, Babelia (El País)

Eugenio Fuentes nació en Montehermoso (Cáceres) en 1958. Galardonado con varios premios y traducido en doce países, Fuentes ha logrado con éxito situarse como uno de los autores españoles de novela negra con mayor proyección en el extranjero gracias a su detective privado Ricardo Cupido, protagonista de las novelas El interior del bosque (IX Premio Alba/Prensa Canaria, Andanzas 663), La sangre de los ángeles (2001), Las manos del pianista (Andanzas 504) y Cuerpo a cuerpo (Premio Brigada 21 en 2008 a la mejor novela policiaca escrita en castellano; Andanzas 624). A ellas viene a sumarse ahora Contrarreloj, en la que Cupido se traslada a un escenario apasionante como es el Tour de Francia. Autor de un volumen de cuentos, Vías muertas (1997), y otro de ensayos literarios, La mitad de Occidente (2003), Eugenio Fuentes también ha publicado en Tusquets Editores Venas de nieve (Andanzas 571), una historia en torno a la lucha contra la fatalidad, narrada con pulso maestro, que le valió el Premio Extremadura a la Creación.

Piedras negras. Eugenio Fuentes. Novela negra. Reservados todos los derechos de esta edición para Tusquets Editores, S.A. Colección Andanzas 934. Diseño de la colección: Guillemot-Navares. © Eugenio Fuentes, 2019. Rústica con solapas. Ilustración de la cubierta: © Jesús M. García / Getty Images. 14,8 x 22,5 cm – 368 páginas – 19 euros. Ebook disponible. ISBN: 978-84-9066-629-6

Félix José Hernández.